Un Allen de Fonte, por favor...

Jorge Fonte, prolífico escritor y crítico de cine, varias veces entrevistado en esta casa, se coloca con otros dos títulos de Woody Allen en las estanterías de ventas. Uno, la reedición de su imprescindible estudio de Cátedra (ya la sexta) y otro, sobre la asociación como Escritor y Cineasta. Pasamos a hablar de su libro y de Allen con él, como invitado habitual.

Raúl Cerezo: Maestro Fonte, encantado de saludarle otra vez por aquí. ¿Se podía sacar más de Woody Allen tras ese detallista estudio para Cátedra? Háblenos de Escritor y Cineasta, su otro libro del autor, como complemento de aquél.

Jorge Fonte: Alumno Cerezo…, encantado de volver a colaborar en vuestra web. Woody Allen. Escritor y cineasta nació de una conferencia que en junio de 2008 di en el Centro Cultural Príncipe de Asturias (Madrid) dentro del marco de una semana dedicada a la literatura. Durante la confección de dicha conferencia, y ante la gran cantidad de material que estaba desechando (pues sólo tenía una hora de tiempo para la charla) me di cuenta que de aquello podría (y debía) salir un buen libro. Además, era un aspecto del cine de Woody Allen que hasta ahora (no sé muy bien por qué) no había sido lo suficientemente bien estudiado. Y entendí que alguien debía hacerlo. El resultado a mí me ha sorprendido gratamente (en fin, qué voy a decir yo). En un principio no me esperaba encontrar tantas referencias literarias, por lo que el libro (aunque seguimos hablando de Woody Allen) es amplio y variado y, por supuesto, muy divertido.

Raúl Cerezo: ¿Cree que la suma de los dos libros hacen un todo sobre Allen, como ya hiciste con los varios de Disney.., o aún queda más por ofrecer?

Jorge Fonte: Bueno, la verdad es que Allen da para mucho. Un autor tan completo, que a lo largo de su filmografía ha tocado tantos temas diferentes, da para mucho juego. De hecho, probablemente Woody Allen sea uno de los directores de cine sobre los que más libros se han escrito. Por algo será.

Raúl Cerezo: Escritor y Cineasta, ¿cree que es un libro para personas muy entregadas a Allen o sirve para cualquier lector?

Jorge Fonte: A mí me gustaría pensar que es un libro para todos los públicos (creo que ni tiene ni una sola palabrota). Pero tal vez sí, en esta ocasión puede que quien más jugo le saque sean los allenfrikies (¿se puede decir así?). Es un trabajo especializado, no va sobre el cine de Woody Allen sino sobre la presencia de la literatura en las películas de Woody Allen, por lo que creo que podemos abarcar también a los lectores en general y a los filólogos a los que además de los libros les guste el cine. En este va a encontrar un poco de ambos.

Raúl Cerezo: Usted goza de ser líder (creo que muy pocos le superan..., o me atrevería a decir que ninguno, tirando de hemeroteca) de reediciones en la colección de Cátedra sobre directores. ¿Qué alegrías le ha traído su dedicación a Allen en esa casa y qué puede decirnos que aporta la nueva reedición al respecto?

Jorge Fonte: La verdad es que nunca pensé que pudiéramos llegar a seis ediciones. Pero ahí están. El problema es que como Allen estrena una película por año el libro ha ido creciendo (al irlo actualizando) poco a poco hasta alcanzar las 500 páginas. Lo cual para un libro de bolsillo es mucho. Por eso, de cara a esta sexta edición, la editorial y yo pensamos que sería buena idea ir un poco más allá y hacer una reescritura completa del texto, cambiar muchas de las fotos y presentarlo ante el público como un libro completamente nuevo. Es decir, le hicimos un auténtico lavado de imagen (por dentro y por fuera)… pero el libro seguía teniendo 500 páginas (570 para ser exactos). Así que, si este hombre continúa con su imparable ritmo de película por año acabaremos teniendo que hacer un libro por entregas.

Raúl Cerezo: Muchos creemos el hecho de que Allen lleva en un declive brutal desde hace décadas y que está muy lejos de esa gloriosa temporada que todos conocemos. ¿Qué puede decirnos de esto?

Jorge Fonte: Bueno, tal vez “declive brutal” sea una expresión un tanto drástica. Cierto que sus mejores películas las realizó en la década de los 80 (Hannah y sus hermanas, Delitos y faltas, Zelig, La rosa púrpura del Cairo… Recuerdos), pero también es cierto que Midnight in Paris casi-casi roza la perfección y es, sin duda su mejor obra en los últimos años.

Raúl Cerezo: En cualquier caso, se ha ganado el estrellato desde hace tiempo. ¿Cree que Woody Allen hará una película redonda otra vez o podemos perder la esperanza? En El zoom erótico, la perdimos hace tiempo. Cosas como Manhattan o Broadway Danny Rose, ya no...

