El Zoom Erótico

70m2

2012-01-29T11:23:00.008+01:00

Nota: Este texto contiene algunos spoilers del corto, dado que actualmente está disponible en Youtube, es recomendable verlo antes.

Añadido: Dado que el corto está en Youtube, que menos que dejar un enlace al mismo para verlo.

Una de las mayores dificultades que existen a la hora de enfrentarse a una narración es la "verosimilitud", o más concretamente, lo que estamos dispuestos a dejarnos engañar, también llamado normalmente suspensión de incredulidad.

Digo que es difícil porque normalmente no es una decisión consciente, y depende en mucho grado, de la capacidad de identificarnos con el protagonista y su entorno. A veces parece más fácil creerse una película de Bay que una de Hitchcock precisamente por la intención del segundo de ser más realista…

Mientras estaba viendo 70m2, dirigido por Miguel Ángel Carmona, una parte de mi cerebro no podía parar de pensar en lo absurdas que me parecían algunas situaciones o decisiones y la cantidad de cosas que yo hubiese hecho de forma diferente a la hora de enfrentarme a la situación de Iván (Alberto Amarilla).

El grave problema de esta aproximación es que la situación de Iván y todo lo que le pasa es algo con lo que dudo que tuviese que enfrentarme yo aunque viviese mil años…

Pero esta sensación de amor-odio y, sobretodo, la indignación a nivel de levantar los brazos y casi gritar a la pantalla no es algo tan negativo como uno pueda pensar porque en el fondo implica una conexión emocional, significa que uno siente empatía con el personaje y se ve lo suficientemente identificado como para ponerse en su lugar. No gusta lo que hace porque tememos que el resultado no sea bueno, en el fondo, como espectadores, queremos que las cosas salgan bien.

La historia que cuenta Carmona, empieza como una bonita historia de amor y lo que debería ser un día magnífico para Iván acaba convirtiéndose en una, como podría decir Lemony Snicket, serie de catastróficas desdichas… Carmen (Isabel Estévez), inquilina del piso decide volarse la tapa de los sesos enfrente de Iván dejando encerrado a este en el apartamento… Mientras Iván busca la manera de salir, aparece Julio (Carlos Álvarez-Nóvoa), el que parece novio de Carmen para intentar reconciliarse…

Todo este absurdo malentendido y esa indignación de la que hablaba al final dejan de tener sentido si la historia encaja y si las decisiones producen un resultado satisfactorio, no tanto en el sentido de felicidad moral como en un sentido más puramente narrativo, como hace en este caso. Las consecuencias de esas acciones o de esas situaciones inverosímiles son las que provocan este resultado y desencadenan la capacidad del corto de crear expectativas sin caer en la previsibilidad.

Una de las cosas más interesantes de 70m2 es la mezcla de géneros, comedia, suspense y drama, pero sobretodo el cambio progresivo que plantea entre ellos, sin mezclar en ningún momento ni volver sobre sus pasos, con una dirección a seguir de forma clara, y sin necesidad de caer en explicaciones innecesarias. Simplemente la cosa se deja fluir y son los sentimientos propios los que hacen que la cosa encaje. En última instancia, la narración realmente no necesita explicar los motivos de los personajes porque no influyen en el resultado final que nos debe provocar.

Es difícil encontrar cosas negativas en la parte técnica, tanto la fotografía como el trabajo de cámara de Carmona son excelentes, dando muchas posibilidades al movimiento de cámara y buscando siempre variedad de ángulos y encuadres. Entiendo que el cortometraje, como género, muchas veces tiende a la narrativa visual mucho más nerviosa en comparación al cine, que se puede permitir ser mucho más reposado, pero al final la sensación visual que provoca 70m2 no es para nada forzada y refleja la sobriedad de una persona de esas que son capaces de hacer cine grande.

Pedro Pérez (aka Findor)

G... Je, je...

2012-01-14T21:19:00.010+01:00

(Nota: Este texto contiene spoilers sobre el desarrollo y alguna foto que puede destripar parte del corto, avisados quedáis por si no lo habéis visto)

Una de esas frases de la vida y que se aplica muchas veces al cine dice que es más difícil hacer reír que hacer llorar, a pesar de que la comedia, como género, esté más depreciada que el drama delante de la crítica. No es que ninguno de los dos géneros me parezca mucho más difícil que el otro, pero prefiero matizar y decir que lo complicado de ambas disciplinas acaba siendo, como muchas otras veces, hacerlo BIEN. En realidad cualquier Ron Howard puede meter unos perritos abandonados entre violines en un trozo de celuloide o cualquier Farrelly soltar unos pedos y hacer gente que se caiga en montañas de mierda. Eventualmente alguien llorará o se reirá... O viceversa, para que engañarnos.

Pero hacerlo bien sin caer en lugares comunes o convencionalismos absurdos es rematadamente difícil. Es por eso que ahora, en perspectiva, después de revisarlo y destriparlo como es debido, G me parece todavía más soberbio que en aquel primer pase del Córtate.

Lo mismo te compro un pollo que te asesino a uno

Partiendo de una idea bastante simple, Diego Puertas consigue lograr lo que para mi es un punto clave de este tipo de historias, la naturalidad. Hasta cierto punto, la historia es lo de menos, ya sea el topo o la doble vida de G, se pueden dejar un poco de lado porque todo lo demás fluye de forma suave. Primero por los diálogos, que nunca dan la impresión de estar forzados, a lo que contribuyen los actores principales de forma evidente (ahora mismo me costaría pensar en otros actores que pudieran encajar mejor que José Luis Gil y Beatriz Carvajal en sus respectivos papeles), y segundo, por un muy buen sentido del ritmo narrativo. Todo esto hace que G escape de lo que suele pecar el mundo del cortometraje en general y sobretodo su vertiente humorística en particular, que es de su excesiva dependencia al chascarrillo. Puertas consigue que la "broma" final sea un colofón a algo que ya funcionaba por si sólo sin crear un corto con la broma como único objetivo.

El hombre en la sombra

Siempre he sido defensor del cortometraje como lugar ideal para experimentar, y en este sentido Diego también hace un muy buen trabajo detrás de la cámara. Me gusta mucho como juega con algunos planos, la cámara que se mete por la ventanilla en el parking y el súbito cambio de foco con el disparo, poner la visión encima de la mesa durante la comida, variaciones entre planos picados y contra picados, crean una dinámica muy interesante a la hora de narrar sin hacerse notar demasiado y sin caer en la monotonía. No me convence tanto la cámara al hombro durante la secuencia del parque, un poco brusca para mi gusto, pero personalmente nunca he sido muy fan de este recurso, aún así, se usa en un momento bien escogido para dar la sensación de observador externo. Cada pase he ido viendo detalles nuevos, algo como lo que me pasó en 8, pero lo mejor es darse cuenta que incluso viéndolo 3 o 4 veces en unos días y casi sabiéndoselo de memoria, no te importa ponerlo otra vez y que además, te seguirá sacando una sonrisilla aunque sepas lo que va a pasar.

Cuantas veces piensa uno en esto a lo largo del día...

Como conclusión, me gustaría hablar del subtexto, porque aparte de su vertiente humorística, G esconde un drama, el drama de todos esos hombres felizmente casados que luchan contra esa sombra maligna que representa la madre de su mujer. G también juega con ese deseo oculto de todos esos hombres de matar a su suegra, algo evidente en G, pero que consigue crear una identificación mayor con el protagonista por parte del público masculino...

Queda por confirmar si esto es una visión autobiográfica de Diego Puertas o simplemente algo que le pasa por la cabeza de vez en cuando como a todos los demás.

Pedro Pérez (aka Findor)

PD: Sí, el título del post es de juzgado de guardia y merezco la muerte por ello, o si no es la muerte, al menos una buena temporada de agonía...

La crisis es una historia de (des)amor

2012-01-08T20:25:00.002+01:00

Michelangelo Antonionidirigió en 1961 “El eclipse” como cierre a su Trilogía de laIncomunicación de la que formaban parte “La aventura” (1960) y “Lanoche” (1961). La película, protagonizada por Monica Vitti y AlainDelon, ganó el premio del jurado de Cannes en 1962 y en sudocumental “Il mio viaggio in Italia” (1999), Scorsese definió sus últimossiete minutos como la prueba palpable de que todo es posible en elcine.

La película narra comoVittoria (Monica Vitti) abandona a Riccardo (Paco Rabal) después deuna discusión que ha puesto punto y final a su relación. Insegura,Vittoria se refugia en su amiga Anita y en su madre, que acude confrecuencia a la Bolsa de Roma. Allí Vittoria conoce a Piero, uncínico agente de bolsa. Piero, al conocer que Vittoria estásoltera, comienza a cortejarla; su interés por ella le lleva adescuidar su trabajo durante uno de las mayores golpes a la economíaitaliana.

Dice David Saul Rosenfeldque “El eclipse” empieza por el final, con una ruptura. De hecho,la describe como la narración de un final. Antonioni no es ajeno alpaisaje apocalíptico, siendo ejemplos de ello “El desierto rojo”(1964) o “Zabriskie point” (1970) y esta película estádominada, como es habitual en su director, por un paisaje de ciudaddesértica, de construcciones solitarias y abandonadas. Los lugaresen construcción se contraponen al lugar de trabajo de Piero, laimpresionante Piazza Affari, un auténtico templo de las finanzas ensu sentido más estético, y el principal bolsa de valores de Italia.El aire catastrofista que inunda todo viene puntuado por un cadáverdragado del río.

Piero, el hombre de losmercados, intenta conquistar a Vittoria, la mujer que ha sidoengañada otras veces y que no quiere que le hagan daño de nuevo. Lainsistencia de Piero mantiene un frágil equilibrio en la vida de ambos,pero hay una necesidad de que se encuentren. Cuando Pieroconsigue toda la confianza de Vittoria, queda con ella en una cita, ala que Piero jamás acude.

Y entonces, la ciudad, el paisaje de fondo, se revela como el lugar más frío, anodino y terrible posible. Pero el único existente, el único donde puede tener lugar la acción.

De ese modo, Antonionidiseña una advertencia, la amenaza económica, con sus “altos ybajos” como llega a defender Vittoria, con sus “eclipses”,equiparándolo a las relaciones personales, a la constanteinseguridad de vivir pendiente de tantos factores, a entregarseciegamente al otro, solo para descubrir que no soloseremos engañados, si no que nos dejaremos engañar una vez más.

by Henrique Lage

Revisitando 8

2012-01-02T15:34:00.004+01:00

Detalles. Algo que se dice de las grandes obras es que suelen ser inabarcables, que suelen cambiar un poco cada vez que uno se enfrenta a ellas. Dentro de su espacio limitado y sus 14 minutos, 8 cumple un poco las bases que hacen que sucesivos visionados acaben descubriendo esos pequeños detalles que pueblan el metraje.

8 es una historia de sugerencias, mucho más allá de las posibilidades narrativas de la palabra, maneja el lenguaje de lo visual y por tanto el inconsciente del espectador. Desde un primer momento en que vemos miedo en los ojos de la joven hija mientras enciende las velas, consciente de todo lo que va a pasar, el maquillaje que esconde la violencia familiar, el anillo tirado con desdén, el marido en el coche con destellos de luz roja como metáfora de esa maldad que sobresale en algunas personas incluso cuando normalmente no lo son...

Detalles como el golpe en el salpicadero seguido del hijo escondiéndose, planos que muestran heridas en los principales integrantes de la historia, esas velas grumosas y la mermelada con un color mucho más parecido a la sangre que a las fresas en un pastel que parece sacado de las pesadillas de un niño más que de sus deseos.

Un cumpleaños que no deja de ser una mera excusa para realizar un sacrificio de sangre, sacrificio insuficiente porque una de las piezas falla y que deja al padre navegando entre dos mundos...

Como buen obsesivo, igual que yo, Cerezo pone los detalles para el que los quiera ver, he de suponer que muchos son buscados, y algunos reconocidos inconscientes o involuntarios, de cualquier manera, los amantes del género fantástico podrán ver muchas referencias, un poco de padre Merrin al principio, un poco del resplandor con el niño y las gemelas... Un poco de lo que ya mostró en Escarnio, con el que comparte la obsesión por las infancias perdidas y las familias no del todo normales.

A nivel técnico nunca he tenido grandes pegas hacia la puesta en escena, no había hablado de ella la ultima vez, pero es evidente que Cerezo ya muestra ciertos tics de director como los pequeños trávellings para seguir la acción, muy en paralelo con Escarnio igualmente, donde ya estaban presentes, pero ciertamente algo más pulidos en los encuadres. La fotografía de Nacho Aguilar es enormemente acertada y apenas da la impresión de estar rodado en digital. En su momento tuve ciertos problemas con la música, por algún motivo no acababa de convencerme, pero después de ver el corto unas veces que empiezan a parecerse al título, la voy aceptando mejor por su forma de encajar dentro del metraje más que por que sea un estilo que me apasione.

Una mención aparte para los créditos finales de Iván Iserte, un colofón estupendo para algo tan bien cuidado.

Quizá el detalle que más me molesta es que Cerezo, tan critico como es ante las concesiones a la audiencia, haya incluido ciertos efectos sonoros que se saltan las reglas de la sugestión que el mismo propone, el sonido del teléfono descolgado, como si no fuese evidente que lo está. Aunque no tenga un plano protagonista, el giro de cámara me parece suficiente... Y el susurro, mucho más estridente de lo que me gustaría... Podría ponerme más quisquilloso con otras cosas como el hecho de porque la hija es necesaria para el sacrificio de sangre pero no se sienta a la mesa, pero eso entra dentro de las concesiones que como espectador tengo que hacer para escuchar la historia que me cuentan...

Independientemente de lo hondo que pueda uno escarbar para sacar cosas por arriba o por debajo, uno no puede negar que 8 es un trabajo formal muy elevado y que dentro de su sencillez de trazo, está lleno de recovecos a descubrir una y otra vez.

Pedro Pérez (aka Findor)

PD: Quiero añadir que, a pesar de la amistad con Cerezo, todo lo digo sobre su obra lo siento de verdad, él lo sabe y yo lo sé. Es evidente que existirán suspicacias, pero personalmente me siento muy a gusto con todo lo que he escrito sobre él.

Es Fincher quien habla

2011-12-25T22:11:00.002+01:00

Formado en filas de la ILM Lucasiana, de trayectoría , tan irregular como fascinante, David Fincher (Denver,Colorado, 28 de agosto de 1962), asemeja a la de los atribulados antihéroes de alguno de sus films, zarandeados por las circunstancias en un entorno hostil. Elegido como hombre de paja por los productores tras la espantada del anterior director para un proyecto muerto como Alien 3 el cual aún consiguió dotar de cierta atmósfera pese a todo, todo debió ser tan demoledor para su ego que a día de hoy se sigue negando a prestar un audiocomentario para el dvd o bluray.

El desembarco sibilino en salas de Seven a mediados de los noventa, auspiciado por el productor Arnold Kopelson, nos predispuso para enfrentarnos a los demonios de fin de siglo en la moderna babilonia que es Nueva York, un film opresivo, desencantado, con una atmósfera lluviosa inspirada en la estética de los films de Ridley Scott y una fotografía monocroma casi blanquinegra, cuyo gancho con la taquilla por la estrella emergente Brad Pitt, le abrió las puertas para futuros proyectos. A partir de entonces, proyectos como "The Game" o "la habitación del Pánico" tendran unas señas personales propias, que son una estética urbana y oscura, fotografía cuidada, protagonizadas por personajes de posición social elevada en circunstancias terribles, Michael Douglas, Jodie Foster, en papeles que de una u otra forma ya habían protagonizado con anterioridad.

"El Club de la lucha" es un caso a parte, tanto que el film se ha convertido en objeto de culto, más allá de la mediocre novela en que se basa, es un film, tramposo, excesivo, de humor grotesco, pero necesario. Es un film "coctel molotov" que necesitaría de muchas líneas para analizarlo. Hablamos de una película que se está continuamente defecando sobre las marcas comerciales que aparecen en él, hasta se permite hacer un homenaje a Ridley Scott parodiando un anuncio suyo, que tiene a una estrella como Brad Pitt interpretando a una alucinación esquizoide, que se adelantó un par de años antes a la caída de las torres gemelas con el famoso plano final mientras suenan los acordes del tema de los Pixies, en un alarde de libertad creativa y tambien de mal gusto ¿porqué no? Fincher no se corta en meter la polla en un par de frames, cosa que ya había adelantado el maestro Bergman al inicio del film "Persona".

Con el nuevo milenio, y tras el fiasco de "la Habitación del Pánico" Fincher va alcanzar una madurez creativa exultante, todo ese talento visual va a estar al servicio de guiones de relojería suiza van a dar lugar a alguna de las obras maestras de nuestra época. La primera de ellas sería Zodiac, que sería la copia en negativo de Seven, un film acerca del periodismo más que sobre psicópatas al uso, en la línea naturalista de "Todos los hombres del presidente", a su vez es un analisis sobre la obsesión compulsiva del escritor-dibujante protagonista que acaba destruyendo su unidad familiar. Film que no da nada hecho al espectador, en el que se juega a eludir al asesino durante buena parte del metraje, este unicamente aparece como una entidad abstracta que podría ser el final del sueño hippie y del flower power, y ese miedo existencial que pudieron sentir muchos espectadores USA al pensar que el asesino (ahí dejamos el dato: cinéfilo y nunca atrapado oficialmente) podría estar en las butacas de atrás del cine viendo el film también.

Con "la Red Social" Fincher nos habla del pasado inmediato al servicio de un guión de hierro firmado por Aaron Sorkin. Historia sobre amistades traicionadas y venganzas tramadas mediante demandas millonarias, al menos esta vez se apiada de ese puñado de nerds solitarios y finalmente podridos de dinero hasta la médula, dirigido con un pulso firme y vibrante, si dentro de unos años alguien quisiera mostrar un fresco sobre nuestro tiempo solo tendría que proyectar este film. El futuro artístico de Fincher ahora mismo pasa por el remake del Millenium de Stieg Larson a punto de estreno, recibido con cierta tibieza crítica al otro lado del charco, una adaptación del clásico del Julio Verne "20.000 leguas de viaje submarino", y su eterno y esperanzador proyecto de adaptar "Cita con Rama" de Clark, tenemos Fincher para rato.

By Valek.

¿Te gusta conducir?

2011-12-22T18:13:00.005+01:00

"Es un buen ejercicio de estilo" es uno de esos conceptos que se usan para definir una película y que normalmente suelen ir asociados a algún tipo de vacuidad argumental o narrativa, "vacío ejercicio de estilo" es algo que se oye con frecuencia, sin embargo hay algo que me choca en ese concepto.

Al final ese ejercicio no deja de ser la forma que tiene un autor de medir sus límites, tal y como Raymond Queneau marcó en sus, valga la redundancia, "Ejercicios de estilo" al escribir la misma historia de 100 maneras distintas, el principio de un movimiento como el Oulipo que impone la autolimitación como manera de potenciar la búsqueda de nuevas estructuras formales. Un movimiento impulsado por gente con amplia cultura matemática y un objetivo claro sobre la forma por encima del fondo...

Ante la premisa de explicar una historia sencilla de forma complicada mucha gente se pregunta porqué, cuando igual la pregunta interesante sería ¿y porqué no? Es en este punto cuando la acusación de que Drive, de Winding Refn es algo así como un anuncio de coches o una película fría, o un ejercicio de estilo interesante pero poco más me chocan.

Drive es una historia simple, o quizá es simple a primera instancia. No existen referencias al pasado de Gosling, ni a su nombre, solo una serie de esbozos de su capacidad como conductor frío y cerebral. Escondido bajo un esquema casi de western, con su protagonista solitario, la mujer perdida y su hijo, y la bonita historia de amor que se plantea a continuación donde el alma perdida con tupé perfecto y altamente iluminado y bien encuadrado durante toda la película (me gusta especialmente cuando Gosling aparece en el espejo donde Irene tiene las fotos de familia, como un intruso dentro de la misma) encuentra su salvación... Pero... ¿Y si no es así?

En la segunda vez que la he visto, un dialogo concreto me llamó la atención... Gosling esta viendo unos dibujos con Benicio, hijo de Irene, y de repente pregunta "sabes quien es el malo?". "Si", responde. "Como lo sabes?". "Es un tiburón". "no hay tiburones buenos?". "No, solo míralo, te parece un chico bueno?"...

La fábula del escorpión dice que un escorpión no es capaz de actuar en contra de su naturaleza, aunque ello represente su propia muerte, el icono de Gosling en realidad es un fraude y toda la imaginería está encaminada a engañarnos, la canción que le presenta como un verdadero ser humano y un héroe forma parte de la fantasía que percibimos como espectadores que queremos que salve a la angelical Irene de su marido delincuente... para sustituirlo por otro delincuente. Sabemos que es el escorpión, que está destinado al fracaso y a arrastrar a los demás en él, y sin embargo seguimos viéndole como héroe y pilar salvador. Y así Refn cuenta dos historias radicalmente opuestas, la de Irene que busca su salvación por ojos del espectador, y la del escorpión que en realidad no quiere salvarse porque simplemente no sabe hacer otra cosa...

Drive es grande porque va mucho más allá del ejercicio de estilo y su intención de "molar". Drive es tambien la fábula del escorpión, que nos muestra una cosa pero nos cuenta otra durante gran parte de su metraje para clavarnos el aguijón venenoso y demostrar como nos ha engañado.

Pedro Pérez (aka Findor)

El acertijo de acero

2011-12-10T13:33:00.001+01:00

Con el monomito, se ha ido interpretando el viaje del héroe como una constante en la cual las diversas etapas, motivaciones y consecuencias de las aventuras se repetían hasta el hartazgo. No vamos a decir ahora que hay algo nuevo por inventar en este apartado, pero sí se puede uno mantener fiel a esos esquemas a partir de motivaciones más sugerentes.

Me gusta mucho defender "Conan el bárbaro" (John Milius, 1982) como una gran película de aventuras. Independientemente de las diferencias que hay entre la adaptación cinematográfica y su original literario en manos de Robert E. Howard - o de sus versiones en comic en manos de John Buscema o Roy Thomas - uno encuentra una pureza en la versión que Milius hace del personaje cimmerio. Aquí está presente su mismo guión para "Apocalypse Now" (Francis Ford Coppola, 1979) y su veneración por los caóticos líderes de los pueblos “bárbaros”, como en "El viento y el león" (John Milius, 1975), todo ello vinculado a su confesa admiración a Hassan bin Sabbah, el lider de la secta de los asesinos que vivió en la Persia del siglo XI. Esa fijación por el lider le ha llevado a adaptar una nueva motivación para sus personajes, más allá de salvar su pellejo, de la gloria, el deseo carnal, las riquezas o el poder. En otras palabras, Conan, como muchos personajes de Milius, persigue, ante todo, un fin intelectual.

Y es que aunque lo que marque en un principio la búsqueda de Conan sea la venganza y más tarde la riqueza, pronto vemos como la fascinación por el personaje de Thulsa Doom se mueve pareja al influjo que este tiene sobre sus seguidores. Milius introduce en el personaje hedonista de Howard una coartada erudita - El acertijo del acero - como principal motivación. Así, el personaje no se construye con el goce como único objetivo, si no con ese goce como consecuencia ante filosofía vital. Solo cuando Conan ha alcanzado todo lo que desea (riquezas, amigos, comodidad, una mujer que daría para otro artículo y quizás sea el próximo) es cuando la gran aventura de su vida empieza por fin. En el mundo creado por Howard los dioses no responden a los humanos, son crueles y brutos, y solo miran con interés a aquellos que, independientemente de sus circunstancias vitales, han obrado con valor y coraje. Thulsa Doom es más interesante como villano porque tiene sus motivos, sus razones y estas nos tientan por sus razonamientos, de ahí que nuestra oposición, cuando se debilitan nuestros motivos, se vuelva aún más agresiva y satisfactoria cuando vencemos.

De ahí nace mi admiración por una película como esta, frente a otras cintas de aventuras donde la acción puede situarse mejor o la trama se desenvuelve de un modo más orgánico. Milius tomaba buena nota de directores humanistas como Akira Kurosawa o Masaki Kobayashi, y tomó esa filosofía oriental del sacrificio sin pecado para moldear la respetabilidad de sus protagonistas. Esa es la esencia de muchos otros personajes carismáticos, de la empatía que sentimos por aquellos que aún pueden mantenerse fieles a sus principios - incluso cuando no tenemos porqué compartirlos - porque entendemos ese sacrificio, ese esfuerzo a mayores por renunciar a todo por una idea más elevada de uno mismo. Y a eso, lo llamamos héroe.

by Henrique Lage

Disquisiciones sobre "8" de Raúl Cerezo: El cortometraje como liberación narrativa

2011-11-02T11:47:00.001+01:00

Gran parte del concepto de posmodernidad actual nace no tanto del reciclaje de los autores como de la evolución del espectador hacia el reconocimiento de las bases genéricas. En otras palabras: el espectador se ha acostumbrado a ciertos códigos que ya no necesita que sean explícitos, por lo que asume con mayor facilidad y por tanto, se vuelve más exigente. Esa exigencia ha llevado al género del terror a fracasar en un intento de repetir éxitos pasados, sin saber cómo destilar las esencias de aquellos modelos que pretenden reflejar.

Por otro lado, el mundo del cortometraje en España ha dado un extraño vuelco. Desde finales de los 90 hasta bien entrados los noughties, ha dado una cantera, criada bajo el reflejo de Amblin o las esperanzas puestas en directores españoles como Álex de la Iglesia, que se ha volcado en el cine de género y ha quitado argumentos a los fervientes detractores de la industria española. Esa cantera, a su vez, ha inspirado a los venideros cortometrajistas que, sin embargo, se han tenido que enfrentar a una más agresiva democratización del audiovisual y a una crisis que ha terminado por crear mayor competencia justo cuando más escasean los recursos económicos que los sustentan. A veces esto se ha traducido en soluciones con ingenio, pero mayoritariamente ha generado su propia regla de Sturgeon: el exceso de morralla que ya, ni tan siquiera, es capaz de diferenciarse*. No es raro pues, que la mayoría de las propuestas que ahora interesan en el mundo del cortometraje vengan de gente que pertenece a la generación previa pero que por un motivo o por otro, aún no han dado el salto a las portadas de semanarios.

Lo que ocurre con Raúl Cerezo es que su ambición le lleva a entender el cortometraje no como una plataforma de salto al largo o como un lugar de experimentación, sino como un fin en sí mismo, como recoge su tendencia evidente a seguir vinculado a este mercado, ya sea mediante festivales como Escorto, muestras como ¡Córtate! o el blog que aquí da entrada. Esa carrera, que ya se extiende por más de tres lustros, ha tenido sus dos grandes hallazgos en dos obras muy peculiares: “Escarnio” y “8”.

Antes de hablar de “8” hay que hablar de “Escarnio”, no solo para trazar una línea de evolución muy patente – o unas similitudes autorales – sino para entender las pretensiones de su director. Se presentaba Escarnio en dos claves, la primera, como adaptación del relato de Horacio Quiroga “La gallina degollada”, que enraizaba en una cultura literaria de la que hacía su leiv motiv. Considerada esta declaración de intenciones, la segunda clave era más explícita si cabe, al ser denominado el proyecto como un “cuentometraje” que escarbaba en la idea de la independencia del cortometraje como formato del mismo modo que el relato corto o el cuento se diferencian de la novela sin que ello suponga una categoría inferior. Así pues, Quiroga era una elección perfecta en la que reflejarse, como podría haberlo sido – aunque por motivos estéticos más dispares – Salinger, Poe, Borges, Cortázar o Perrault.

Escarbaba entonces Cerezo en las raíces paganas del cuento de hadas, en la figura divina del Sol, en la vinculación de la fertilidad femenina con la Tierra, en Ricitos de Oro y su tradición oral. El cortometraje como preservación audiovisual del relato. “8” no es distinto, como insiste que de nuevo rechace la categoría de simple cortometraje para ser referido como musicometraje, en un ejercicio de limpieza de formas que acercan los hallazgos ya presentes en “Escarnio” a un lenguaje más universal, en una huida de los referentes que arraigaban en la aún latente tierra carpetovetónica de su anterior trabajo. Aquí, el abrazo a la cultura pagana es más notable y refleja en sí una visión del cortometraje como un lugar al margen de la industria – esto es, de los modales y costumbres socialmente aceptados – y por tanto, su ejecución como un rito que se hace a escondidas, en privado, con fines puramente hedonistas y por tanto, satánico. Donde allí se rendía el culto al Sol y el polvo aquí domina la luna y la niebla.

Pero va más allá, y aquí los poderes demiurgos – y por tanto, perfectos – no están para sellar un destino, sino que son los hombres – y mujeres – los que osan jugar con la naturaleza y esta evade el camino marcado. Es un acto de rebeldía, es una represión. Las figuras familiares siempre aparecen retratadas de un modo negativo ante los ojos de esos niños abiertos por fin ante la violencia del mundo adulto. Las muertes sacan a la luz los secretos familiares, sus puntos más débiles, y rompen con la unidad aparente al dejar al descubierto el lado oscuro que la sociedad no ve. Los ojos inocentes de sus protagonistas no quedan mancillados, se mantienen puros y expectantes aun cuando para ellos se ha acabado el camino que discurrir.

La latente tensión que maneja aquí Cerezo tiene más del sádico y refinado humor negro de Polanski que del moralismo de Rod Serling. Poco a poco “8” va desencadenando su sucesión de imágenes, su montaje en paralelo para desenmarañar un relato que termina por liberarse en un único intercambio de miradas, libre ya de sus propias ataduras formales para encontrar con el espectador un momento de respiro que, paradójicamente, te hace mantener la respiración. Mención aparte el trabajo fotográfico de Ignacio Aguilar, que se ajusta a los deseos de Cerezo con un anhelo más clásico que nostálgico, más centrado en lo perdurable de los trabajos en los que se inspira que de añoranza de esos tiempos pasados, separando el grano de la paja. Esta suma de voluntades demuestra las intenciones de Cerezo de considerar el cortometraje como un camino perfectamente válido en el que dar rienda a la imaginación sin ataduras y donde reconciliarse con el espectador más exigente.

Lerink.

* Nota al pie: Eso no quiere decir que no haya aún talentos por descubrir y grandes cortometrajes salidos de la nada, pero es inevitable que, entre el cierre de festivales, la escasez de ayudas y la normalización mal entendida del mercado - abriéndolo a propuestas de amateurismo rampante - los vicios de lo que ya era un mundo endogámico se han multiplicado.

Cosas que pasan

2011-09-05T18:40:00.009+02:00

P.T. Anderson es uno de esos directores que podrían entrar en la categoría de megalómanos, ciertamente obsesionado por las grandes historias corales, pero artesano relojero capaz de encajar las más finas ruedecillas. Esta es la historia de uno de sus films, y quiero pensar que no es simplemente una casualidad...

A pesar de las múltiples referencias al azar, el destino o la religión, esos que muchos consideran grandes pensamientos de la humanidad, siempre he considerado Magnolia como una película que habla de la soledad.

Con un principio directo, la narración inicial bombardea historias aparentemente casuales, situaciones imposibles que parecen fruto del azar, sin embargo el propio narrador acaba concluyendo que no pueden ser fruto de la casualidad, que no pueden ser "una de esas cosas". Un narrador que indirectamente nos habla del destino, un destino unido para todos los personajes, un camino de vidas cruzadas que además se convertirá en un camino de redención y expiación personal, la búsqueda del amor y el perdón necesario para escapar del uno.

Es la canción de Aimee Mann la que pone en perspectiva esta situación mientras se nos presentan los personajes, sin necesidad de definirlos en su totalidad, solo con pequeñas pinceladas que sugieren de forma simple como se podrán entrecruzar sus caminos. Siempre me ha parecido magnifico el uso de las canciones de Mann para esta película, canciones que existían antes de la misma y que gracias a Anderson completan el significado de algunos de los momentos principales, algo como si fuese la historia la que envuelve las canciones y no al revés.

Pocas historias pueden permitirse el lujo de tener un clímax central tan largo y no sufrir las consecuencias, pero el goteo constante de momentos que se sucede desde que empieza el concurso (precedido de un plano secuencia magistral) se presenta de forma que no hay opción. Stanley, su problema de incontinencia y posterior discurso (no soy un juguete) en el mismo escenario que Jimmy Gator y su desmayo en antena. Jim y Claudia en una escena romántica de bizarrismo absoluto (que recuerda en pequeño a Punch-Drunk Love) y que acaba más tarde con Jim perdiendo su pistola. Frank enfrentándose a los fantasmas del pasado en manos de su entrevistadora. Phil luchando por encontrar a Frank, el hijo "perdido" de Earl. Donnie y su declaración en el bar. Y Linda, que siempre fue mi personaje favorito (a pesar de lo llamativo de Frank), pidiendo no ser juzgada en la farmacia, intentando renunciar a su testamento y posteriormente lanzándose al suicidio incapaz de soportar su pasado... Clímax que además representa el centro de unión de sus caminos, es el momento donde sus vidas están más juntas (y donde se cae en la cuenta que Earl es el productor del programa de Gator, el eslabón final), y sin embargo, es también el momento donde están más solos. Un momento de soledad que empieza con el enfrentamiento final de Earl ante la muerte y sus remordimientos. Un momento coronado por otro espacio musical, una de mis escenas favoritas de siempre... El lugar donde se asume otra vez en letras de Aimee Mann que hay que despertar, que todo va a seguir igual y que en ultima instancia, lo mejor es rendirse...

What am I doing? I'm quietly judging you.

Es ese destino que no todo el mundo acepta, el mensaje de rendirse para que todo pare. Es el momento de descubrir que no es la única salida, asumir los propios actos, abrazar la alternativa de aprender a vivir con las consecuencias. Un momento de aceptación representado por una lluvia de ranas, no tanto por un significado bíblico del castigo sino como momento de purificación, la hostia en la cara que te devuelve al camino y te hace despertar. La catarsis colectiva de todos los personajes...

Y solo falta cerrar el círculo, un epílogo que vuelve a recorrer las casualidades y rematado por la sonrisa a cámara de Claudia, un detalle que no estaba en el guión pero que encaja perfectamente con el monólogo inicial de Jim al espectador, ese Jim que nos instaba a intentar hacer el bien y ese Jim que finalmente lo consigue en manos de Claudia, como no, envuelto en otra letra de Aimee Mann pidiendo por la salvación.

Magnolia no es solo una historia de historias, más allá de todas sus interpretaciones bíblicas y caminos redentores, es un ejercicio de estilo espectacular. Toda la megalomanía de Anderson y su obsesión enfermiza por el plano secuencia presente en prácticamente todo el metraje, los momentos de metalenguaje donde se habla directamente al espectador, el monólogo de Phil haciendo referencia a los momentos de las películas donde se pide ayuda mientras él pide ayuda, hacen una obra faraónica que, a pesar de sus (no demasiados) defectos, crea un conjunto global que entra en la categoría de cine con mayúsculas.

Quizá no sea del todo objetivo con esto porque Magnolia es mi película casual, es la que vi de casualidad en la tele y me aburrió, y a la que di una segunda oportunidad única y exclusivamente por Julianne Moore. Una segunda vez que, ahora sí, consiguió hipnotizarme. Es la película por la cual mire con otros ojos a Cerezo cuando todo el mundo le llamaba troll allá en ciertos foros. Una persona con tanto amor por lo mismo que yo debe tener algo de razón, y gracias a eso probablemente he acabado escribiendo aquí. Es por eso que Magnolia es y casi seguro será por muchos años, mi película favorita.

Y es por eso que al final he decidido cerrar mi círculo y dedicarle un texto, no tanto por ser algo novedoso o porque crea haber escrito cosas nunca dichas, sino porque simplemente es algo que le debía desde hace tiempo.