Jorge Fonte: No lo sé, aunque también es verdad que hasta llegar a Midnight in Paris antes tuvimos que tragarnos muchas otras de peor calidad (y no me tires de la lengua, que todos estamos pensando en las mismas).

Raúl Cerezo: ¿Qué puede decirnos sobre la literatura de cine? ¿Cree que hay suficientes lectores? ¿Podría dar para vivir al escritor de cine o es complementario?

Jorge Fonte: Ten en cuenta que aún siendo un tema minoritario en España se publica una media de 150 títulos diferentes cada año. Puede parecer mucho, pero no lo es. La cuestión sería preguntarse cuántos de esos 150 títulos son realmente buenos e interesantes. De todas maneras, ten en cuenta que el cine se estudia en las universidades, por lo que hacen falta libros de texto.

Raúl Cerezo: ¿Qué piensa del siguiente Allen? ¿No pinta a otra película con destinos turísticos?

Jorge Fonte: Esperemos que no. El rodaje de Blue Jasmine se ha realizado en San Francisco, y el plantel de actores promete (Cate Blanchett y Alec Baldwin). Démosle un voto de confianza (al verdadero maestro).

Raúl Cerezo: ¿Qué piensa de Woody Allen como músico? ¿No cree que muchos estadios se llenen por su nombre como cineasta?

Jorge Fonte: Eso es cierto. Y es algo que él mismo ha dicho muchas veces. La gran mayoría de la gente va a verlo a él… la música que toca es lo de menos, no les interesa. De hecho, estoy seguro que la mayoría del público que va a un concierto de Woody Allen no le gusta (ni ha oído jamás) ese estilo de jazz tradicional de Nueva Orleans que ellos tocan. Pero así es la fama.

Raúl Cerezo: Cuéntanos, por favor, tus próximos proyectos. Si es que caben en el espacio que nos brinde el blog, porque conociéndote...

Jorge Fonte: Antes me preguntabas si ya lo había escrito todo sobre Woody Allen. Bueno pues, todo, todo no. De hecho, ahora estoy trabajando en un nuevo libro que… lo siento pero tendrán que esperar al año que viene. No les puedo decir el tema, pero les adelanto que “será muy sonoro”… Y hasta aquí puedo leer.

Raúl Cerezo: Tremendo placer, maestro. En breve le tendremos otra vez por aquí, debido al libro de cátedra de John Lasseter.

Jorge Fonte: Pues hasta entonces…, alumno.

El cortometraje sí tiene quien le escriba

Juan Antonio Moreno lo ha vuelto a hacer. Ya fue pionero en escribir un libro sobre el cortometraje en España y ahora vuelve a hacerlo, con un nuevo enfoque y una nueva entrega, en una obra absolutamente arrebatadora y enriquecedora.

Raúl Cerezo: Juan Antonio, fuertes buenas. Lo primero... ¿qué tal fue el libro anterior? ¿No es tan suicidio escribir sobre el cortometraje y, encima, publicarlo?

Juan Antonio: Buenos días Raúl. La verdad es que “Cine en corto” ha tenido casi el mismo recorrido que un cortometraje. Hace unos días, sorprendentemente, encontré una reseña del libro en una revista de cine, casi cuatro años después de su publicación. Ha tenido muy buena acogida y unas críticas muy generosas.

Si hay algo de lo que me siento satisfecho es escuchar comentarios como que “he dignificado la crítica del cortometraje”. No me siento tan importante, pero considero que he contribuido un poco en dar mayor visibilidad a un formato que me fascina.

R: ¿Qué te propones con este nuevo libro? ¿Habrá un tercero?

J: Pretendo establecer un punto de situación del corto en un período (2008-2012) en el que su trayecto se corresponde con esta etapa de crisis demoledora que padecemos. Frente a esta oscuridad financiera, el corto mantiene su fortaleza y se configura como un espacio de resistencia que permite una absoluta libertad creativa. Reivindico el valor del cortometraje: es un activo muy importante para la cultura de nuestro país. Respecto a un nuevo libro, de momento, habrá que esperar, es complicada la edición de libros. He dedicado más de 3 años muy duros a este último trabajo y espero que mi aportación resulte de interés. Lo que va a continuar es mi pasión por el cortometraje.

R: ¿Desde cuándo escribes sobre cortos?¿Qué te llevó a ello?

J: Desde el año 2003. Con ocasión de una conferencia que impartí sobre cine, me ofrecieron participar en la organización de un Festival de cortometrajes. Desde entonces vivo una fuerte pasión por el corto, origen del cinematógrafo.

R: ¿Cómo ves el panorama actual del cortometraje? ¿Prefieres nuestro nivel o el internacional?