Porque creo que Magnolia no es solo algo que simplemente pase...

Pedro Pérez (aka Findor)

El enemigo está dentro

2011-09-02T20:25:00.005+02:00

Aparece la noticia hace algunos meses de que Scott está decidido en ahondar en los origenes del primer Alien, y nosotros nos preguntamos si es necesario. Ha sido una saga que ha contado con un sin fin de secuelas de calidad decreciente en la que se intentaba expandir la mitología del primer film, en algunos casos incluyendo crossover con olor a chotuno por los cuatro costados. El film del 79 sigue tan vigente como entonces con ese huevo amenazador sobre fondo negro dándonos la bienvenida al espacio exterior. El público ya no es tan inocente como entonces, no me imagino lo que sería para el espectador de entonces enfrentarse al film sin información por trailers youtube y con dos líneas de sipnosis.

Proyecto lleno de sinergia juvenil aprobado por la Fox en plena vorágine de Star Wars sin saber muy bien que tenían entre manos, un guión con mil referencias a scifi de los 50, Lovecraft, 2001, y todo lo que tuvieran a mano, que en garras de Scott y su equipo se convirtió en una ópera de horror y muerte en tres actos. En primer lugar lo que sorprende del film es la tenebrista foto a cargo de Derek Vanlint, esta vez no es ese espacio ideado por Lucas un par de años atrás lleno de lásers de colores y naves, sino un espacio negro sin apenas estrellas y unos pasillos lóbregos y apenas iluminados de una vieja barcaza con pinta de catedral que avanza lentamente hacia nosotros, el film ha sido descrito como un cuento con castillo encantado.

La historia es tan vieja como el propio cine, un grupo de siete miembros enfrentados a una bestia en un escenario claustrofóbico, lo que es moderno es el tratamiento formal que se da a esos mimbres, no hay otra película igual a esta y posiblemente nunca la habrá. Los verdaderos protagonistas del film son ese Nostromo sucio lleno de pasillo laberinticos, un ente vivo que incluso palpita, y el otro es esa criatura de aspecto fálico diseñada por H.R. Giger, se dice que Scott quedó prendado de la sexualidad perturbadora de su obra gráfica Necronomicón y acabó reclutándolo. Una nueva raza de criaturas cambiante y letal, como indica el logo de los créditos, con una extraña obsesión por reproducirse y por exterminar a todo aquel que se cruce en su camino, en el colmo del humor negro una serie de arquetipos humanos que responden a una serie de debilidades típicamente humanas: curiosidad, indecisión, miedo...a los cuales, para sorpresa del espectador, se va cargando sin respetar rangos principales (nadie se espera lo de Dallas) imperando la sensación de pesimismo durante todo el metraje.

El film podría ser tomado como una de aquellas viejas historias medievales sobre cazadores de dragones, si no fuera por su escenario postmoderno y por la inusitada astucia de su bestia, un ser polimorfo que va adoptando diferentes roles a lo largo del film, podría ser aquel abismo que nos devolvía la mirada según Nietzsche, pero nos niegan hasta la posibilidad de mirarlo a los ojos, lo que si vemos fugazmente es una sonrisa babeante y dentro de ella como un macabro juego de muñecas rusas, otra boca. En palabras de algún personaje se nos dice que es un feroz hijo de puta, una abstracción de nuestros miedos más primitivos, esa sombra negra que aparece donde menos te lo esperas, incluso fundido con la propia nave extendiendote la mano, incluido dentro de ti.

El climax final del film es el triunfo de la princesa asexuada contra el monstruo fálico, hasta llega a ponerse armadura y coger la ballesta, a todos nos encantó verlo por primera vez.

By Valek.

Cualquier tiempo pasado fue anterior

2011-08-12T20:02:00.004+02:00

Empiezo parafraseando a Les Luthiers y recordando además un concepto de Cerezo que siempre habla de “nostalgia podiosera y falaz”… Sí hijos, me apetece hablar de la nostalgia…

Algún día todos seremos el abuelo de Werther's

Siempre me ha parecido curioso cómo funciona la nostalgia y los recuerdos cuando se aplican al cine o la televisión. Cierta generación suele recordar Mazinger Z como una grandísima serie, con una animación espectacular y acción trepidante. Cuando uno ve Mazinger de mayor descubre algo totalmente diferente, sin embargo conozco a bastantes personas que no van a renegar de su amor por Mazinger así como así, a pesar de haber cambiado…

Digo que es curioso porque me da la impresión que el apego a estos recuerdos funciona de forma diferente en cine y televisión. No conozco a muchas personas que sigan profesando admiración por el Padre Abraham y sus pitufos, Enrique y Ana o Parchís y quieran venderlo como música maravillosa al nivel de los nocturnos de Chopin. Muchos jugamos de pequeños con ositos de peluche, con Scalectrix o el fabuloso TCR que cambiaba de carril cuando le salía de las narices, pero los “descartamos” (aunque haya gente que haga modelismo, que siempre parece una versión más “adulta” aunque no lo sea, como las películas de Nolan). Podría decir que, estadísticamente, la mayoría de la población mundial debe haber pasado sus momentos más felices con alguna clase de engendro de relleno espumoso, pero prácticamente ningún adulto juega con peluches si no hay alguna clase de sexo asociado al hecho…

Sin embargo cada día entiendo menos lo de disfrutar como un niño. La vida es un cambio constante, mientras no se siente ningún apego con gran cantidad de cosas en la vida y se descartan, parece que el cine debe sufrir un inmenso síndrome de Diógenes y hay que apegarse cual mejillón a la roca a las cosas que uno vio de niño o a ese tipo de cine que le retrotrae a uno a un feto con cerebro del tamaño de una nuez. Tampoco entiendo lo de “no quiero analizar porque disfrutaré menos del cine” (también llamado “ni sé de cine ni me interesa porque entonces dejaré de ser feliz”). Podría hacer un ejercicio con alguien de estos y seguro que por cada película que disfrute y yo no soy capaz de encontrar una película que yo disfrute y él no. No hablamos para nada de dejar de disfrutar sino de cambiar el objeto con el que se disfruta, un intercambio de cromos que todo el mundo ejecuta en su vida con otras cosas, incluyendo amores.

Yo soy una persona que tiene miedo al cambio, socialmente me traumatiza que mi alrededor se mueva demasiado rápido, el nombre clínico para ello es metathesiofobia, sin embargo encuentro el mundo del cine el medio ideal para enfrentarme a ello, no me da miedo reconocer que he perdido muchas horas de mi vida viendo mierda o que me he gastado mucho dinero en dvds y blu-rays que ahora no usaría ni de posavasos, no me da miedo admitir que en un periodo de unos años he cambiado mis gustos y que ahora disfruto de otro tipo de cine, no más ni menos, otro tipo, y veo la misma cantidad de películas que hace unos años. Quizá esta posición me hace ser más intransigente con los que se apegan a lo de no analizar cuando probablemente la realidad es que no lo han probado.

No entiendo ese miedo a levantarse un día y pensar “mierda, ya no me gustan los Goonies, ahora me gusta Haneke” o “mierda, ya no podré ver Sucker Punch y sentirme cerebralmente como una ameba”.

Todo el mundo siempre piensa en dar saltos, en arriesgarse en la vida, en ir a mejor, en venderlo todo, abandonar su país, sus amigos, a su mujer y a su hijo y montar un chiringuito en Copacabana… Eso sí, llevando el DVD de Juegos de Guerra siempre en la maleta…

Pedro Pérez (aka Findor)

Resurrección

2011-06-23T11:06:00.008+02:00

Reflexión ha de llevar a creación.

Dos años hemos tardado en completar nuestro corto, "8". El anterior y algunos otros también han sido cuestión de meses o años. Cuando quieres algo bien acabado y no tienes dinero, sólo te quedan dos posibles cosas: contactos y tiempo..., y ésas son las que hemos usado. Así está el mundo de los cortometrajes cinematográficos, que no tiene por qué ser la antesala del largo, sino un medio propio. De hecho, serlo lo es.

Terminas el trabajo. Lo has mimado, lo has cuidado y quieres todo en la mejor calidad posible. No se trata de estupideces como el ego, sino de querer dar al espectador lo máximo que puedas. De repente, nos movemos... ¡ups!..., España, un país que podría tener toda la cultura e infraestructura del mundo, no ofrece al cortometrajista NINGÚN sitio de estreno oficial con calidades respetables. No, no lo hay. Puede haber festivales, pero a lo mejor pones el corto en manos de quien tú creas no es el adecuado. No porque tu corto sea mejor o peor, sino porque estás dando tu obra para que la juzgue alguien que quizás no debería. Porque sí, es cierto que España tiene 250 festivales de cortos, pero también es cierto que 200 de esos festivales tienen un jurado y un equipo de selección que se me antoja temible. ¿No debería un jurado de estar preparado al máximo para decir quién creen que es mejor o peor? ¿Por qué tiene que juzgar mi corto un concejal que cena mientras ve una pequeña parte de los cortos recibidos? ¿Por qué se me pide en las bases el hecho de si tengo premios o no? ¿No deberían tener el criterio los visionadores para juzgar las obras sin ayuda del de antes?

Ay España, España. Si cuidamos así a los cortometrajes, que, repito, son el hermano no tan menor del largo (de hecho, llevamos muchos años viendo el mejor cine de este país en el formato corto, no en el largo), ¿qué esperamos que ocurra cuando se vistan de largo todos aquellos que han observado el país en el que nos movemos? Si no regamos... ¿Cómo queremos ver un árbol esplendoroso?

Pues así es, amigos. Por no hablar de los 200 festivales que proyectan tu corto en las peores condiciones posibles y se permiten opinar de la fotografía. O directamente, se permiten exhibir. ¿Cómo algo que se nomina FESTIVAL de cine puede ser una verbena de despropósitos?

Pero en fin, para no desviarnos demasiado, volvamos al hecho: no hay sitios donde estrenar con un gran aforo, grandes calidades o sitios que no sean un festival donde no tienes ninguna facilidad y se pervierte el hecho del estreno en sí.

Y así he creado, junto a The House of Films, la propuesta de Córtate, en los cines Capitol de la Gran Vía. El 30 de junio haremos nuestra tercera sesión Córtate y ya, si quedaba alguna duda, nos desligamos por completo de cualquier evento que existiera previamente, porque vamos en 3d (esta sesión, de momento) y alguna nueva propuesta que vuelve a definirnos, como el 4d interpretativo (y esto es una exclusiva). Y no ya por Córtate en sí, sino porque os aseguramos un evento que no se había dado nunca en nuestro país.

Porque Córtate tiene cien mil motivos y cien mil propuestas para no parecerse EN NADA a ningún previo existente. ¿El espacio? ¿Los cines Capitol de Madrid son de alguna entidad? ¿De qué estamos hablando? ¿Entonces sólo se puede proyectar la misma película en el Capitol una y otra vez, porque la película siguiente le está plagiando el espacio? Lo que más le choca a la gente es lo de la fiesta de LARIOS (en cuanto a compartir espacio). Bien, pues yo desafío a todo el mundo a que me diga un sitio que no sea el LARIOS cercano para hacer la fiesta, que mira que lo buscamos para no coincidir. Además, el LARIOS no es tampoco de nadie..., allí se hacen todas las fiestas de los estrenos y preestrenos Capitol, no se confundan.

La otra oferta mensual para ver cortometrajes que existe en Capitol está muy bien y es un clásico..., pero eso no ha de ser motivo para que su existencia niegue nuevas propuestas, porque eso sería preocuparse poco por el corto. Además, creemos que se compenetran muy bien porque son, precisamente, muy diferentes.

Y no somos genios. Tampoco grandes pensadores..., sólo que a poco que te pongas, tienes grandes calvas que rellenar en un país sin industria ninguna al respeto.

Así pues, animo a todo el mundo a que realice propuestas de este tipo..., porque... ¿quién mejor que un sufridor para quitar sufrimiento al que venga detrás?

Raúl Cerezo

Antecedentes y futuros fotogramas del 15 de Mayo

2011-05-21T11:50:00.014+02:00

Plaça de l'ajuntament, Valencia. 20 de mayo de 2011.

Mientras la foto de la Plaça 15 de Maig de Jacobo Méndez Díez da la vuelta al mundo, las imágenes de la Spanish Revolution se multiplican, creando una serie de iconos que inspiran a un movimiento de descontento ciudadano. La fotografía cubre dos movimientos: el primero, el recorrido visual de la mirada, donde el alicantino Alejandro se eleva por encima de una masa que, brazos en alto, le apoya en su gesto de cambiar lo que viene impuesto. El segundo, el acto en sí de cambiar la placa, de renombrar el mundo, es la relevancia del lenguaje, de su utilidad política y de la denominación como la clave para la identificación. Lo que designamos viene condicionado por la manera en la que viene designado. Palabras e imágenes para una revolución cultural.

"Tout va bien" (Jean-Luc Godard y Jean-Pierre Gorin, 1972)

Las comparaciones con otro Mayo lleno de idealismo, el del 68, nos devuelven otras imágenes, imágenes que han quedado prendadas en nuestra memoria congeladas en fotogramas. El Mayo del 68 fue una revolución juvenil donde sus miembros no tenían cada uno una cámara en el bolsillo ni una red social donde comunicarse. Así que la memoria de ese Mayo viene sustituida por un fantasma cinematográfico, por un Mayo del 68 estilizado e idealizado por el cine, pero también por los directores que entonces participaron y retrataron ese mundo.

"If..." (Lindsay Anderson, 1968)

El 13 de mayo de 1968, las revueltas francesas llegaron a Cannes, la capital del cine. Las proyecciones se cancelaban y el festival titubeaba ante una generación que no sentía ya respeto por un arte con demasiadas cosas por definir, un medio elitista, alejado del pueblo. Nombres como Polanski, Truffaut, Godard, Malle, Forman, Saura y Resnais manifestaron su intención de cambio, la suspensión del festival y la necesidad de dar voz a esa juventud descontenta. De ahí nació La Quincena de Realizadores, bajo la necesidad de dar amparo político y oponerse a la censura. 43 años después, esa sección paralela daba voz a Jafar Panahi, el cineasta iraní preso por su defensa de la mujer en “Offside” (2005), que añadida a su condena está el castigo de prohibirle hacer cine o escribir guiones. El cine es una herramienta demasiado poderosa, una herramienta a la que los políticos tienen miedo. Este año, Panahi se expresó a través de un pendrive usb filtrado por las rejas de su celda, con el satírico título de “Ceci n’es pas un film” (2011), y su voz sonó de nuevo por La Croissette. Mientras tanto, el festival decidía vetar a uno de sus más queridos apadrinados, Lars Von Trier, ante un mal chiste en una rueda de prensa. La expresión es válida cuando es cine, pero se torna confusa cuando se pronuncia en voz alta. ¿Será que la imagen, la escenificación, ayuda a dar un tono irreal, distanciado, que nos permite diferenciar las verdaderas opiniones políticas de las sátiras? O más bien será que, el mundo que se quiso cambiar aquel mayo del 68 sigue esperando ese cambio. Un cambio que empieza por nosotros.

Como las protestas españolas, el cine es siempre político pero apartidario. Las revoluciones del siglo XX necesitan contar con películas en las que reflejarse, del mismo funesto modo en que “El nacimiento de una nación” (D.W. Griffith, 1915) revivió al Klu Klux Klan, el cine de los sesenta inspiró aquellas añoradas revueltas francesas. “If…” (Lindsay Anderson, 1968) aparenta solo una versión violenta y brutal de “Cero en conducta” (Jean Vigo, 1933), pero - además de llevarse la Palma de Oro de Cannes en su año - era la acumulación de agresividad que podíamos percibir antes en películas como “Las margaritas” (Vera Chytilová, 1966), “Bonnie and Clyde” (Arthur Penn, 1967) o “El graduado” (Mike Nichols, 1967). Godard, viejo loco, anticipaba los aires revolucionarios en “Pierrot el loco” (1965), “Weekend” (1967) o “La chinoise” (1967) para revivir su espíritu una y otra vez en películas como “Todo va bien” (con Jean-Pierre Gorin, 1972). Es como si Godard se hubiese adelantado a aquel presente y, arrebatado, se hubiese quedado a vivir allí para siempre. “Film socialisme” (2010) su último diario fílmico, es un viaje por un mar Mediterráneo que une a los países árabes y latinos, del mismo modo en que lo hacen esta primavera revolucionaria.

"Les amants reguliers" (P. Garrel, 2005)

El cine no puede huir de esa eterna memoria del 68, y esa memoria no puede huir del cine. “Soñadores” (Bernardo Bertolucci, 2003) vuelve una y otra vez a aquella edad dorada del cine europeo, como se vuelve al recuerdo de un amor. Y “Los amantes habituales” (Philippe Garrel, 2005) hablan precisamente de esas revoluciones como el inicio de un amor. Un amor desde la nostalgia, desde directores que – como Bertolucci – ahora van en silla de ruedas y son homenajeados, conscientes de la extinción de sus carreras. ¿Habrá un relevo?

Foto: Asamblea del Cantón Pequeño en A Coruña. 20 de mayo de 2011.

Nuestro Mayo de 2011 no nace con las necesidades intelectuales, la estética o las consignas dadaístas de aquel pasado; pero es inevitable ver que es una proyección de este: hay una generación que las únicas revoluciones que ha contemplado “de cerca” son las que ha visto en el cine, y de ahí, surge la imitación. A partir de aquí, todo puede pasar. Corresponderá a los cineastas que ahora están en Sol – o en cualquiera de las acampadas de apoyo – reflejar esa imagen ideal, como la foto de Jacobo, que sintetice un sentir general y, quién sabe, inspire las revoluciones del futuro. Entonces cambiaremos las barricadas por las cámaras y las imágenes se extenderán por las retinas de los futuros jóvenes.

by Henrique Lage

¿Es usted idiota?

2011-04-28T21:29:00.006+02:00

A veces uno encuentra inspiración en los sitios más insospechados. En ocasiones mi trabajo consiste en saber aplicar soluciones de otros problemas a los problemas actuales, es por eso que en ocasiones relaciono temas imposibles para asociar ideas. Temas completamente ajenos al cine que me producen reflexiones sobre el cine... Hoy es uno de esos días...

Reflexionaba en el foro por donde me suelo mover sobre el riesgo que supone el cortometraje de Raúl al trabajar sin diálogos. Un riesgo porque hace recaer la narración en un modelo totalmente intuitivo y visual, y salió el tema del miedo del espectador a no entender el corto porque nada dice explícitamente lo que está pasando... que supongo que es el que alimenta posteriormente el miedo del narrador a no explicarse y que más o menos dio pie al post sobre cine grande y cine pequeño...

Y de repente me encontré con algo que ya conocía pero había olvidado. Me acordé de Hans Monderman.

Es normal que a nadie le suene, no es un tipo famoso, al menos no lo es en círculos cinéfilos, es un señor que durante su vida fue ingeniero de trafico, sin embargo, algunas de sus revolucionarias ideas para el mundo del trafico me resultaron sospechosamente parecidas al cine arriesgado y al que a la larga acaba siendo grande. El experimento de Monderman para el trafico consistió en coger una zona de una ciudad holandesa y... aquí viene la sorpresa... quitar todas las señales, semáforos, lineas en las calles... y el resultado, no solo fue que no hubo más accidentes si no todo lo contrario, la ausencia de señales hacía que la gente fuese más prudente, las prioridades se respetaban, existía mucho más respeto al peatón... Monderman sacó varias conclusiones interesantes, entre ellas esta:

- Si el gobierno quita toda la responsabilidad del ciudadano, el ciudadano es incapaz de desarrollar sus propios valores nunca más.

Que se resume en otra mejor y aplicable a prácticamente todo en general y que probablemente sí hayáis oido:

- Si tratas a la gente como idiotas, se comportarán como idiotas.

Desde el momento en el que el cine se autoexplica hasta la saciedad, entra en el círculo vicioso de creer que el espectador es idiota y no entenderá lo que uno quiere contar, y de repente el espectador se acostumbra a que le expliquen todo y cuando no lo hacen no sabe como reaccionar. Puede que esté dando demasiadas vueltas a lo mismo, la mediocridad, el cine grande y pequeño, el espectador idiota... cosas sobre las que seguro se han escrito ríos de tinta, pero por un lado uno esta empezando en esto del cine, que por algo hace cuatro días mal contados que tuve las epifanias y además se junta con el hecho de ver riesgos como los del Córtate aplaudidos como se aplaudieron. Entonces se da cuenta que, a lo mejor, la cosa no es tan difícil, pero que depende de un esfuerzo conjunto que, probablemente, es lo que impide que se realice.

También es muy fácil como espectador sentarse a esperar y creer que no se tiene capacidad de decisión. Decir, eh, es lo que hay, pero un tema importante para el cine es que el espectador dé un paso adelante, la autoconsciencia de sus fallos y su capacidad de ver donde se está equivocando, pero para eso hay que perder el miedo a ser espectador y el miedo al cine grande. El espectador debe tomar sus propias decisiones, sacar sus propias conclusiones y, sobretodo, equivocarse en ellas para a su vez, aprender. No es solo cuestión de ser exigente sino de esforzarse en serlo y lo más importante probablemente, en saber por que.

Pero nadie dijo que esto iba a ser fácil, ¿no?

Pedro Pérez (aka Findor)

¡Córtate! Parte III

2011-04-20T22:49:00.007+02:00

Quédate Conmigo (Zoe Berriatúa)

Uno de los triunfadores de la noche... aunque por los motivos equivocados. Debe ser duro para un director ver que tu trabajo triunfa por algo que no hayas buscado, pero las situaciones del corto protagonizado por Macarena Gómez y Pablo Turégano rozan la crueldad de una manera tan surrealista que el drama se convierte en comedia. Antes de que alguien crea que es una suposición arriesgada, se confirmó con el propio director la situación.

El desarrollo de la historia de amor/odio está muy bien llevado, los efectos especiales y el maquillaje son espectaculares y el ambiente malsano va en conjunción con el trabajo fotográfico y la localización claustrofóbica. La historia de amor negro y drama con toques de terror (con ciertas reminiscencias algo forzadas a "Amanecer de los muertos" o "The Ring") tiene el contrapunto en el humor involuntario, probablemente empujado por el ambiente en grupo de la sala. El momento "si quieres me hago la muerta" es demasiado extremo como para no tomárselo a coña y precisamente esos pequeños momentos de contrapunto generan el equilibrio perfecto para que el final de la historia y ese plano agridulce de muerte mientras la cámara se aleja funcione como un tiro.

8 (Raúl Cerezo)

Me será complicado hablar de 8 sin sufrir de cierta parcialidad. Cerezo es amigo y en cierto sentido he visto (desde la lejanía) como crecía este corto, he visto pases sin música o parciales, así que esta crítica será algo más larga, no por peloteo, sino porque algo le debo a Raúl. También he de decir que todo lo que digo en realidad es porque lo creo...

8 se define como musicortometraje. Es evidente porqué, ya que no hay ningún diálogo presente y el único que hay en realidad no se escucha. 8 se posiciona del lado del cine en su esencia primaria, la de crear las sensaciones en base al trabajo audiovisual por encima de explicar las situaciones en boca de los demás. Detalles como que se pida silencio cada vez que alguien parece que va a hablar no hacen más que acrecentar esta situación. Es en este sentido donde creo que 8 está por encima de los demás cortos, en ser capaz de explicarlo todo en base a lo que ves y no a lo que te cuentan.

Desde un primer momento en el plano exterior antes de la llegada de los invitados, se evoca un aire a "El exorcista", referencia también presente en "Escarnio". Todo 8 está montado en base a metáforas visuales y referencias sin ninguna necesidad de ser explícito. El ritual y las velas como simbología de apagar una vida, las uñas negras de madre y abuela, que sin explicar nada pueden dar base a muchas interpretaciones, como algún tipo de linaje de brujas, el sacrificio de sangre, la violencia del padre intuida en los moretones y en el golpe en el salpicadero del coche seguido del niño escondiendose. Indicios e insinuaciones que van desvelando poco a poco el misterio en la cabeza del espectador.

Cerezo nunca me confirmó si había algún tipo de patrón numérico en los elementos que salen más allá de los que mi obsesión por los números fue capaz de encontrar, 8 invitados, 10 piedras, 20 velas, 2 por piedra, algo que queda reforzado por el ultimo par de velas que no se apaga debido al sacrificio de sangre que no se hace. De todas formas la obsesión por los detalles que ya tuvo en Escarnio me hace pensar que muchas cosas están puestas precisamente para que la gente que quiera pueda mover las neuronas y asociarlas de alguna manera.

A pesar de todo, también tengo pegas, la música funciona muy bien pero se me antoja algo estridente en ciertos momentos, pero creo que trabajo técnico de Cerezo tras la cámara y Nacho Aguilar en la fotografía es fabuloso.

Epílogo

La experiencia ¡Córtate! ha sido algo estupendo, algo que hace que no me arrepienta para nada de haberme pagado un viaje a Madrid. La hora y media de proyección, a pesar de que haya sido más o menos duro con los cortos, me resultó a la altura (o por encima) de muchos de los estrenos que pueblan la cartelera. Me hubiese gustado compartir algo de tiempo con los directores para compartir opiniones, pero la situación posterior en el Larios Café no era la propicia para la conversación.

Solo me queda esperar que los siguientes pases mantengan el excelente nivel del primero y recomendar desde aquí que no dejen escapar la oportunidad de visitar el Capitol durante estos eventos para apoyar estas iniciativas y a los directores que buscan su hueco en en mundo del cine. Los cinco primeros tienen talento suficiente para ello.

Pedro Pérez (aka Findor)

¡Córtate! (parte II)

2011-04-18T19:24:00.007+02:00

Después del pequeño manifiesto, toca repartir. Haciendo un juego de palabras digno de Bigote Arrocet voy a decir que no pienso cortarme (risas) a la hora de expresar mis opiniones y soltar spoilers a mansalva sobre los cortos.

La cosa va sin orden ni concierto... También quiero hacer notar desde el principio que el hecho de ser crítico con los cortometrajes no quiere decir en absoluto que no los admire, sino todo lo contrario.

El Descenso (Daniel Romero).

Uno de los "perjudicados" de la noche después de recabar opiniones fue el corto de Daniel Romero, no tanto por carencias técnicas como por cierta falta de punch a nivel argumental. Todo empieza en una carretera abandonada con un cierto aire a "Las colinas tienen ojos" o "La matanza de Texas" y un coche sin gasolina. Las dos protagonistas, Blanca y Susana (interpretadas por Bárbara Santa-Cruz y Ana del Arco respectivamente) se ven obligadas a recorrer esa carretera buscando, a priori una gasolinera, mientras descubrimos ciertas cosas sobre ellas y su situación.

El descenso funciona muy bien a nivel visual con una fotografía basada en tonos ocres y una ambientación bastante conseguida, coincide que la cámara al hombro no cansa demasiado como en otras ocasiones, sin embargo parece fallar en la gestión de expectativas. No acaba de quitarse de encima el momento "ahora pasa algo" o no acaba de crear la suficiente credibilidad en el giro de que no pase. No hay nada malo en que no pase nada, estoy seguro de que es algo buscado y funciona mientras se mantiene la incógnita de la situación, pero crea un lastre que al final perjudica el muy buen ambiente plasmado en el corto. Quizá por el subconsciente del espectador, que asocia el aura enfermiza que rodea la situación con algunas de las últimas versiones de algún slasher y que parece encajar en la escena del taller. El resultado es que todas esas reminiscencias acaban poniendo demasiadas trabas cuando "El descenso" quiere alejarse de ese esquema y buscar algo más introspectivo. La idea del concurso y la meta es muy buena metáfora, pero queda un poco sosa en comparación con lo que uno se va montando en la cabeza conforme se desarrolla el corto.

G (Diego Puertas)

G es una estupenda historia de humor con toques de negrura. Jose Luis Gil interpreta a G, un asesino a sueldo que se ve envuelto en una lucha interna entre traidores y topos por un lado y por su situación familiar en casa con su mujer (Maiken Beitia) y su suegra (Beatriz Carvajal), algo como una suerte de James Bond/Sopreano cañí. La capacidad para la comedia de Gil le convierte en el actor perfecto, con una expresividad fabulosa y esa capacidad de siempre parecer que está donde no debe, usada al extremo para sacar la sonrisa en casi todas las escenas donde aparece.

El cortometraje explota perfectamente la carta Gil para crear comedia en momentos inverosímiles y maneja la historia a muy buen ritmo, jugando un poco con la sorpresa en situaciones como la del hotel con la suegra y con diálogos muy bien resueltos en el uso de tópicos de espías dignos de la T.I.A. No solo es interesante la historia en sí, sino que la dirección de Puertas está a la altura con en la elección de encuadres y planos, trávellings bien elegidos y pequeños detalles técnicos como el movimiento de cámara a través del coche en el asesinato en el aparcamiento.

En la fiesta posterior al evento pude intercambiar palabras con Alejandro Pérez, aunque no sé si él lo recordará... :), responsable de algunos de los efectos visuales que aparecen en el corto (y de maravillosas teorías sobre el icono de REC, Japón y los paises del este) y que están estupendamente integrados, ayudando a la credibilidad del conjunto general.

Ukemi (Jorge Antonio Molina)

Pablo es un joven campeon de Judo atrapado entre un padre autoritario y la chica de sus sueños a la que dibuja. Esta simple idea da paso a un trabajo muy arriesgado visualmente que juega mucho con la posicion de cámara, seguimientos con snorricam, desenfocados, etc... y acompañado de un rodaje en blanco y negro con toques puntuales de color. Técnicamente es un trabajo impresionante, uno de los planos iniciales con Pablo en su versión infantil y los padres discutiendo de fondo en sombras, desenfocado, los giros de cámara que acompañan las llaves de Judo, todo conforma un ejercicio de estilo fabuloso.

¿La pega? Bueno, que el trabajo de realización se difumina un poco en la parte final por un desarrollo que se torna demasiado convencional. La historia chico conoce chica que aparece de repente no es capaz de mantener el nivel de riesgo tomado en el inicio con toda la parte de la relación parental, y aunque en general se integra bien en la historia y sirve como contrapunto, da un poco la sensación de haber caído dentro de una comedia romántica clásica. Hay que decir que este momento no logra empañar para nada el enorme trabajo tras la cámara, sin embargo crea una cierta sensación de esquizofrenia donde parece que dos directores distintos hayan rodado cada parte. El estilo arriesgado se merece un desarrollo arriesgado teniendo en cuenta que una de las moralejas conductoras del corto habla de aprender a lanzarse... "Si tienes miedo a lanzarte, no aprenderás a caer".

...Continuará

Pedro Pérez (aka Findor)

¡Córtate! (parte I)

2011-04-17T13:55:00.004+02:00

Este pasado jueves se presentó en Madrid el evento ¡Córtate! Donde se estrenaron 5 cortometrajes de primera linea en el mundillo. El evento nace como una gran reivindicación del mundo del corto demostrando que poco tiene que envidiar a su supuesto hermano mayor.

Antes de empezar con las opiniones sobre los cortos, que llegaran durante los siguientes días, quiero unirme a la reivindicación de Raúl Cerezo sobre el cortometraje.

El día 14 por la noche se demostró claramente que el cine en España no está en crisis y que lo que falta no son cineastas con talento sino gente con criterio y confianza que genere una buena bolsa detrás para que todo esto sea la cantera del cine que debe ser. En España no sobran subvenciones, simplemente se demuestra que no están donde deben.

Fincher, Gondry o Romanek son directores de cine que empezaron, en cierta forma, haciendo cortometrajes, videoclips o publicidad. El caldo de cultivo para que Gondry pudiese hacer Eternal Sunshine o que ha desembocado en Fincher dirigiendo Zodiac no es otro que el laboratorio de investigación donde pudieron experimentar con técnicas y donde desarrollaron su imaginería visual. No me imagino que podríamos habernos perdido si algún mandamás hubiese dicho a Gondry que hiciese cosas más comerciales en vez de las idas de olla que le convirtieron en lo que es.

La cultura del cine ha de empezar por los cimientos, los directores de cine necesitan experimentar y rodar sin trabas y sin presiones comerciales, es de esta manera que se separa el grano de la paja, es de esta manera que el cine en España acabará funcionando como debe, creando una cantera de gente capacitada. No tiene que ver con los medios o los motivos, los artistas necesitan soltar lo que llevan dentro sin caer en la tiranía del espectador o acabaran siendo mediocres.

Es por eso que la iniciativa me parece fabulosa, quizá así nos quitemos los tapujos como espectadores y se vea que el cine español es algo más que dramas de la guerra civil y se deje de repetir el mantra de las subvenciones.

Reivindiquemos el cortometraje, llenemos el Capitol cada mes y apoyemos el cine español de una puñetera vez porque esta muy claro que talento no falta, solo hay que dejarlo aflorar.

Pedro Pérez (aka Findor)

Esqueletos en el armario

2011-03-30T13:35:00.005+02:00

En la aparente calma de la vida diaria todos escondemos algo debajo de la alfombra, algo monstruoso y grotesco que tenemos encadenado bajo siete llaves y que nos avergüenza enseñar a las visitas. David Lynch fue el gran poeta de los deforme ya fuera con punch directo como "El hombre Elefante" como con la sutileza de ese jardín de rosas por el cual camára se va adentrando para descubrir un ejambre de insectos devorando una oreja.

A día de hoy no se sabe muy bien aún, o tal vez si, quien ha dirigido Poltergeist (1982).

Para la posteridad en los titulos de crédito figura Tob Hooper, pero todos sospechamos que fue Spielberg el que tomó las riendas del proyecto. El film comienza con la fanfarria del himno americano, este es un dato importante, con el monumento de los soldados en Iwo Jima en rayos catódicos, en una típica y apacible urbanización de mediados de los 80, como la que aparecía en muchas de las amblinadas de entonces, la América de Reagen habitada por personas normales a las que les van a pasar cosas extraordinarias.

Esas fuerzas exteriores que raptaban al crío en "Encuentros en la tercera fase" aquí son almas descarnadas que entran en nuestro mundo a través del televisor, objeto mágico al que millones de personas se asomaban todos los días, la identificación con el espectador es total. La irrupción de los sobrenatural en la vida cotidiana en forma de sillas que se mueven, es magistral y progresiva, muy en plan "Oye, si estamos bien que más dará que las sillas se amontonen solas encima de la mesa".

El drama estalla cuando la niña es raptada por estas fuerzas hacia otra dimensión y la unidad familiar se resquebraja, en su tramo central el film no escatima ñoñeces y sentimentalismo a raudales, hasta que parece que termina...En una pequeña e inquietante secuencia anterior del film, vemos como la conocida valla de madera "made in Spielberg" que a través de un travelling nos va a enseñar que donde planean construir una cocina ahora hay un cementerio...."Solo son gente normal".

Si algo es inherente a la cultura américana es su capacidad para dejar cadaveres enterrados atrás y edificar su aparente felicidad encima, la audacia de hacer flotar esos cadaveres en una piscina, reales según la rumorología, o surgiendo en un ataúd en medio de la cocina, es una de las mayores bofetadas al american way of life por parte de uno de sus hijos que se ha criado a la luz de un televisor.

By Valek

Cine grande, cine pequeño

2011-03-28T23:45:00.006+02:00

I don't know the key to success, but the key to failure is trying to please everybody.

Bill Cosby

Un poco de aventura, que ganen los buenos, por supuesto, siempre con algo de superación personal por el camino. Romance, una relación no puede faltar, da igual que hablemos de un espía. Si hablamos de comedias es importante que a las dos terceras partes haya un punto de inflexión, un ex-novio o algo que ayude al protagonista a superarse a si mismo. Siempre puede ser ese archienemigo, no puede faltar un archienemigo, y acción. Una persecución en coche, o una corriendo con la cámara al hombro, que ahora mola. Un par de explosiones, efectos especiales. La chica que esté buena… Ya está. Acabamos de hacer una película con un poco de lo que le gusta a todo el mundo… ¿Que puede fallar?