J: Como he apuntado anteriormente, le veo con optimismo, pese a todo. Se hace mucho cine en nuestro país. La revolución digital ha permitido una democratización en el acceso y un abaratamiento de los costes de producción que permite que nuestros cineastas fructifiquen sus ideas, que las tienen y en muchos casos, muy interesantes. España es un país con un nivel medio más que notable. Y la prueba de la aceptación de nuestro cine en corto es la buena acogida en cuantos festivales internacional acuden nuestras producciones. Estuve en la última edición del festival de Clermont-Ferrand –la cuna del cortometraje mundial- y es verdad que siento un poco de envidia sana de los franceses, porque tienen un concepto de la cultura del que debemos aprender un poco. Siempre hay buenos trabajos en todos los países aunque me gustan mucho las obras francesas, la animación checa y los últimos trabajos polacos.

R: ¿Cómo crees que está tratado el cortometraje en España? ¿Qué festivales o pantallas destacas?

J: En España han mejorado los espacios de exhibición aunque todavía queda camino por recorrer. En “Miradas en corto” dedico un apartado a este tema y he notado que los medios han mejorado en su tratamiento a este formato. Por otro lado, hay un factor muy relevante con la llegada de las nuevas pantallas: se produce un cambio sustancial en el consumo cinematográfico, se pasa de un consumo colectivo a uno individualizado y eso, sociológicamente, es un elemento de relevancia. Es importante destacar a dos plataformas como Márgenes y PLAT (Plataforma de Difusión e Investigación del Audiovisual) porque acercan otro tipo de cine más experimental o vanguardista y abren un espacio de exhibición muy necesario.

En cuanto a festivales, me gustaría destacar la labor que realizan desde Cortogenia y Córtate, en el cine Capitol, lugar de encuentro maravilloso de gentes del corto. Además, han llegado otros festivales como Cortópolis, desde los cine Kinepolis que hacen de la exhibición de cortometrajes una espectáculo muy interesante. Desde luego, apoyaré siempre la labor de estupendos festivales de cortometrajes como el de Alcalá-Comunidad de Madrid (ALCINE), Medina del Campo, Huesca, la SEMINCI de Valladolid y en general todos aquellos que mantienen su compromiso firme con este género con identidad propia.

R: Dinos algunos autores que te parezcan imprescindibles del formato. Mójate.

J: Sabes que es complicado citar nombres. En este período he constatado un auge considerable del documental. Y en ese terreno, tenemos buenos autores como Sergio Oksman, Chus Domínguez, Samuel Alarcón, María Cañas, Lluís Escartín, León Simiani, Chema Arake y Hernán Talavera, Roger Villarroya y Ventura Durall, entre muchos otros que intentan dignificar un género que se compromete con el cine. En la animación, además de Marc Riba y Anna Solanas, me gusta citar a Coke Riobóo, cuyo último trabajo es estupendo, están, además, Juan Antonio Espigares, Isabel Herguera, Zoe Berriatúa, Luis Zamora Pueyo, Jossie Malis y otros muchos. Y respecto a la ficción, me gustan César y José Esteban Alenda, Andrés Sanz, Manuela Moreno, María Trénor, los regresos puntuales de Jorge Dorado, Koldo Almandoz, Rubén Torrejón, la mirada sugestiva de Javier Garmar y Gonzalo de Pedro, toda la obra –muy coherente- de Esteban Crespo y tantos otros que escapan al espacio de esta entrevista y a los que debemos todo el respeto del mundo.

R: ¿Qué futuro ves al corto?¿Hacia dónde va?

J: Soy muy optimista. Como he comentado, mantiene una fortaleza que abre nuevas vías de regeneración. Espero que los autores regresen al origen, es decir, a una mayor experimentación y que aprovechen la libertad que propicia un formato que escapa al control industrial. Desde luego, vaticino larga vida para un formato maravilloso.

R: ¿Hay más nivel en el corto que en el largo?

J: Siempre he comentado que las piezas cortas superan en muchas ocasiones la calidad de su -mal llamado- hermano mayor.

R: Háblanos un poco más de tu libro. Qué podrá descubrir el lector en él.

J: Además de conocer el panorama de este sector en el último lustro, el lector podrá repasar detalladamente las piezas que más han destacado y podrá leer el análisis detallado de 72 piezas de este período más 12 joyas de la historia del cortometraje nacional que he recuperado porque considero necesario reivindicar.

R: ¿Nunca te has decidido por dirigir un corto? ¿Y dar clase?

J: La verdad es que nunca lo he pensado. Escribir un guión, tal vez, pero es complicado. Últimamente he participado en un crowfunding para un corto. El tema de la formación es atrayente pero, por desgracia, dispongo de muy poco tiempo libre aunque no descarto nada.

R: Cuéntanos proyectos de futuro.