Nunca pensé que un día de mi vida usaría una frase de Bill Cosby como ejemplo de algo, pero si algo me parece su frase, es esclarecedora. Primero porque representa uno de los males endémicos de muchos aspectos de la sociedad, incluido el cine, y extrapolable a demasiadas disciplinas. Aumentar el público potencial como recurso para maximizar beneficios o minimizar riesgos. Alguno puede llegar a pensar que el cine no sufre esto, porque la mayoría de blockbusters tienen un público definido, los jóvenes, pero al final el error es el mismo, porque intentan agradar a todos los jóvenes sin distinción.

El cine grande es para minorías. Quizá esto choque mucho con algunas de mis ideas anteriores sobre la formación de grupúsculos cerrados de cinefilia, pero al final es más una causa que no un efecto. Es difícil que películas que no se plantean como objetivo el gustar a todo el mundo, acaben gustando a todo el mundo. Aunque curiosamente, las películas que quieren gustar a todo el mundo, no acaban gustando a nadie, o no lo suficiente como para convertirse en cine grande.

Sigo pensando que la calidad no debe depender nunca de los objetivos sino de los resultados, pero sospecho que los directores con cierto grado de megalomanía parten con ventaja. Pensar en lo que uno quiere contar por encima de lo que los demás opinen es un primer paso para crecer y hacer cine grande. Pienso en Malick, Fincher, Gondry, Kubrick, Tarantino o en mi megalómano favorito P.T. Anderson y veo películas sin concesiones en muchos casos. Narrativa que sigue su camino y genera sus propias reglas si hace falta, sin pensar nunca en regalar nada a la audiencia o dar facilidades porque si al final la cosa está bien hecha, todo cae por su propio peso. Y Magnolia me parece un gran ejemplo sobre esto.

No creo que Magnolia haga prácticamente ninguna concesión a la audiencia excepto, con peros incluso, el pequeñísimo gesto final, y aún así podría decir que está plenamente justificado dentro de las reglas de narración que plantea la película. Magnolia es cine grande por muchísimos más detalles que la duración o el elenco de actores con mucho caché, Magnolia es cine grande porque deja que la narración fluya por donde debe para que las piezas del puzzle que plantea encajen acompañado, claro está, por una virtud técnica excelente.

In this life, it's not what you hope for, it's not what you deserve - it's what you take!

Podría escribir hojas y hojas sobre Magnolia, pero me reservo mis palabras para un texto posterior en mejores condiciones.

Es un gran defecto del espectador esperar que le cuenten las historias que quieren oír, pero uno de los pasos necesarios para evolucionar es empezar a escuchar las historias que se cuentan por encima de lo que uno espera… Eso sí, siempre siendo exigente...

Pedro Pérez (aka Findor)

Cine e hiperconsumismo

2011-03-11T00:19:00.004+01:00

Leo esta respuesta en carta del crítico Jonathan Rosenbaum a Nataša Ďuricová, recogida en el imprescindible libro“Mutaciones del cine contemporáneo”:

“Los que dirigen el mercado están convencidos de que somos muy diferentes entre nosotros, principalmente porque, en teoría, necesitamos campañas publicitarias muy distintas. La verdad es que soy más que escéptico al respecto. Lo terrible es que, de alguna forma, estamos dejando que la gente que idea las campañas publicitarias nos diga quienes somos; algo que, normalmente, significa también quiénes no se supone que debemos ser”.

Esta lectura fue consecutiva al ensayo de Gilles Lipovetsky, “La felicidad paradójica” donde se habla de la tercera etapa de la era del consumo, aquella que ha dejado atrás la fabricación en línea y el consumismo que buscaba aparentar un cierto nivel económico, para crear una nueva necesidad: la de consumo en sí mismo, sin más fin que el acto de consumir y acaparar, sin que el objeto de consumo sea considerado un fin en sí mismo. A esta sociedad que Lipovetsky denomina de “hiperconsumo” se llega potenciando el acto en sí de consumir, de convertir el centro comercial en un lugar de peregrinaje y la compra en un elemento sanador. Hemos pasado, pues, de comprar movidos por la envidia a consumir en pos del hedonismo. Lo relevante no es la utilidad de lo que se compra sino la compra en sí.

Aquí es donde saco la conclusión de que esa reconversión del centro comercial en templo sagrado arrastra consigo a los cines. Todos hemos visto como los pequeños cines de las zonas viejas de nuestras ciudades han sido sustituidos por monumentales multicines 3D, de asientos vibratorios, pantallas gigantes y precios escandalosos. Cada cine es un nuevo Vaticano y cada sala del cine podría albergar la faz de Dios. De hecho, ya lo hacen, o presumen de hacerlo. Es, hasta cierto punto, comprensible: un mecanismo de defensa a la creciente demanda doméstica y a la ya presente oferta en streaming, cada vez más potente y definitiva.

Sin embargo, la cita de Rosenbaum trae a primera plana algunos problemas del cine actual. No hace falta más que repasar mentalmente la cantidad de sagas, licencias y remakes que inundan un mercado cada vez más inseguro. Si la primera etapa del consumo que define Lipovetsky crea la imagen corporativa, el nombre o marca que es síntoma de calidad y que se extiende gracias a la producción masiva, se puede decir que el cine encuentra en las franquicias un modo de asegurar su propia marca. En otros tiempos pudo haber sido el rostro de un actor, un productor o (en momentos más felices) el nombre de un director lo que asegurase la recaudación de un público entregado. Hoy la gente no tiene ningún interés en saber quién se esconde detrás de la cámara mientras que los que se encuentran delante son carnaza de prensa rosa y escándalos desmitificadores. Lo que vende es el título, ni siquiera la historia. Vende un nombre conocido, un juguete, una secuela, una adaptación.

El hiperconsumista no necesita informarse de la película, prescinde de ello. El hiperconsumista lo quiere ahora, lo quiere sin que le interese realmente que es, sin preocuparse de su calidad y, a ser posible, lo quiere gratis. El hiperconsumista de Lipovetsky ve el consumo como una terapia y por tanto, el objeto de consumo se convierte en un derecho, algo así como la salud pública. Discos duros de equis terabytes se llenan y llenan, acumulándose sin que nadie repare en su relevancia. Cuanto más acceso tenemos al cine más irrelevante es; cuantas más películas poseemos, una sola de ellas se vuelve insignificante. Todo esto nos lleva a seguir consumiendo, a tragar sin masticar, a esperar un empacho de cine que nos viene siempre anunciado como nuevo, mejor, definitivo o insuperable. Cada acontecimiento cinematográfico es un éxtasis privado que, de tanta periodicidad, pierde su significación. La cantidad no nos deja apreciar la calidad. Ya no importa: solo consumimos sin preguntarnos que nos dan, sin cerrar la boca a la espera del siguiente bocado. Lipovetsky lo resume con estas palabras: “Para su desgracia, el hiperconsumidor se apoya tanto en sus emociones que éstas no acaban nunca de ser satisfechas, y la experiencia de la decepción asoma y amenaza a distintas capas de la sociedad”. Dejamos que la industria – la gente de la que menos nos deberíamos fiar en estos aspectos – nos dicte y nos filtre que debemos ver, que es lo que será tendencia, que es significativo en nuestras vidas.

A Rosenbaum – a través de Pablo Muñoz – le debo descubrir una película que no venía en ninguna marquesina ni precedida de ninguna fanfarria: la elegantísima “Soldado de papel” de Aleksei German. Cada vez quiero huir más de los teasers, los trailers, los adelantos de los teasers, las descripciones de trailers exclusivos vistos en la Comic Con de San Diego a través de un cam subido a youtube. Cada vez quiero encerrarme más en mi habitación, alejado del mundo, y ver una película como si fuese la primera (o última) vez, como un acto secreto y perverso, una pequeña intimidad. Aún acudo a un cine, dada la proximidad de este a mi casa, cuando mi tiempo libre me lo permite y no veo mal dejarme un respiro colándome allí donde no me han dicho que hay un gran evento. En las fiestas más anticipadas, las mejores risas están en la cocina de la parte de atrás.

(En la imagen que abre el artículo: La fachada del cine cine Byrd, de Richmond, Virginia, donde actualmente reside Rosenbaum)

by Henrique Lage

El triunfo de la mediocridad

2011-02-19T16:02:00.005+01:00

Muchas veces me pregunto porque tengo que ser exigente, la gente me pregunta cómo es posible que no me gusten ciertas películas, que si soy un rancio, es un pensamiento recurrente que suele ser espoleado por algunos momentos y conversaciones con personas menos sibaritas en gustos cinéfilos, me pregunto si no sería más fácil dejarse llevar e intentar eso de disfrutar del cine, total, la vida es corta, no estamos aquí para sufrir, bla, bla, bla...

Sin embargo ante una afirmación tan inocente se esconde una trampa... No creo que sea descabellado pensar que ante cualquier elección una persona sensata decide optar por la mejor opción. Las cosas que pueden influir en que esto no se cumpla son el desconocimiento, el dinero, la parte estética... Se podría incluir la información sesgada, como la que ofrece la publicidad, pero es una forma más de desconocimiento. Es una suposición lógica pensar que si una persona decide comprar un televisor y tiene dinero e información, elegirá la mejor disponible en base, sobretodo, a que hay gente experta en el mundo que es capaz de emitir un juicio sobre un televisor en base a su conocimiento.

Supongo que veis por donde voy, no creo que este descubriendo nada nuevo. A todo el mundo le gusta la excelencia, todos querrían ser exclusivos, tener cosas mejores que su vecino o esos familiares odiados, lástima que el dinero lo impida...

Pero el cine es "gratis"... Podría entender, en una afirmación impertinente, que la gente que no pueda pagarse una cena en el Bulli se autoconvenza de que un cocido es mejor, entiendo que con las cosas caras la gente no sea exigente por no poder permitírselo, pero el cine es "gratis", incluso si no lo es, el precio de las entradas y de los blu-rays no dependen de la calidad de la película. Voy a subir un grado más esta impertinencia para decir que no entiendo porque ante la posibilidad de conseguir gratis cualquier película del mundo en un tiempo mínimo, la gente sigue eligiendo ver cine mediocre.

Es evidente que si todo el mundo consume productos mediocres y los acepta sin más, la mediocridad se convierte en el paradigma de calidad. Uno de los problemas que veo no es que el cine sea mediocre o que no haya buenas películas, porque las hay, el problema es que cada vez que aparece algo ligeramente diferente a ese punto medio, se le empieza a llamar obra maestra.

Stephen Hawkings decía en la introducción de "Historia del tiempo" que cada referencia o formula matemática que aparece en un libro, son lectores que se pierden, sin embargo, siendo de ciencias, al hablar de esto no puedo evitar pensar en las campanas de Gauss.

Yo creo en la estadística, no por nada es uno de los pilares de mi trabajo. Siento que seré un aguafiestas para algunos, pero todo esto del criterio no deja de ser, de forma simplificada, un corte en esa campana que decide hasta que punto de mediocridad uno es capaz de soportar.

Vuelvo a repetir que esta "lucha" no es contra el cine mediocre, este tiene que existir, es lo que da forma a la campana, no es un tema de decir que cine es mejor que otro, mi problema es contra el conformismo que acepta ese cine, personalizado en miles de críticos que sólo miran su ombligo y que gracias a internet pueden tener voto (incluido yo) y acompañado por los medios que exaltan la calidad en base al dinero que reciben. Esto no va de crear lobbys o grupos elitistas o de creerse superior a los demás, va de creer en un público más exigente que repercuta en la calidad del cine y revitalice el medio, porque a la larga será mejor para todos. Sé que es un pensamiento excesivamente idealista, pero nada me impedirá intentar llevarlo a cabo.

En el fondo da igual el tipo de cine que defiendas, el objetivo no es otro que el de ser exigente con lo que ves... Siempre que hablo de esto acabo repitiendo la misma frase: el problema de no esperar nada de una película es no obtener nada de ella y conformarse.

Pedro Pérez (aka Findor)

La dicronía entre películas y actualidad

2011-02-14T22:31:00.007+01:00

¿Cuánto tiempo tarda en cine en reaccionar a la actualidad? Sabemos que el proceso de realizar una película es lo suficientemente complejo y lento como para que tengamos que darle una tregua a la inmediatez de sus discursos, pero a veces cuesta ajustar nuestras necesidades analíticas. Cierto es que podremos seguir considerando el cine dentro de un contexto social, tanto en su capacidad para analizar el pasado reciente, como para adecuarse a su presente o incluso pronosticar el futuro. Hay suficientes y valiosos estudios al respecto como para ponerlo en duda. Sin embargo, esa desincronización tan aguda es obviada continuamente y no podemos dejar de pensar que llegan siempre tarde y mal.

Un ejemplo del pasado año fue la decepcionante “Green Zone: distrito protegido” (Paul Greengrass, 2010). Repaso mis notas al respecto de la película y encuentro esta frase: “esto trae como consecuencia una simplificación de los elementos que la componen ante la responsabilidad de ajustarse no sólo a lo “histórico” si no a la latente necesidad de explicitar su posición política, su moraleja a modo de falsa expiación”. Reconozco en estas palabras de mi yo del pasado como una crítica a la excesiva predisposición del cine actual a resultar forzosamente alegórica y explícito, pero encuentro que mi referencia a la adecuación de un modelo histórico planteaba una semilla de la duda que aquí expongo: Donde “Green Zone” pecaba de una ingenuidad y anacronismo demoledor al mostrar como gran revelación la ausencia de armas de destrucción masiva y la responsabilidad de su protagonista para con la verdad, ahora me pregunto si no estábamos ante un antecedente de las filtraciones de Wikileaks.

Por supuesto, esto no cambia mi parecer de la película, pero encuentro significativo que esa desincronización de la que hablo haya beneficiado a la misma hasta el punto de no ser una nota que llega tarde si no un puente (o un adelanto) a una realidad inmediata. El análisis puede ser anecdótico y superficial, pero plantea muchas preguntas. Es cierto que asociamos la integridad de las filtraciones con el ametrallador sonido de las máquinas de escribir al final de “Todos los hombres del presidente” (Alan J. Pakula, 1976), y no me conviene a mi (por ignorancia) analizar los ciclos históricos que nos llevan de nuevo a la desconfianza y la responsabilidad civil, pero quizás haya otra manera de entenderlo.

Pienso en las palabras del humorista Stephen Colbert en su célebre monólogo en la Gala de Corresponsales de Prensa de 2006. “Estas cosas se mantienen en secreto por una razón: son super deprimentes. (…) Durante los últimos cinco años fuisteis muy buenos en temas sobre recortes de impuestos, información sobre armas de destrucción masiva, los efectos del calentamiento global. Nosotros los americanos no queríamos saberlo, y vosotros tuvisteis la cortesía de no averiguarlo. Aquellos fueron buenos tiempos… que nosotros sepamos. (…) Simplemente corregid la ortografía y largaros a casa. (…) Escribid esa novela que teneis dando vueltas en vuestra cabeza, ya sabéis, esa del intrépido reportero de Washington que tiene coraje para enfrentarse a la administración. Ya sabéis: ¡ficción!”. Y pienso en ellas sobre el gran cambio que supone hoy por hoy la información gubernamental.

En tiempos donde los políticos hacen ruedas de prensa donde no se admiten preguntas, donde gobiernos cierran internet para acallar revueltas populares o donde se alaba las luchas del país vecino por las libertades mientras se evita correr la misma suerte que ellos, ha aumentado la actividad ciudadana para evitar esa desinformación. ¿Somos más comprometidos, más desconfiados o nos hemos habituado más a la multitarea de los medios, a encontrar tanto la versión oficial en el periódico de tirada nacional o las contradicciones de esa versión en un link de Twitter? Wikileaks ha contado con un gran apoyo en la red, aunque cabría ser un poco pesimista y preguntarse si las filtraciones han servido para algo más que vender periódicos. Sí, quizás estemos más informados, pero si esa es toda la satisfacción que obtenemos, sin que surjan cambios, algo estamos haciendo mal.

Eso nos devuelve de nuevo al cine, a su capacidad icónica y a su popularidad como medio, incluso entre aquellos a quienes no les interesa contrastar información. ¿Propaganda en el buen sentido? Tal vez. Tal vez disparos a quemarropa a nuestro cerebro, que siembren las dudas y nos devuelvan ese papel activo. El cine es un acto político, nos guste o no, incluso cuando no pretende serlo (o quizás ahí, más que nunca) dice mucho de nuestros posicionamientos. He rechazado abiertamente cierta categoría moral de las películas y cierta tendencia al sermón en las mismas, pero no puedo renunciar a su significado, contexto e influencia.

Nótese que la revista Time "espectaculariza" el rostro de Zuckerberg para asemejarlo al poster de la película. He aquí la hiperrealidad. Otra vez.

Sorprende la portada de la revista Time a Mark Zuckerberg, aupado por la popularidad de su invento y por su reflejo en la pantalla, la no tan crítica “La red social” (David Fincher, 2010) pero esa nueva relevancia a los hechos de un pasado reciente y que el cine ha vuelto a poner bajo los focos plantean una salida digna. Incluso cuando sirven para ayudar a El Mal, como es el caso. Pensamos lo inútil que sería la alegoría de Tony Blair en “El escritor” (Roman Polanski, 2010), hecho que no evita que sea una película notable, pero a lo mejor conviene fijarse en la atemporalidad de la enmarañada burocracia – eterno “vuelva usted mañana” que diría Larra – de “Buried” (Rodrigo Cortés, 2010). Huimos de la simpleza conciliadora de “Balada triste de trompeta” (Álex de la Iglesia, 2010) para fijarnos en la catártica resistencia de “De dioses y hombres” (Xavier Beauvois, 2010) o la aniquilación del hiperconsumidor de “Exit through the gift shop” (Banksy, 2010).