J: Pues de momento, disfrutar de la promoción del libro. Me han invitado a un par de festivales y participaré de nuevo de la emoción de transmitir mi estudio sobre este último lustro del cortometraje en España.

R: Por último...¿asistes mucho a festivales? ¿qué ambiente general ves allí?

J: Siempre que puedo, me gusta ir a todos los posibles. Es un entorno muy especial por el clima que se crea entre todos los participantes. Sin duda, es el espacio ideal de encuentro entre el emisor y el receptor. Y, desde luego, nosotros, los periodistas, también tenemos nuestro hueco para promocionar, en la medida de lo posible, las joyas de la creación audiovisual que se generan en nuestro país.

R: Un placer, máster. Gordote.

J: Gracias Raúl y felicidades por tus nuevos proyectos que también permiten acercar el cortometraje al público.

No mires ahí

La originalidad está sobrevalorada...

De hecho, más que la originalidad, la necesidad de serlo... Creo que existe una obsesión desmedida en valorar todo lo original como superior cuando a estas alturas de nuestra historia como civilización es difícil que algo no esté ya inventado. El propio Jim Jarmusch defiende esta idea en una de sus citas más conocidas:

"Nothing is original. Steal from anywhere that resonates with inspiration or fuels your imagination. (...) Select only things to steal from that speak directly to your soul. If you do this, your work (and theft) will be authentic. Authenticity is invaluable; originality is non-existent. (...) "

Es por tanto que una de las posibles acusaciones que pueda existir hacia No Mires Ahí como puede ser su falta de originalidad, es, hasta cierto punto, una acusación carente de sentido dado que al final, lo que hace el corto es contar una historia que funciona rodado de forma que funciona. Y no nos engañemos, al final es lo que cuenta. Porque aunque uno como fan del terror fantástico pueda sufrir ecos o reminiscencias de historias ya vistas, el encaje final es muy competente.

Lo que se nos presenta es una historia de cierto costumbrismo familiar y la superación de una muerte cercana mezclada con algo de historia de fantasmas, con ciertas reminiscencias a su corto anterior Juan con Miedo. Ese costumbrismo es uno de esos toques que, aunque sean comunes, convierten el cine de terror en algo más y crean el enlace entre el espectador y lo que pasa de manera que se consigue de una forma más efectiva la identificación en esas situaciones cotidianas a pesar de estar salpicadas de fenómenos sobrenaturales. El hecho de que estas situaciones no sean extremas sino realmente identificables, como los problemas entre la madre y la hija mayor, hace que este vínculo se refuerce sin llegar al extremo paródico que parece rodear algunas de estas producciones. Daniel Romero se aferra a esta naturalidad y crea una ambientación soberbia y no carente de cierto mal rollo o tensión en esos momentos puntuales necesarios.

A nivel de realización hay pocas pegas, el rodaje en 2.35:1 va perfecto y deja esa sensación de película de corta duración más que de cortometraje a la que, por suerte, uno empieza a acostumbrarse ya a pesar de todas las trabas a la industria. La fotografía de Jose Martín Rosete, con tonos apagados y la elección de mucho plano corto, así como la localización en un piso muy pequeño ayuda a generar un ambiente opresivo que se transmite al espectador y provoca el desasosiego necesario en una película de estas características.

Juegos con espejos... me encanta

En la parte negativa que siempre busco para que no se me acuse de pelota, tengo que elegir un par de cosas. En primer lugar hay un par de giros que me parecen algo inconexos, uno concreto es el momento del bosque. No tanto por la falta de sentido, que en conjunto se entiende y encaja bien en esas intenciones que destila la relación padre-hija, si no que en general me parece algo brusco. Tengo la sensación que funcionaría mejor en un largometraje con algo más de desarrollo, pero también creo que la historia que se está contando se beneficia del formato corto. A pesar de eso, sí que noto ese ritmo algo más forzado sobre la parte final aunque no desmerezca al conjunto.

Una segunda pega, esta sí más personal, es la música. No tanto por parecerme mala o poco adecuada, como por dejarme cierto sabor de boca de que está siendo demasiado efectista en momentos puntuales. En general admiro la sutileza con la que se mueve la narrativa durante los primeros minutos y este cambio de tono musical en la parte sobrenatural me descoloca un poco. Aun así, suelo ser bastante puntilloso con los momentos musicales, con lo que en realidad esto puede perfectamente no ser algo negativo.

No puedo acabar este texto de ninguna otra manera que no sea alabando el gran trabajo de Daniel Romero (al que algo en mi interior no para de llamarle David y no sé por qué...) en este corto y deseando que este nivel se mantenga en las obras posteriores.