El cine tiene una tarea difícil para retratar realidades cuando consume tanto tiempo en perfilar esos retratos. Quizás la responsabilidad pase no por resignarse a esa impuntualidad si no por aprovecharse de ella, por revisitar la actualidad ante los ecos del pasado o trazar mapas de futuros distópicos. En resumen, que el cine político no nazca de la respuesta inmediata si no de la reflexión atemporal. No sé si con esto he conseguido llegar algo, pero es mejor plantearlo hoy que mañana.

by Henrique Lage

Remake vs remake

2011-02-13T12:09:00.005+01:00

Es una época turbulenta para el cine, o al menos es una época de acusaciones. Una de las principales parece ser la falta de originalidad, sostenida por un exceso de remakes "innecesarios". A pesar de lo que pueda parecer por esta forma de empezar, esto no pretende ser una critica al cine actual, ni mucho menos, creo que el cine goza de muy buena salud y que lo único que hay que hacer es buscar más allá de las salas comerciales.

Hablar de remakes suele provocar una pequeña lucha interior entre la defensa o el escarnio, alimentado principalmente por el amor hacia la obra original del participante en esa lucha.

Toda este rollo previo y la lucha interior que me inunda estos días viene provocada por un remake concreto de una película que forma parte de mis guilty pleasures a pesar de sus carencias, Let the right one in (Tomas Alfredson) y su versión americana Let me in (Matt Reeves). Llevo varios meses predicando el acto de juzgar por los resultados por encima de los objetivos o de los precedentes, así que seré fiel a mis principios y tengo que llegar a la conclusión que, a pesar de las virtudes de la original, me tengo que quedar con el remake, y ahora toca el porque, aprovechando el camino para hablar un poco de un par de buenos y malos remakes, o quizá dicho de forma mas correcta, de una película buena y otra mala que resulta que son remakes.

(spoilers importantes de las dos películas y de la novela)

Creo que es mas correcto hablar de la versión de Reeves como remake que de reinterpretación de la novela original. Ignoro si Reeves, también guionista de la versión US, ha leído la novela de Lindqvist, pero si lo ha hecho, creo que no ha usado prácticamente nada de ella que no estuviese presente en la película de Alfredson, lo que sí ha hecho es quitar muchas cosas que no acaban de funcionar todo lo bien que podrían y dejar una película bastante más redonda.

El principal dilema a la hora de afrontar un remake parece ser cuanto tomar de la fuente original y porqué. A pesar de hablar siempre de resultados, el objetivo siempre tiene una pequeña influencia en ellos. Psycho de Van Sant no consigue ofrecer nada que no tuviera la versión de Hitchcock y falla en su objetivo básico de ser una buena actualización para generaciones venideras, a los miscastings de los actores se une un desaguisado anacrónico mental que produce al mezclar los 90 con personas en su versión sesentera. No es una versión del todo execrable porque algunos actores secundarios de la segunda mitad de la película acaban funcionando algo mejor que sus versiones originales, pero en general falla en detalles en los que Van Sant no parece caer como los juegos de sombras que genera el blanco y negro y que no funcionan igual en las composiciones cromáticas naranjas y azules de la versión de su versióm. Lo mismo se podría pensar de Funny Games de Haneke, un remake a priori más innecesario y sin embargo el plano a plano del propio Haneke funciona aun mejor que el original, primero porque su mensaje sigue vigente, y porque sigue siendo una critica mordaz al modelo de cine de asesinos en serie, que ademas se actualiza con mejores actores (excepto en el protagonista, mucho menos inquietante) y se ofrece hacia mayor publico potencial, consiguiendo por el camino reirse de la audiencia que veía necesidad en ese remake.

En el caso que nos ocupa de Let Me In, Reeves parece tener mucho más claro que Alfredson lo que compone una película. La original consigue funcionar durante varias escenas por el ritmo pausado, el papel de Eli y la actriz que la interpreta funcionan mejor en conjunto y la ambientación en general me parece mas opresiva, o al menos, más depresiva. Sin embargo se dispersa intentando contar demasiadas cosas que funcionan en la novela y que sin embargo hacen que el hilo conductor de la película no acabe de fluir del todo bien, necesitando una concesión extra por parte del espectador para entrar en ese ritmo más costumbrista.

Reeves decide centrarse principalmente en la historia de Owen/Oskar y Abby/Eli, extirpando primero a familia de Owen, tan presente en la original. La madre no deja de ser como la dueña de Silvestre en los Looney Toons, un cuerpo sin rostro. El padre de Owen es una conversación por teléfono, no interesan para nada sus problemas, solo saber la influencia negativa que producen ambos sobre Owen y esto se muestran por sus diálogos sin necesidad de recrearse en ellos. También es irrelevante la sexualidad de Abby, ese punto que funciona perfecto en la novela para entender la relación de Eli con su "padre", aquí no tiene apenas importancia, Abby es una niña, y su relación con Owen es lo que marca la narración junto a la interacción de Owen con sus compañeros de colegio.

No es justo decir que el remake esta exento de problemas ni que sea una película perfecta, uno de los componentes que se queda en el camino es la falsa sensación de final feliz, o más que falsa sensación, esa duplicidad de posibilidades. Al comprender la relación de Eli con el "padre" se crea la duda de si Oskar es otra herramienta más en la vida de Eli y no ese amigo que le hace cambiar. Esta sensación se pierde ya que lo que vemos es una amistad más pura entre Owen y Abby y el padre de Abby da una impresión de cuidador a diferencia de la relación pederasta de la novela.

Sin embargo, al final, la fluidez narrativa de la versión de Reeves, la pone un peldaño por encima de la original y es un buen ejemplo de como afrontar un remake, a priori "innecesario" que al final resulta más que satisfactorio y sin invalidar para nada la original.

Pedro Pérez (aka Findor)

Humoristas

2011-02-03T00:24:00.003+01:00

“¿Recuerdas el anillo del Holocausto de mi abuela?”
“No sabía que en el Holocausto regalasen anillos”
Resacón en Las Vegas (Todd Phillips, 2009)

Un chico de 17 años, huérfano se ha ganado la vida en la calle. De repente, estalla una guerra en su país. Atrapado por su enemigo, consigue librarse en el último instante de un pelotón de fusilamiento. Atrapado de nuevo, es llevado a la cárcel hasta el final de la guerra.

Años más tarde, decide subirse a un escenario. Como un espontáneo. Ante el asombro de los espectadores, empieza a relatar su experiencia en la guerra… pero no lamentándose, ¡bromeando con ello! Habla de sus compañeros muertos y hace chistes con ellos. La gente no para de reír.

Guionista de cine, humorista gráfico, monologuista, actor de cine y televisión e icono del humor. Su más famoso discurso antibelicista no escondía una capacidad crítica inmejorable para poner el dedo en la llaga durante una dictadura. Estoy hablando, por supuesto, de Miguel Gila.

Hubo un tiempo en que España era un país de humor grueso y cazurro, donde la bestialidad era una chanza habitual. Uno revisa los textos de Lope de Vega o Quevedo en lo que llamamos el Siglo de Oro y se da cuenta de que hay una larga tradición cómica donde los tabúes no existían. En ese mismo “siglo” se publicaba una obra cargada de violencia, sexualidad, herejías y burla de la España más pobre y cazurra: El Quijote. ¿Han leído alguna vez “El lazarillo de Tormes”? El texto se burla de los negros, de los inválidos, de los religiosos y de la pobreza y hambre de la época.

Hay una incongruencia en un país donde Luis García Berlanga, ese erotómano ateo confeso que se reía de la Guerra Civil y el hambre en plena dictadura, es un símbolo nacional. En un país donde provocadores, en el más admirable sentido del término, como Dalí o Buñuel son nuestros máximos representantes culturales en el Siglo XX. Cela, Arrabal, Almodóvar, Bruguera, Valle Inclán. Que sería de nosotros sin ellos.

Al otro lado del charco, el judío Lenny Bruce escandalizaba a un público que lo denunciaba por obscenidad. Salía en su defensa otro monologuista, un tal Woody Allen que decía del Holocausto que seis millones de judíos muertos eran pocos, que los records estaban para batirlos. En la misma línea de Lenny estaban George Carlin, el hombre que hizo la lista de las diez cosas que no se pueden decir por televisión y que algunos reconocerán como el obispo que presenta al Jesucristo Colega en la polémica “Dogma” (Kevin Smith, 1999), y Richard Pryor, que después de escándalos personales con malos tratos y drogas… hizo de ello un monólogo cómico.

Jerry Senfield, otro monologuista judío, y Larry David crearon una de las series de televisión más importantes de los 90. En ella se podían apreciar episodios como aquel en el que Senfield se perdía “La lista de Schindler” por estar besándose con su novia o cuando conocía a un dentista que se había convertido al judaísmo para poder hacer chistes sobre judíos sin ser llamado antisemita. El propio Larry David protagoniza una de las mejores series cómicas de la actualidad, “Curb your enthusiasm”, donde se le acusaba de antisemita por silbar una tonada de Wagner. ¿Sabían que mientras rodaba “La lista de Schindler” Spielberg ponía episodios de “Senfield” para animar al equipo?

Y aquí siguen Alberto González Vázquez. Los Vengamonjas. Miguel Noguera. Miguel Ángel Martín. Jorge Riera. Paco Alcázar. Rubén Ontiveros. Santiago Segura. La misma gente que sale en defensa de Álex de la Iglesia, de su capacidad para expresarse como le venga en gana en Twitter, de opinar distinto a sus compañeros y de buscar el consenso donde otros interesados solo quieren enfrentamiento; la misma gente que se mete con Hollywood por su poca tolerancia al sentido del humor de Ricky Gervais, famoso por un monólogo sobre nazis y que confesaba que su ideal inicial era presentar los Globos de Oro disfrazado de Hitler; la misma gente que probablemente se ríe con “Padre de familia” cuando hace un sketch con Peter Griffin comiendo patatas fritas en el escondite de Anne Frank o “Padre made in USA” cuando Roger planea ganar el Oscar con una versión pueril del Holocausto que parodiaba tanto a la propia Anne Frank como “La lista de Schindler”, “La vida es bella” o “El pianista”.

Y luego están las caricaturas de Mahoma. La portada de El Jueves con los príncipes. “A serbian film”. Los dos episodios de “South Park” que vieron sus respectivos finales censurados sin previo aviso. “Saw VI”. El derecho a la libertad de expresión es, como todos los derechos, inalienable, se encuentra por encima de cualquier contexto o razón y es independiente del orden jurídico. No lo digo yo: lo dice la ONU en su Declaración de los Derechos del Hombre de 1948. Sí, esa declaración que se hizo a consecuencia de la Segunda Guerra Mundial. ¿Sabían que Israel exportaba pornografía sadomasoquista representando a judíos y nazis? Vaya, será que sí se puede banalizar sobre todo. Será que no existen los temas sagrados y que arrastramos tabúes preconcebidos, impensables en una sociedad del siglo XXI. No, no es una moda de lo políticamente incorrecto: solo es que hoy existe más gente dispuesta a ofenderse por cualquier tontería antes que a relajarse y reírse. Ya lo dice la canción, “Everyone’s a Little bit racist”: Even though we all know / That it's wrong, / Maybe it would help us / Get along.

Está claro que el problema no es el chiste. El problema es la repercusión mediática, la manipulación que se hace del mismo. A que intereses sirve: ¿Por qué si no se recalca tanto que Nacho Vigalondo sea la imagen de una campaña de El País y no de una de Visionlab o Burguer King, o un nominado al Oscar? ¿Por qué se repite que Sergio Pamiés le increpó cuando no es el mismo Sergi Pamiés de La Vanguardia? Así se repiten consignas, falacias de campeonato que implican que, si Vigalondo trabaja para un periódico del grupo Prisa, luego es militante del PSOE y un subvencionado… independientemente de que su última película no haya recibido subvención o de que él nunca se haya expresado políticamente. El asunto es ver como esta sociedad ha distorsionado el mensaje, desde la ofensa pacata a la indignación nacional, el crear un titular o el posicionarse ante algo que cualquiera con sentido común entendería que no se apoya. Las consecuencias son esto: el silencio. Cuando un hombre nos hace reir, es un comediante, cuando nos hace pensar o sentir cosas nuevas, es un humorista.

Se combinan tres puntos en la polémica del Holocausto Vigalondo: las intenciones de medios rivales de atacar a El País, la necesidad de los medios de crear polémicas y titulares con los que aumentar los comentarios (y por tanto las visitas) a sus publicaciones digitales y por último, la urgencia de los tiempos: Twitter es una herramienta sobre la chanza inmediata, no es una fuente a la que un periodista con un mínimo de ética y cultura acudiría. Los periódicos necesitan demostrar que están al día y la mejor de estar en el centro de la noticia… es crearla donde no la hay. Es generar más noticia. Es pensar en el potencial de un incidente inocuo, en su capacidad para convertirse en una noticia de verdad. Ese hype, esa expectativa de que aún no ha pasado nada serio ¡pero si lo publicitamos lo suficiente y lo tergiversamos adecuadamente, quizás ocurra! Ya no es algo por lo que la profesión periodística debería avergonzarse: es algo por lo que cualquier persona con un mínimo de decencia debería reflexionar, hacer autocrítica y preguntarse: “¿No estaré contribuyendo precisamente a aquello que busco denunciar? ¿No estaré equivocado?”. Los periódicos de la Alemania Nazi no investigaban sus noticias: aceptaban las que llegaban desde las agencias “oficiales” y lanzaban dardos contra el cabeza de turco que les permitía mantener su ideología. Ya saben quiénes.

Todo esto no es más que una serie de ideas sueltas que están mejor expresadas aquí, aquí, aquí y aquí. Hagan lo que nunca haría un mal periodista o un ofendido irracional: lean con atención y espíritu crítico.

Quizás somos una potencia: ya tenemos el puritanismo de los Estados Unidos y la censura de China. Sin embargo, la manipulación es algo ya profundamente español. Sólo aquí tenemos tan poca vergüenza. El resultado es esta inevitable marcha atrás, que nos vuelve a situar, con vergüenza, lejos de los derechos que creíamos incontestables. Y eso sí que no tiene gracia.

“La comedia es tragedia más tiempo”
Delitos y faltas (Woody Allen, 1989)

by Henrique Lage

Te puede pasar a tí...

2011-02-02T09:01:00.004+01:00

Los seguidores de Twitter y habituales del focoforo han vivido estos días un hecho que a priori, a falta de palabras mejores, calificaré como curioso. Un Twit de Nacho Vigalondo, que no reproduciré porque si lees esto es, probablemente, porque ya lo conoces, genera una corriente de declaraciones y un sentimiento de rechazo a su persona.

Ya se han escrito muchas cosas, creo que no podré añadir mucho a lo ya contado por John Tones y muchos otros, pero hace tiempo que no escribo, y necesito practicar.

"Cada uno es dueño de sus palabras". Vigalondo ha escrito, Vigalondo la ha cagado... parece sensato, ¿no?... discrepo.

En un movimiento espiral, siempre acabo volviendo al tema que me llevó a esas epifanías, el deconstructivismo y la negación, no del holocausto, sino de la referencialidad de los textos. El autor no es el dueño absoluto de lo que escribe porque es el lector el que le da el último significado... Esto, a grosso modo, parece separar a los lectores en dos tipos, los que entienden lo que leen y lo que no. Por algún motivo, probablemente educacional, intento estar seguro de lo que leo antes de pronunciarme, aunque no siempre lo consiga, y si tengo la posibilidad de hablar con la persona que ha dicho algo y veo que lo puedo malinterpretar, le pregunto...

Me gustaría saber cuantos medios que han escrito sobre Vigalondo han leido su blog o le han preguntado directamente.

Pero para mi esto ya va algo más allá de Vigalondo, está siendo noticia nacional, bajo el miedo a quedarse atrás y no hablar de una noticia que en realidad no lo es, todo el mundo habla. Y bueno, se podría decir que estos son mis 15 minutos de fama...

Lo que nos lleva a los temas realmente preocupantes, la capacidad que tiene la gente de posicionarse en base a lo que "unos dicen que otro ha dicho". Parece casi evidente que los medios de información ya no tienen interés en lo que dice la gente, sino en lo que pueda parecer que han dicho. El segundo punto preocupante es la necesidad de muchos de trazar límites y los ofendidos en tercera persona. Gente que decide que en una conversación entre otros le ofenden las maneras y en vez de apartarse quiere poner una barrera enmedio.

Yo veo una combinación peligrosa de todo esto y que parece producir gente que se convierte en adalides de la libertad de los demás en base a lo que les dicen otros... y no me gusta.

Efectivamente, el twit de Vigalondo ha sido un detector de idiotas, pero no solo de los desafortunados sin vida que, como yo, pasan un viernes twiteando, si no de otros de mucho más alto standing, los medios de comunicación y sus hooligans...

This is the real World

2011-01-30T20:34:00.008+01:00

La experiencia que tenemos muchos amantes del cine cuando aparecen las palabras "basado en hechos reales" antes de una película debe ser algo equivalente a lo que sentían los perros de Pavlov al recordar ciertos estímulos asociados a un periódico enrollado (bueno, el experimento era sobre la comida, pero la idea sirve igual), en este caso, con la cara de Ron Howard en primera pagina...

Es evidente que el cine siempre ha buscado inspiracion en la realidad en distinto grado, en ocasiones de forma velada, en otras de forma evidente y en ocasiones usando un esquema formal (documental, cámara en mano) asociado de una forma mas directa al concepto de reportaje. A priori no hay nada malo con esto, hay grandes películas que usan historias reales, pero en general parece convertirse en un imán de lugares comunes y sentimentalismo fácil.

Dentro de la nueva ola de directores actuales, un nombre me resulta especialmente atrayente, David Fincher, debido principalmente a una filmografía tan notable como variada y porque Fincher ha usado historias reales en dos de sus ultimas cintas sin caer en prácticamente ninguno de esos lugares comunes que suelen poblar estas películas.