Pedro Pérez (aka Findor)

Cortópolis IV

Aunque no sea un espectador habitual por culpa de la distancia,  he intentado siempre mantenerme cerca del proyecto de Cortópolis, al que otros ya hacen honor periódico escribiendo esa crónica que yo no puedo. Incluso con estos huecos de asistencia, llega un momento donde empieza a ser muy complicado hablar del festival sin que parezca un peloteo constante. El tema es que aunque parezca que uno suelta elogios a Cerezo y el resto de la organización por conseguir llenar una sala gigante de Kinepolis y hacer que nadie se mueva durante dos horas, en realidad todo esto es mérito de los cortometrajistas que llenan esas dos horas.

Es evidente que alguien debe seleccionar y planificar, pero tampoco sería posible si no hubiese un buen material disponible. Sin descubrir nada nuevo, la inclusión de cortometrajes internacionales ayuda a solventar posibles altibajos en el panorama nacional, aunque no se puede negar tampoco que mantener un nivel constante de forma mensual es una ardua tarea que ya resulta difícil incluso para una cartelera de cine.

Poco o nada quiero decir de la organización, personalmente creo que es interesante para el público que se haga una pequeña presentación sobre los cortos por parte del NENE. Algunos de los comentarios previos, para mí, resultaron spoilers técnicos, aunque entiendo que son cosas en las que normalmente la gente no se fije y está bien hacerlas notar. No puedo hablar bien de las introducciones de los directores, a pesar de que se agradezca poder poner cara o voz al autor, quizá sean demasiado irregulares y crean un efecto algo inconexo.

A lo que iba, el gran protagonista de la gala, como viene siendo habitual, es el corto, algo que no defenderé otra vez por riesgo a convertirme ya en muy cansino, y que simplemente espero que se vaya defendiendo solo a cada edición que pasa como hizo en esta, en la que cuesta encontrar algo realmente malo en la selección, y en la que los que tienen que estar al final de la lista de favoritos (al menos de la mía), son más por agravio comparativo que por una falta real de calidad, ya que todos los participantes disponen de valores suficientes como para no ser considerados obras de relleno. También tengo que decir que por los comentarios intercambiados con otros asistentes, parece ser que esta edición fue especialmente alta en calidad general.

En total fueron 8 cortos, los 7 del cartel más un corto sorpresa los que llenaron la noche...

El hombre equivocado (Roberto Goñi): La primera pieza de la noche es una comedia romántica que empieza quizá de una forma demasiado convencional con una pareja algo atípica en su primera cita, un aburrido cuarentón que de repente se encuentra con una guapa aventurera con un desconcertante interés por él.

A pesar de esto, alguno de los giros consigue mantener el interés y crear una atmósfera interesante a la que ayuda bastante la naturalidad que desprenden los dos protagonistas (Alejandra Lorente y .

En el plano técnico tengo que decir que es, probablemente, el corto que menos me impresionó de la velada, no tanto por creer que tenga mala calidad, sino por el poco riesgo técnico que hay, con cierto abuso de los planos cerrados y subrayados musicales, lo que le dan un aire algo soso en este apartado, aunque tampoco desmerezca el resultado final, lo hace menos vistoso de lo que merece.

Efímera (Diego Modino): Lo primero que me vino a la cabeza mientas veía Efímera es lo jodida y enferma que me resultaba la mezcla entre los toques coloridos de las escenas con la niña protagonista y la sordidez de los interludios con las escenas de tortura. Algo que en un principio no queda muy claro hacia donde va pero que se convierte en humor negro al conjuntar ambos desarrollos.

Efímera es un corto con una potencia visual apabullante, que bebe mucho de Jeunet (como se aprecia en el poster) en su parte luminosa con la niña que quiere bailar y lo mezcla con escenas mucho más sórdidas para crear un contraste tan desconcertante como atractivo. No tengo apenas pegas para la parte técnica, ya que los actores están muy creíbles y los efectos especiales cumplen de forma sobrada con su cometido, aunque también es verdad que igual hay alguna escena más alargada de la cuenta o sobrante, pero que tampoco rompen el resultado final.

The Backwater gospel (Bo Mathorne): Para mí, el pelotazo de la noche. No suelo esconder mi predilección por la animación, pero en este caso puedo asegurar que todo el conjunto es espectacular, empezando por un diseño de personajes impresionante y una ejecución estética apabullante. No sólo eso, sino que además conjunta las posibilidades de la animación para jugar con la cámara y las perspectivas de manera que todavía da más empaque al conjunto.

Junto a todo esto se encuentra una historia de religión y humanidad algo evidente, pero que funciona y sorprende sobretodo en la orgía de violencia final.

Aun así, todavía me produce un sueño húmedo pensar en que hubiese sido de este corto si se hubiese optado por algo en 2D real en vez del cell shading de la propuesta, aunque entiendo perfectamente que si se ha llegado a este nivel final es por la asequibilidad de la tecnología.

Cargols! (Geoffrey Cowper): El intermedio de la velada lo ocupo un corto catalán a lo “monster movie”, de factura cutre pero con mucho amor, humor, caracoles gigantes y algún WTF? Un corto parodia que quizá no tenga los valores artísticos del resto de participantes, pero que al final consiguió crear un momento de relax que se agradeció enormemente. 

Misterio (Chema García Ibarra): Tragicomedia de la España profunda con una sensación de film de José Luis Cuerda en muchos de sus aspectos. Una mezcla maravillosa de costumbrismo y surrealismo a partes iguales con personajes parodia y multitud de situaciones absurdas.

Lo sorprendente del asunto, o quizá no tan sorprendente, es el ritmo narrativo que se consigue rodando todo el corto en planos fijos sin mover la cámara, lo que da como resultado que muchos planos acaben teniendo una belleza estética magnífica y demuestra que no hace falta acción trepidante en las imágenes para poder narrar de forma dinámica.

Para más admiración personal, el humor bizarro del corto se junta con un giro final de los de patada en la entrepierna que lo remata para ponerlo en mi top personal de cortos favoritos. 

Malas hierbas (Daniel Tornero): Muy buena comedia negra que le debe casi todo a sus dos protagonistas principales, especialmente a Luis Zahera que está de un sublime que espanta, pero que no desmerece tampoco a Joan Manuel Gurillo, segundo protagonista que consigue en muchos momentos transmitir ese asco que debería dar un personaje como el suyo.

La buena labor actoral se ve un poco desdibujada por una parte técnica algo más floja, no tanto por el desarrollo de la acción, que tiene algunos juegos y movimientos de cámara destacables, sino por una foto algo quemada que rompe un poco el trabajo visual. La música tampoco está a la altura al dar una sensación muy amateur, pero el buen ambiente creado por el resto de factores hace que uno no se fije demasiado en ello.

Voice Over (Martín Rosete): Cortometraje que hilvana tres historias aparentemente dispersas mediante una voz en off en francés. La elección del francés es algo que podría ser discutible, pero la entonación le da un toque también muy Jeunet (y van dos), y no sólo eso, sino que la historia del soldado recuerda también visualmente a Largo Domingo de Noviazgo. A pesar de algunos efectos digitales algo evidentes, como el alien, Voice Over se puede definir como muy preciosista a nivel estético. Sin embargo, al final queda un poco desdibujado precisamente porque la escena que debe unir esas tres historias a mí me resulta algo inconexa.

A pesar de ello, la excelente producción le da un acabado espectacular.

The Voorman Problem (Mark Gill): Como final de fiesta se presentó un corto inglés con un duelo de protagonistas espectacular, Martin Freeman y Tom Hollander en los papeles de psiquiatra y de recluso que se cree dios respectivamente. Independientemente del formato corto, desde el primer segundo todo tiene un aire de producción grande y la historia es digna de los mejores momentos de The Twilight Zone.

Los detalles que acaban provocando el giro argumental son magníficos, con toques de humor incluidos, ¿Bélgica? Y el final, aun siendo un corte muy a mala leche, es también el que le pone un maravilloso colofón final. Lo peor probablemente es que se hace muy corto, valga la redundancia.

Siento decir que después de esta experiencia se me hace todavía más duro no poder asistir de forma habitual al evento al ser uno de los pocos españoles que aún tiene trabajo, aunque seguiré echando euromillones a ver si…

Los demás podéis ir siempre, que es un gran evento.

Pedro Pérez (aka Findor)

Refugio 115

Como siempre, intentaré no hacer muchos spoilers del cortometraje, pero en este caso es evidente, dada su naturaleza, que voy a tener que explicar cosas de su argumento.

Uno de los problemas que parece atacar al cine de género en su globalidad es la incapacidad de salirse de cierta ansia de exhibicionismo y una obsesión por mostrar más de la cuenta. En general también me parece algo que viene empujado por el avance técnico y la inversión en efectos especiales y que hace que la posibilidad de crear un impacto visual realista acabe derivando en la necesidad de mostrar un impacto visual realista, algo que, en el fondo, es muy difícil de conseguir.

Por otro lado parece existir la idea de que insinuar siempre es mejor que mostrar, cuando probablemente insinuar bien, es mucho más complejo de lo que parece y se usa en muchas ocasiones para ocultar la incapacidad de contar algo o incluso cierta pereza al hacerlo.

Una de las ventajas de insinuar bien es que se juega con una ventaja importante sobre la psique del espectador que intentará rellenar el hueco con sus propios temores, porque en el fondo el horror a lo desconocido es lo que genera el miedo más aterrador posible.

Esa capacidad de insinuar sin caer en la trampa de parecer perezoso es lo que más me ha impresionado de Refugio 115, de Iván Villamel.

El corto nos sitúa dentro de un refugio antiaéreo durante los bombardeos de la aviación italiana en 1938. Un lugar donde pesa una extraña maldición y donde, a pesar de todo, se encuentra un grupo de personas para escapar de los bombardeos.