Fincher me resulta interesante en Zodiac principalmente por su manera de tratar los hechos que inspiran la película al mismo nivel que la mayoría de directores tratarían la ficción. Es posible establecer ciertos paralelismos entre Seven y Zodiac, ambas tratan un asesino en serie y personas obsesionadas, pero salvando las distancias temporales y la evolución que de Fincher en el terreno formal, ambas funcionan a un nivel que trasciende de lo que están contando, ambas usan como fondo algo más que la historia de un asesino, pero lo mas importante es que independientemente de que su base sea real o no, funcionan igual de bien como narrativa cinematográfica. Si por un momento suponemos que Zodiac es ficción y Seven real, nos damos cuenta que en realidad su validez formal es la misma, más allá del posible escepticismo que se pueda mostrar como espectador.

Es en este punto donde puedo volver, a modo de inciso, a una de esas epifanias personales sobre la independencia de las obras sobre su origen. Realidad, remake o adaptación, las obras deben funcionar por si mismas. Watchmen, por poner un ejemplo, no es mala porque sea una mala adaptación (que lo es), sino porque narrativamente no es ni coherente ni fluida, y Zodiac es una gran película porque independientemente de su fidelidad, lo que muestra tiene como fin la progresión de la historia.

Lo mismo se puede aplicar a The Social Network, escondidos bajo un desorden temporal hay muchos aciertos narrativos, con un gran trabajo de montaje y una estupendisima banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, convirtiendo una película de "gente que habla" en un ejemplo fabuloso de las posibilidades del cine. The Social Network es un paso enorme en la filmografía de Fincher. Aun pudiendo considerarla inferior a Zodiac, cosa que podría ser un debate aparte, me parece una cinta muy valiente. Es difícil mostrar una historia donde prácticamente ninguno de los protagonistas que aparecen en pantalla genera simpatía y salir airoso, manteniendo durante dos horas el interés, incluso sabiendo el final.

Fincher es un estupendo narrador, y su obra mas fallida (quitando Alien 3 que parece que, aparte de estar detrás de la cámara, no pintó mucho) es Benjamin Button. A pesar del estupendo trabajo de producción, no deja de ser un compendio de tópicos sobre lo bonita que es la vida y los amores imposibles. No tengo nada en contra de estos conceptos, pero hay cientos de películas que cuentan lo mismo y hay que marcar mucho mas terreno que lo del hombre que crece al revés. Si marcamos mentalmente el esquema "Ron Howard" (tm) de historia real, Benjamin Button cae en todas las trampas que parece intentar evitar con el escenario planteado. Sigue siendo más disfrutable que Howard, pero no mucho mas.

Aun así, desde mi humilde posición acabaré esta alegoría diciendo que puede que Fincher no sea el mejor director actual, pero desde luego es uno de los motivos que me mantienen pegado a esto del cine...

Findor

Entre tierras y bajo ellas: las catarsis enfrentadas de "127 horas" y "Buried"

2011-01-12T01:17:00.009+01:00

SPOILERS DE "127 HORAS" Y "BURIED".

Se podría decir que toda la filmografía de Danny Boyle gira en torno a la catarsis. Sus protagonistas encuentran, con menor o mayor fortuna, un arrebato que admiten sin miramientos. La metáfora religiosa es una constante, consciente o no, que hila las ensoñaciones de sus personajes, su búsqueda o encuentro casual con una realidad superior a la que afianzarse.

127 horas no es diferente. La historia de Aron Ralston, el montañista que quedó atrapado por su brazo durante cinco días y sobrevivió para contarlo es, en un principio, una historia que plantea el reto de mantener todo el peso en un actor y una localización, elevada por la épica que ya destila de por sí la hazaña. Parece algo en principio, tan atractivo como medianamente asequible de desarrollar. Sin embargo, resulta curioso ver como Boyle antepone la dispersión, las divagaciones y alucionaciones de Ralston o los flashbacks a cualquier otro desarrollo emocional. Una de las primeras cosas que se puede criticar a 127 horas es la incapacidad para reaccionar ante la (ausente) vida personal de Ralston, quedando ésta reducida a fiestas y ligues, o a una familia escatimada, apenas presente por la voz de una madre y la testimonial aparición de amigos y una hermana. Sólo al recurrir al inexcusable epílogo aclaratorio que toda película basada en hechos reales se ve obligada a incluir, encontramos algo de implicación en quién es Ralston antes que en la mera descripción de su suplicio.

Porque si una cosa es 127 horas es la representación de un accidente, que no escatima en un detallismo totalmente inútil y exclusivamente dedicado al morbo. Parece que a Boyle solo le interesan dos cosas: todo aquello que sirve para reclamar la atención del espectador – a costa de lo que sea – y regodearse en las alucinaciones espirituales más pochas. Es una película tan poco interesante que ni su propio director parece interesado en la historia que está contando. Entonces, ¿cómo es que se trata de una de las favoritas para los Oscars de este año?

Conviene ser injusto por una vez y comparar sin ningún pudor la película de Boyle con la del gallego Rodrigo Cortés, Buried, para sacar algunas conclusiones. He aquí una pequeña división en categorías:

El protagonista

Aron Ralston es un héroe. Es ese muchacho carismático, dinámico, alegre y deportista que, para colmo, dedica su vida a rescatar a gente en condiciones como la que, irónicamente, le golpean en nuestra historia. Es un buen chico, el boy scout con ese punto canalla que lo hace más cómplice con nosotros. Es, además, una figura plenamente consciente de su condición y sabe en todo momento como proceder.

Paul Conroy es un perdedor. Incapaz de conseguir un trabajo, la única manera de llevar dinero a casa es aceptar un empleo sin futuro y peligroso: transportista en Irak. No es un santo ni muy listo. Lo vemos cabrearse, insultar y se ve completamente superado por su situación. Su vida es mediocre y, para colmo, se ve metido en unas circunstancias totalmente ajenas a él. Gran parte del peso de su personaje recae en lo que desconoce o en sus incapacidades para actuar, lo que lo convierte en un personaje dependiente de los demás, y por tanto, pasivo.

La estructura

Es interesante destacar que Boyle prefiere arrancar su película enseñándonos como es Ralston. Una vez descrito su personaje a través de un prólogo joie de vivre y dejando clara su condición de macho alfa. A partir de ahí, toda la información que se nos da viene directamente de él, de sus ensoñaciones, recuerdos o su videocámara (tengamos en cuenta que lo audiovisual puede estar tan manipulado como la memoria) y tan sólo el prólogo nos devuelve del arquetipo apenas esbozado a un personaje tridimensional.

Conviene destacar que la apertura y cierre de 127 horas, enlazando la historia privada de Ralston con imágenes de masas a un ritmo vertiginoso recuerda poderosamente a Mind Game (2004), que utilizaba las vidas de sus protagonistas para abrir y cerrar un relato de decadencia y superación en medio de la complejidad de lo humanidad.

En cambio, Cortés arranca su historia sin concesiones, y es a través del diálogo de Conroy con otros, de esa interacción con los demás, la manera en la que descubrimos todo lo necesario para reconstruir al personaje e implicarnos con él hasta el final. Parece fácil y no lo es, pero además es imprescindible.

La conclusión

No será ninguna novedad señalar que, mientras 127 horas se eleva triunfal ante la valentía, sacrificio y capacidad de superación del individuo, Buried prefiere hablar de la inevitabilidad, del error, de lo casual y del fracaso.

El sustrato

Pero el punto más relevante es el contexto: no es que Ralston salga victorioso de un lugar cualquiera… si no de Blue John Canyon, un paisaje puramente norteamericano, que refleja la propia belleza de esa tierra… del mismo modo que también es testigo mudo del legado cultural del país. Así, Ralston termina su aventura abandonando el cañón que recibe su nombre de un miembro de la banda Hole in the Wall, pero no sin pasar antes por las impresionantes pinturas que los ancestros de los indios Pueblo dejaron en el lugar. En otras palabras, podemos decir que la victoria de Ralston es individual… pero le ayuda a reconciliarse con su familia, su lugar en el mundo y una descarada alabanza nacional que quizás Boyle pretendía (como prólogo y epílogo parecen sugerir) convertir en global.

Por la contra, Conroy sufre la peor de las suertes en medio de ninguna parte. En un agujero de rata, un calificativo que sirve tanto para el ataúd en el que es enterrado prematuramente o en el país en el que ha acabado para su desgracia. Irak es ese error que hay que enterrar (nuff said) y al que sistema, un sistema que yerra, no le interesa sacar a la luz, y menos a la prensa. Conroy no puede más que ver cómo su país, su familia y sus amigos permanecen impotentes, inútiles y no le queda más que rendirse.

Mientras tanto, Ralston disfruta de su product placement, sus polvos Erasmus, sus talk shows, su superheroísmo autoproclamado. El único enemigo de Ralston es el mismo; en cambio, Conroy se enfrenta a todo lo demás, entre un funcionario imbécil y un terrorista negado.

Boyle parece agarrarse a esas catarsis, a esos pequeños triunfos de la vida como una manera de satisfacer al espectador. Quizás por eso suene hoy más el nombre del director de “Slumdog millionaire” que el de Cortés: porque el público no quiere oír hablar de errores, problemas, derrotismo o decepciones en tiempos de crisis. Aún cuando la película del español resulta mucho más eficiente y meritoria, pasa desapercibida ante una masa que enaltece el optimismo, la superación y la belleza de lo que le rodea. ¿Se sustituye el buen cine por las buenas intenciones? ¿O es que sólo podemos entender la catarsis como éxito, no como tránsito o revelación, por muy dolorosa que sea esta? Quizás no nos interesan esas revelaciones, porque implican la verdad y no siempre es agradable oírla. Nos interesa más presenciar un éxito momentáneo y una atractiva mentira. Sólo lamento todo lo que perdemos por no querer escuchar.

By Henrique Lage

La cuadratura del círculo

2010-12-30T14:56:00.006+01:00

Vista es ta misma mañana en un impecable dvd facilitado por Tarantina, (mil gracias, guapa), creo que desde ya puede tener el record de visionados por parte de un servidor, y pasa a mi top Ten particular del jew, lo cual es mucho decir en una filmografía coronada por cimas.

Fábula domestica de profundos ecos religiosos, como fue su hermana mayor "Encuentros en la tercera fase", sobre la amistad de un pequeño extraterrestre, un personaje real y tangible del film como cualquier actor, conseguido a base de unos logradísimos animatronics, y un niño que está atravesando la crisis del divorcio de sus padres. Fue la película más personal del realizador hasta aquel entonces, solo igualada años después por las dolientes y febriles "La Lista de Schindler" e "I.A.", otra con título/enigma en siglas, nacida de la amistad con Kubrick.

Casi, poniendonos un poco tontos, es la película de arte y ensayo, más lujosa y rentable de la historia, marcando la pauta de lo que sería la producción Amblin el resto de la década, y como detalle malvado decir que tiene el dudoso honor de ser la película más pirateada de la era dorada del VHS.

Película fetiche para muchos niños de la generación ochentera, que idealizaron su paraíso en ese L.A. suburbial, soleado y levemente hortera de los M&M o la Cocacola, mientras aquí teniamos que conformarnos con el mundial, Naranjito y ese papel de paredes tipo 70's.

Es un cuento inundado de luz blanca y cegadora, una parábola sobre el dolor y la perdida, pero profundamente esperanzador. Se podría incluso aventurar que su realización fue algo catárquico para Spielberg que exorcizó con él los demonios que le atormentaban por aquel entonces, no hay más que mirar las hemerotecas, el inminente divorcio con Amy Irving, la tragedia de su producción sobre la serie Twilight Zone, en el que murieron tres actores, dos de ellos niños, y el miscasting del director de Poltergeist, se rumorea que despidió a Tobe Hooper y tomó el mismo las riendas, ocultandolo cara a la galeria para que no se le echaran encima los sindicatos al estar rodando también E.T. por aquel entonces.

Film rodado en estado de gracia divina, musicado por John Williams como si fuera un ballet, mirad esos majestuosos minutos inciales sin apenas dialogos, todo tratado como si fuera cine silente, el poder de los visual en estado puro, o esa explosión de alegría final con timbres de bicicleta en que las siluetas recortan la luz del ocaso, un film que hace grande algo tan nimio como acercarse a la nevera, dándote un abanico de emociones que abarcan el terror, la embriaguez, la risa y finalmente la tensión dramática.

Una historia que es la vuelta a la infancia, en la que los adultos solo existen de cintura para abajo, o no tienen expresión, mirad ese instante sutil, en el que Dee Wallace que interpreta a la madre dice: "Si lo ves, no lo toques", lo dice de espaldas y en penumbra, no existe porque no cree. Todo esta construido con una alternancia de tonos acojonante, y encima estamos hablando de un revienta taquillas, sino mirad el mal rollo progresivo en la primera cena familiar, o intercalar momentos de puro "sense of wonder", el momento en que ET aprende a hablar con el "barrio sesamo", con momentos de cotidianeidad y melancolía como cuando los chicos encuentran la camisa del padre intentando descifrar que colonia lleva.

Spielberg es un cuentacuentos, un visionario, que ha descubierto que la tradición oral de la hoguera ha pasado a la liturgia de la oscuridad de una sala de cine, por eso en un alarde de arrogancia teenager, pero tal vez con cierta razón, pone a la misma altura a "El Hombre Tranquilo" que a "Peter Pan", porque ambas son historias que nos sirven para comprender un poco mejor quien somos, y por eso las funde con la suya propia, ya sea usando la música del film de Ford para acompañar un beso robado con ranas, o en otro caso como con Campanilla, aplaudiendo y deseando creer, pasando de puntillas por la doctrina Católica de muerte y resurreción que se intuye en el film.

Tal vez el film sea la cuadratura del círculo, ese círculo que inunda el film obsesivamente por todos sus encuadres, desde la claraboya de la habitación de los niños, hasta la nave del entrañable jardinero que provocó las lloreras más recordadas de la historia del arte, los culoduros del pase de cannes salían corriendo de la sala diciendo "Cest la merde" mientras se secaban los ojos, o tal vez solo estemos ante la mejor pelicula familiar de la historia, que no es poco.

Valek.

Dioses y monstruos.

2010-06-20T16:23:00.006+02:00

Film coral bañado de una extraña épica, planteado a la manera de los relatos de ascensión-caída rodados por Scorsese y guionizados por Schrader a mediados de los 70 u 80, el elenco está realmente brillante, cada actor con una mirada o expresión fisica nos transmite toda una historia detrás.

Julian Moore y Heather Graham realmente parecen actrices porno ( un porcentaje debido gracias a la maravillosa dirección de arte que nos hace un revival del horterismo de aquellos años) con mucha más sutileza que el mero hecho de poner cara de zorra, Whalberg nunca en su vida estuvo tan bien, su trabajo va en la línea de lo que hizo Stallone en Rocky, solo que mientras uno se líaba a puñetazos en el ring este se lía a pollazos sobre camas de agua.

Me ha chiflado como va evolucionando el personaje, algo acojonante de un tipo que era modelo de gayumbos, cosa que hasta se parodia en el film, o como de un chaval de 17 años de clase obrera llega a ser una megálomana porno-star con disfunción erectil, esos andares chulescos, esas llaves de karate... de hecho, hace una interpretación naturalista de como sería el día a día de un mal actor porno de los 70.

Es increíble todo lo que llega a transmitir el patético personajillo que encarna William H. Macy, se puede decir que es una metáfora de lo que fueron los 70, un tipo que recibe a bocajarro las infidelidades de su mujer y que nadie se toma en serio, mola como parece que su interpretación este desincronizada del resto del reparto, réplicas que quedan en el aire, llaves que se caen al suelo y que se toma su tiempo en plano para recojer, todo el esqueleto central del film es recogido en un enormerrimo plano secuencia que va de la habitación con su mujer folleteando, salida hacia el coche, vuelta, asesinato y suicido cerrando plano, claro, la muerte de los 70.

Los planos secuencias de la peli son todos acojonantes, ya es célebre el que abre el film, que comienza con una camara en posición lateral sobre un neón con el título del film, y que va haciendo un barrido aéreo hasta el club, y ya en el interior se nos va haciendo una presentación de los personajes, un Luis Guzmán como cicerón de la ruta del mal nos muestra el camino por el wonderland del porno, entre los que destaca un Burt Reynolds con pinta de estar a vuelta de todo pero que aún espera su mejor momento como cineasta, el encuentro de miradas (mientras suena el "Sunny" de Boney M) y conversación posterior con whalberg es uno de los mejores momentos del cine de los 90.

El personaje de Eddie Adams vive una vida ficticia rodeado de posters en su habitación, de hecho él aspira ser uno de los tipos de la pared, su narcisismo frente al espejo es equiparable al de De Niro en Taxi Driver, va ser un personaje al que cíclicamente lo van a despertar a hostias a lo largo del film, en primer lugar su desequilibrada madre destruyendo sus ilusiones "no eres nada, porque eres demasiado idiota", su huída de casa es dejar atrás la infancia y adentrarse en el mundo adulto.

Hay un corte de montaje con la puerta de la madre cerrandose y un sonriente Reynolds abriendo otra acogiendolo en su nueva familia, a su vez Julian Moore es la madre: ella pierde a un hijo por no estar atenta al telefono, mientras que con un juego de miradas el espectador sabe que
va a acoger en su seno a Eddy, de hecho, es ella la que lo desvirga en la industria y previamente hay una conversación llena de dobles sentidos que es una declaración de lo que es ella y de lo que desea ser él, sobrepasado las expectativas con éxito: se llega a correr dos veces para el equipo.