La lucha principal que acomete el corto es la de los protagonistas contra la oscuridad. Una oscuridad que funciona más como ente tangible y que les caza uno a uno. Aunque pueda parecer una elección fácil, la oscuridad como elemento es algo que funciona a nivel subconsciente, pocos somos los que nunca hemos tenido miedo a la oscuridad de niños, pero incluso de mayores ejerce una influencia importante al dejarnos solos con nosotros mismos y tener que enfrentarnos a esos momentos de autoconsciencia. Dada la localización temporal del corto, ese avance de la oscuridad tiene una interpretación geopolítica muy evidente con los sucesos posteriores, aunque el enfrentamiento casi personal de los protagonistas ante ella me parece una imagen mucho más poderosa sobre los efectos de la guerra en las personas.

En la parte técnica me he encontrado con un corto muy sobrio. La localización subterránea y el ambiente minimalista hacen que los efectos de cámara no necesiten demasiada pirotecnia, pero aún así visualmente funciona todo muy bien con cámara casi fija y algún que otro seguimiento cercano de la acción. Uno de los planos que más me ha gustado sucede casi al principio, justo después de la primera desaparición, en un momento donde los dos protagonistas principales se levantan de golpe y la cámara sigue el movimiento perfectamente sincronizada. Es uno de esos pequeños detalles que personalmente suelen llamarme mucho la atención. El juego de luces y sombras es imprescindible dado el contexto y crea un tono lúgubre que da mucho ambiente al corto.

Una de las cosas negativas, aunque tampoco es novedad en mi caso, son las interpretaciones. No es desconocido que suelo ser bastante crítico con la manera teatral de actuar de los actores patrios que en muchas ocasiones me acaban sacando de la narración. Este caso, por desgracia, no va a ser diferente, aunque siendo algo que casi siempre me choca, acabo ignorándolo bastante. También es cierto que las circunstancias de rodaje de un cortometraje son muy diferentes y no siempre se puede tener todo.

Por acabar de forma positiva, me chifla la música. El tema principal de Àlex Solana con ese aire infantil aunque con cierto toque enfermizo me parece perfecto. Me parece un enorme acierto el uso puntual que se hace del mismo, no solo con su uso durante los créditos de inicio, también por la aparición en dos momentos puntuales al principio del cortometraje y su posterior silencio durante el resto de narración para dar paso a algo mucho más tétrico que dura hasta los créditos finales.

Como siempre, este blog y yo personalmente, nos hemos posicionado a favor del cortometraje, no solo como medio de crecimiento para cineastas, sino como medio independiente y realmente poderoso para contar historias. Son cortos como este los que creo que nos dan la razón, y 100 nominaciones lo avalan.

Larga vida al corto.

Pedro Pérez (aka Findor)

Como bonus track, hemos conseguido también una mini entrevista a Iván, que ponemos a continuación (nota: La crítica anterior ha sido escrita sin leer la entrevista anteriormente):

1-.Tenemos entendido que eres uno de los únicos cortometrajistas que ha dado una lección al mundo de la distribución. No has pagado distribuidora y consigues ser un top 5 de los más nominados este año. ¿Cómo se explica y qué puedes contarnos al respecto?

Se explica desde la pasión y la dedicación, dos aspectos que siempre me han acompañado desde niño cuando se trata de cine, y la única forma que conozco de acercarme a este arte. La autodistribución requiere de mucho amor por lo que haces y de constancia, confiar en tu trabajo y tratarlo como a un hijo, algo que en muchas ocasiones olvidamos. Tu obra siempre debe ser lo primero, dar a conocer tu trabajo, eso es algo que también he visto equivocar en muchas ocasiones, cuando el cortometrajista está más pendiente de aparecer en la foto vendiéndose a si mismo que dejar crecer su trabajo y ganarse el respeto por ello.

Con respecto a las distribuidoras, no sólo no tengo nada en contra de ellas, sino que admiro la excelente labor de distribución que hacen con sus trabajos, pero en muchas ocasiones los cortometrajistas disponemos de pocos medios para esa colaboración. No siento que haya dado una lección a nadie, la verdad, aunque se agradece el halago, porque el trabajo es muy duro. Ese duro trabajo de autodistribución tiene su mayor recompensa cuando consigues un trato más cercano y personal con los festivales de cortometrajes y las personas que los llevan, algo que te hace sentirte aún más integrado en esto.

2-.Han definido tu cortometraje como un "Alien, el Octavo Pasajero" en la Guerra Civil. ¿Por qué la Guerra Civil? ¿Dinamitar el género de esta brillante manera te hace huir de los tópicos al respecto? ¿Cómo conseguísteis esa localización y de qué manera transcurrió el rodaje?

La verdad es que nunca tuve presente “Alien” cuando desarrollé la historia, pero me encanta la definición por lo de mezcla genérica que tiene y por la debilidad que siento como espectador hacia esta película. Y precisamente era lo que buscaba a toda costa, evitar los tópicos sobre la Guerra Civil, construir una historia que hablara de lo que nunca nos hablan sobre ese periodo. Después de muchos años de obsesiva dedicación cinéfila, no conseguía recordar películas que hablaran de esas personas anónimas de las que nunca hablan este tipo de películas, los que se refugiaban bajo tierra con el único objetivo de esperar que pasara el horror para volver a sus casas. Me pareció que podía ser un tema muy interesante, explorar esa convivencia, y al igual que los tópicos generales sobre este tipo de películas, dinamitar también el concepto estatus social, ya que ahí dentro toda persona estaba expuesta al mismo riesgo, sin privilegios de género, condición o posición social. Construí la historia bajo esa premisa y sobre dos conceptos más, el enfrentamiento ancestral entre luz/oscuridad y la relación metafórica guerra/oscuridad. La localización fue casual, una simple búsqueda en Internet me llevó a una página web de un refugio antiaéreo en el pueblo de La Garriga, situado a unos 40 km de Barcelona. Me quedé asombrado de cómo estaba conservado y me obsesioné con rodar allí por las excelentes condiciones que ofrecía para desarrollar el estilo visual y cinematográfico que buscábamos, algo que los refugios antiaéreos de Barcelona no nos daban por diferentes motivos. El Ayuntamiento de La Garriga se portó de maravilla con nosotros, porque nos lo cedió siendo un espacio cerrado al público, solo visitable una vez al mes con visita guiada.

Cuando te encuentras con una localización así todo ayuda, y compensa ciertas dificultades que tuvimos en rodaje, como por ejemplo el limitado espacio para mover un gran equipo de gente ahí dentro, el frío polar que hacía en el mes de Enero o la altísima humedad del interior del refugio. Por suerte, tuve el privilegio de contar con un equipo muy cualificado, lo mejor de lo mejor en su puesto dentro de nuestra escuela de cine “Bande à Part”, en Barcelona. Ver la trayectoria que lleva “Refugio 115” este último año habiendo sido producido en una escuela de cine, con todas las limitaciones que eso conlleva, es una sensación muy satisfactoria.

3-.¿Qué futuros proyectos tienes y qué puedes decir del actual estado del cortometraje español, en cuanto a títulos, recorrido y festivales?

Estoy con varios frentes abiertos, y todos ellos me ilusionan mucho. El más inmediato es mi próximo cortometraje, del cual estoy revisando versión final de guión para rodarlo con toda seguridad este próximo año 2013. De nuevo me adentraré en el terreno del fantástico para intentar utilizar el género para contar algo más de lo que se ve en principio, la elección que más me motiva como creador y como espectador, cuidar la forma para llenar lo máximo posible el fondo. Además, como todos los que nos queremos dedicar a esto, llevo tiempo trabajando en el tratamiento de un largometraje de cara a medio/largo plazo, sobre el conflicto entre la civilización y la naturaleza, con mitos del folklore local de por medio. El otro gran proyecto que ocupa mi mente y me ilusiona mucho es “Cortópolis”, un gran evento de cortometrajes que se celebrará cada mes a partir del 2013, en el cual el espectador podrá disfrutar de lo mejor del cine corto a nivel nacional e internacional. Formar parte del equipo de selección de trabajos y compartirlo con esa gran familia que es “Cortópolis” será un placer muy grande. Se trata de otro gran proyecto de esa mente rebosante de ideas y de talento que es Raúl Cerezo, compañero y amigo, apoyo y ejemplo, un placer siempre. Creo con firmeza que el estado del cortometraje español es excelente, pese a las limitaciones que parece que sufrimos cada vez con mayor fuerza en este país. Precisamente una de las grandes ventajas de la autodistribución que comentaba antes y de tratar en cercanía a profesionales dedicados a esto en el extranjero, es poder comprobar el enorme aprecio que hay al cortometraje español alrededor del mundo, tanto a nivel generalista como a nivel de cine fantástico, que es lo que a mi me toca más de cerca. A veces me da la sensación que se valora mucho más fuera de nuestras fronteras que dentro, cuando el nivel de talentos es muy alto y cada año surgen nuevas obras que ocupan un lugar de privilegio en los festivales más prestigiosos del mundo.

Si hablamos en concreto de cine fantástico, que es el espacio que ocupa “Refugio 115”, lo veo con muchísima salud porque cada vez hay más festivales y espectadores, pero sufriendo el problema que ha sufrido siempre el género, ser ninguneado con respecto al cine generalista en más ocasiones de las que nos gustaría, un mal endémico sufrido a lo largo de toda la historia del cine y al que aún buscamos una solución definitiva.