No querría olvidarme el reseñar la importancia de las fiestas en la piscina, en mi humilde opinión tienen una importancia similar al que otorgaba Kubrick a los bailes de salón en "El Resplandor": un reflejo del estado de ánimo de los personajes, si en la citada The Shining podíamos comprobar como el deterioro mental de Torrance aumentaba como a su vez crecía la afluencia de gente al salón, aquí Anderson recorre el camino inverso, comenzamos con unas fiestas en su apogeo, con chicas, sol y coca, en realidad todo lo que desea un adolescente, para ir despojandolas de glamour (ya hacia el final de la primera hay un aviso en forma de sobredosis dedicado de cara al productor que será condenado por pederestia y que propiciara el fin de todo)
Para más tarde dar paso a la amargura y la impotencia, Eddie adopta el rol de Dirk Diggler y nunca más será aquel chaval inocente, en la última fiesta no hay nada, solo es un trabajo y como no consigue una erección tiene miedo a ser sustituido por un reflejo de lo que fue el mismo, lo cual produce el enfrentamiento con su padre Reynolds o dios, y la expulsión de la paraiso.

En el último tramo del film todos los personajes tocan fondo, como ocurría en los dípticos mafiosos tipo Goodfellas o Casino, los demonios que esperaban agazapados asaltan a los atribulados personajes que a su vez estan tan llenos de coca como para tomar una decisión acertada, de hecho, algunos ni siquiera llegan a consumir coca sino algo que lleva moqueta o espina de pescado, volvemos al juego de apariencias como con los nombres falsos, hasta usan un señuelo con sacarina para engañar a un pasadisimo camello que encarna a un dios malvado y vengador, el único personaje realmente puro que llega a ese punto del film (Don Cheadle), el otro sería Macy que no llega vivo, se ve contaminado por su entorno y le niegan el crédito para abrir un negocio que le sacaría de esa industria moribunda, pero que en brillante "deux ex machina", con el juego del azar que exploraría más tarde en Magnolia, consigue el botin de un atraco en el que todos los presentes mueren.

El personaje de Whalberg es un idiota que no ve las señales, como esa reveladora imagen religiosa que le alerta que por menearsela para un pavo desconocido va a recibir un paliza que le deja casi muerto (me encanta la dignidad con la que pregunta: ¿sabes quien soy?), concatenada en prodigio de edición con un palizón que le arrean Reynolds y Rollergirl a un pobre tipo que tuvo la insensatez de llamarla por su nombre, otra vez los nombres falsos.

El último tramo de film es el más convencional debido al guión, se quieren cerrar muchas tramas y se patina un poco, pero que funciona a la perfección como prodigioso corto de acción de la era Tarantino, todo lo que acontece en la casa del camello con esa colección de temazos de los 80 es pura emoción sin cortar, empezando por ese Alfred Molina en batín obsesionado con el orden que deben llevar las canciones en las cintas de cassette, "tiene más armas y más coca que el mismo dios", llegan a decir, pero no es un dios tipo Jack horner cineasta, sino que es uno vengativo y exterminador, tenemos un plano de la cara de Whalberg de unos minutos mientras Rick Springfield le manda señales en forma de canción :

I'll play along with this charade
That doesn't seem to be a reason to change
You know I feel so dirty when they start talking cute
I wanna tell her that I love but the point is probably moot
'cause she's watching him with those eyes
And she's lovin' him with that body, I just know it
And he's holding her in his arms late, late at night

Cuando quiere darse cuenta ya es demasiado tarde porque el inestable personaje de Thomas Jane ha tomado el control de la situación, ahora es cuando los tres vuelven a ser expulsados del paraiso o aniquilados, en su huída, en este caso el coche es una clara alusión fálica, lo que en su día fue su mayor orgullo hoy ni siquiera le puede sacar del atolladero.
En la inercia de su espantada (John C. Really desparece en tiroteo para reaparecer al final convertido en mago y Jane ha muerto) acaba en la puerta de Jack, es el momento del perdón y la redención, la vuelta al hogar de donde nunca debió salir, en posición fetal llora sobre el regazo de su madre adoptiva.

En un breve epílogo mientras suena un glorioso "God only knows" con chasquido de vinilo incluido, se van cerrando todas las trayectorias vitales de unos personajes que alcanzan sus metas y otros son despojados de su orgullo y castigados, la piscina ya no alberga más fiestas, un socarrón Jack se pregunta si el niño se meará en la piscina, la piscina representa su orgullo y una forma de vida hedonista desterrada y que debe ser respetada.

Whalberg recita su monólogo frente a un espejo esta vez natural y sin titubeos, esta lleno de significado y conclusiones, como lo fue el de La Motta al final de Toro Salvaje, ademas de desnudar su alma desnuda su cuerpo y nos enseña donde reside su talento, suena la fanfarria del "Living Thing" y entran los créditos.

By Valek

Free as a Bird

2010-06-18T21:07:00.006+02:00

Tranqui Remy, la Disney paga.

Revisando una vez más Ratatouille, en esas horas somonlientas después de currar en que te apetece desconectar, (no pensaba llegar más allá de media hora y me la zampé entera) creo que Bird lanzó una peli con autentica carga de profundidad que va mucho más allá del blockbuster veraniego, algo que muchos foreros ya gritabamos en su estreno pero que conviene recordar.

La peli es toda una Oda mayuscula hacia la manifestación artistica como expresión de individualidad, de hecho Remy es el alter ego peludo de Brad Bird como Antoine Doinel fue de Truffaut, ¿pensais que esto es una boutade? dejadme explicarme, Brad Bird fue un autor intentando abrirse hueco en el entorno hostil de la animación, como la rata protagonista e incomprendida intenta hacerse un hueco en la alta cuisine, de hecho la deslumbrada Remy mirando la noche americana de paris (en pixeles pero muy bella) sería el propio Bird deslumbrado por los cantos de sirena de la factoria pixar.

El personaje de Gusteau sería un sosias del propio Lasseter, aqui el homenaje es más que evidente...pero cuidado que el Cheff Skinner tiene mucho del Lasseter empresario que despedía empleados como quien cambiaba de camisa hawaiana, hay en la peli una secuencia muy esclarecedora, creo que es en la presentación del personaje, cuando le están mostrando una linea de productos, que incluye burritos mexicanos y jalapeños, toda una granada de mano a una empresa que empezaba a dar signos de agotamiento (Cars) y a exprimir el jugo de la gallina de oro en forma de secuelas.

La peli a su vez también reflexiona sobre la capacidad que tiene el receptor de apreciar el arte, todo ello personalizado en un mortecino critico gastronomico ápatico de tragar mierda y escribir sobre ella, sin duda se trata de un tipo inteligente que con dos frases afiladisimas desmonta a Linguini, que en realidad no es más que un titere que pone rostro a la empresa por accidente, toda una declaración de principios hacia una empresa que es puro marketing.

La última parte podría poner algo en entredicho la peli. Inevitablemente acaba con el comieron perdices...la disney paga, sino fuera porque Ego en un flashback que recuerda al de las "fresas salvajes" vuelve a ese lugar en el que se es feliz gracias al arte culinario exquisito de una sucia rata, y porque a su vez tiene la secuencia ya celebre del monólogo de Anton Ego, una reflexión sobre la futilidad de la critica en si misma cuando quizá el trozo de estiercol tenga más sentido, y sobre la necesidad de la critica para dar a conocer a nuevos talentos que en otro caso no conoceria ni dios, Bird haciendo metatexto sobre el hostión del Gigante de Hierro y su beneplacito con la critica. Hasta la rata prefiere ser exterminada antes que negarse al arte, la colonia de ratas ayudando en cocina es una refexión sobre el director de cine dando ordenes a su equipo para sacar el trabajo adelante, un detalle: al final de la peli Linguini hereda el restaurante a pesar de no tener ni zorra sobre el negocio gastrónomico, ¿quien da más?

By Valek

Antes LOST, ahora FORGOTTEN

2010-06-09T23:13:00.001+02:00

Perdidos, la serie que acumuló mayor expectación en la historia de la televisión, ha llegado a su fin. Y lo ha hecho sin dar respuestas, lo que ha generado el quizás también más controvertido final del mundo televisivo. Algunos a favor, y la mayoría en su contra. Esta división entre espectadores bien podría utilizarse como estudio sociológico, pues a la vista salta una mayor racionalidad de sus detractores, frente a la innata impulsividad de sus defensores. Estos últimos, dejándose llevar por un final que les satisface (en cuanto a los sentimientos de sus personajes), rechazan por otro lado la posibilidad de preguntarse los muchos porqués que la serie disparó a sus espectadores durante los seis años de emisión. Seis años formulando cuestiones con una muy directa intención de existencia de respuesta para todas y cada una de estas preguntas. Este final sentimentaloide (en el sentido más peyorativo de la palabra) parece haberle funcionado a los creadores de la serie, al menos con el mencionado grupo impulsivo, pero, ¿cuántos de estos pasionales seguidores continuarán alabando el final de esta obra, a medida que su mente sea invadida por todas aquellas incógnitas planteadas en la serie? Reconozcamos, camaradas, que el Final de Lost no fue más que un larguísimo spot del Agua Mineral Dharma que sacarán a la venta en breve (no se me quita de la cabeza esa imagen de Hugo bebiendo el agua divina -así la venderán- que le ofrece Jack). Y pasando página me remito a la foto que encabeza (sin pelo) este post; el gran John Locke en su mejor momento. Capítulo 5x5, minuto 31, Locke se dispone a descender al pozo por la cuerda y Sawyer le pregunta que por qué no deja que le ayuden a bajar, a lo que Mr Proper responde "Y qué tendría eso de divertido ¿?". Es entonces cuando sucede el mejor momento de Lost, la actuación más sincera y que mejor representa lo que es toda la serie y sus misterios sin resolver. Y es que, tras decir su genial frase, John Locke se rasca la barbilla y... no puede evitar sonreír. ¿Real? ¿Ficción? En cualquier caso ésa es la imagen que todos, defensores y detractores, debemos mantener en la memoria, pues resume la esencia de Lost: una pequeña gran broma.

Publicado primero en Misch-Masch

HEIDI (Lo Que El Ojo No Ve)

2010-03-18T10:49:00.007+01:00

¿Quién no vio Heidi en algún momento de su vida? -Yo! Tú te callas. Pues aquí os dejo con los dos fotogramas que todos nos perdimos, bien por estar pestañeando, bien por estar sorbiendo el Cola Cao, mal en ambos casos. Yo los he descubierto por vosotros.

Fotograma Heidi :)

Fotograma siguiente :(

Fotograma Abuelo :)

Fotograma consecutivo :(

By ME-MANIA

Manual práctico sobre cómo NO hacer una entrevista

2010-01-28T22:20:00.013+01:00

Para los amantes del buen Fran Estévez, aquí les dejamos una entrevista donde podrán ver a su ídolo en estado puro, tosiendo, balbuceando, rascándose y, todo ello, entremezclado con repetitivas respuestas que incitan al sueño. Con momentos que pasarán a los anales de la televisión, como la injustificable rabieta contra el cine español. No dejen de verla. Impagable la frase final, donde Fran Estévez (para ser importante hay que mencionar siempre el apellido) nos da una lección magistral sobre cómo culminar una entrevista con su demoledora respuesta a la pregunta "¿Qué crees que le gusta al público?". Interminable. La presente masterclass fue emitida en el canal local santiagués Correo TV el pasado 15 de diciembre. Mencionar también la oportuna publicidad de éste nuestro erótico Zoom introducida por el presentador, pero cruelmente rechazada por Fran Estévez con un derechazo que derrocha desgana hacia ese tema del cual, todo sea dicho, ahora de beneficia. Impeorable; y aleccionadora al mismo tiempo, por su carácter de tutorial. Con ustedes, el Manual práctico sobre cómo NO hacer una entrevista:

By ME-MANIA

Epifanías de un profano (II)

2010-01-22T18:44:00.018+01:00

Tercera epifanía: El cine no es arte

Perfecto, ahora sí que la estoy cagando, esta no es la conclusión a la que me guste llegar, pero ahí estaba yo, en el mismo momento en el que expreso mi amor por el cine, me encuentro leyendo al señor Foster Wallace y su artículo "Algo supuestamente divertido que nunca volveré a hacer", y resulta que en un momento del mismo se habla de un anuncio de una linea de cruceros que fué publicado bajo el envoltorio de ensayo periodístico (y esto es así porque al preguntar al autor sobre ese artículo la respuesta fué: "me prostituí"), cosa que al señor Wallace no le gustó. Citaré textualmente las partes que me han hecho reflexionar más:

"En otras palabras, Cruceros Celebrity presenta la crónica que hizo Conroy de su crucero como si fuera un ensayo en lugar de un anuncio. Eso está muy mal. Y voy a explicar porqué está tan mal. No importa que les haga honor o no, se supone que la obligación fundamental de un ensayo tiene que ser para con el lector. El lector, aunque sea en un plano inconsciente, así lo cree y por eso suele abordar un ensayo con un nivel relativamente alto de franqueza y credulidad. Pero un anuncio es algo muy distinto. Los anuncios tienen ciertas obligaciones legales y formales de verdad, pero estas obligaciones son lo bastante relajadas como para permitir un amplio margen de maniobras retóricas a fin de cumplir la obligación principal del anuncio, que es servir a los intereses financieros del patrocinador. Todos los intentos que hace un anuncio de atraer la atención y el interés de sus lectores finalmente no redundan en beneficio de los lectores."
...
"Por esta razón incluso un anuncio realmente bonito, ingenioso y convincente (y hay muchos) nunca puede ser arte: un anuncio no tiene status de regalo, es decir, nunca es para la persona a la que se dirige."
...
"Un anuncio que finge ser arte es -en el mejor de los casos- como alguien que te sonríe con calidez solamente porque quiere conseguir algo de ti. Eso es deshonesto, pero lo más siniestro es el efecto acumulativo que semejante falta de honestidad tiene sobre nosotros: dado que ofrece un perfecto facsímil o simulacro de buena voluntad sin el espíritu real de la buena voluntad, confunde nuestras mentes y al final hace que subamos nuestras defensas incluso en casos de sonrisas genuinas y arte verdadero y buena voluntad verdadera."

He de suponer que soy el único ha sustituido la palabra anuncio por cine? ¿Este bastardo hijodep... sigue rompiendo mis esquemas incluso después de muerto? Y ni siquiera estoy leyendo sus libros en orden cronológico...

Es ahora cuando debo preguntarme: ¿Existe el cine honesto?

Si me pongo a la defensiva como vaticina Wallace tengo que pensar que no, cualquier cineasta acaba teniendo unos motivos egoístas para hacer cine, sean fama, dinero o mujeres... Incluso el cine llamado reivindicativo tiene de fondo un objetivo personal para que el autor siga pudiendo hacer películas reivindicativas y un aumento de ego si el mensaje cala en la gente. Si radicalizo más este pensamiento (única forma que yo considero correcta de llegar a una epifanía), llego a una conclusión todavía más bizarra. El único cine honesto es el blockbuster, ya que es el único que no esconde mensaje, es el que reconoce abiertamente que no quiere influir en ti, es el que abre los brazos y dice "me da igual que no pienses, sólo quiero tu dinero". Incluso puedo llevarlo a terreno personal y decir que cualquier persona que no acepte la filosofía blockbuster de cine sincero, es a su vez una persona no sincera y que lo hace por mantener una pose por querer aceptar ese cine con mensaje basado en principios menos sinceros que el otro...

Pensamiento en voz alta: ¿He repetido la palabra sincero demasiadas veces? ¿Considerará alguien esta y mis anteriores epifanías como sinceras cuando en realidad sólo quiero un reconocimiento que refuerce mi ego? ¿Soy un mentiroso intentando ser sincero?

Sin embargo algo no me cuadra... ¿Es posible que esta defensa inconsciente sobre el arte sea la que traduce la carencia de intenciones como honestidad? ¿Es posible que la gente se cierre ante el cine "con mensaje" porque considera deshonesto ofrecer un mensaje en algo que quiere quedarse tu dinero? ¿Es el cine "con mensaje" el equivalente de la publicidad disfrazada de ensayo?

No sé cual es el motivo de que se piense así, bueno, la teoría de Wallace me parece acertada, creo que se ve inconscientemente el acercamiento personal como algo falso porque el cine se considera, principalmente, un negocio, pero he visto suficientes películas en mi vida que ofrecen algo sincero para saber que el cine sí que goza de algo de honestidad. Debajo de la hipocresía de la fama y el dinero, incuso admitiendo que sea de forma secundaria, los autores de verdad siempre intentan decir algo, y cualquier intento de ofrecer una experiencia personal en una película, en mi opinión, acaba transformando ese pretexto económico en algo positivo. El autor que se precia ofrece su conocimiento. Y dado que en general uno sí que puede pensar con poco riesgo a equivocarse que casi todas las películas parten de un objetivo deshonesto como el dinero sólo me queda una conclusión, y es que es el resultado de la película lo importante (ya que si existe un elemento altruista en ella acabará por salir a la luz por el esfuerzo del autor) y no las intenciones de la misma (que, simplificando, son una mentira). Un buen autor acabará convirtiendo el objetivo comercial principal impuesto por el ansia de recuperar el dinero invertido en un objetivo propio personal de ofrecer una visión altruista de sus experiencias. Un buen autor intentará imponerse sobre el dinero... aunque no lo consiga, entonces, independientemente de que el cine sea considerado arte o negocio, debe ser el resultado final el que tiene que ofrecer algo, no las supuestas pretensiones.

Y si no se pueden conocer las intenciones de una película (porque incluso bajo confesión pueden ser mentira) ni puede juzgarse el mensaje de una película (porque la interpretación acaba siendo personal, véase la Epifanía número 2), no existe otra conclusión lógica para mi, y es que la mejor forma que veo de medir la calidad es por el resultado formal...

Incluso puedo ir más allá y explorar otra idea que a algunos seguro gusta menos, y es que un buen autor en definitiva (aparte de su capacidad para ofrecer ese resultado formal) es aquel que escribe cuando tiene algo que decir (algo que inconscientemente yo ya sabía), y no puedo pensar en nada más deshonesto que escribir cuando no quieres decir nada, así que huid del cine que sólo quiere vuestro dinero, huid del cine que afirma abiertamente que "no tiene mensaje, es sólo para divertir", porque ante esta confesión tan sincera, se encuentra el mensaje más hipócrita de todos, el haceros creer que le importáis cuando no es así.

¡Pasen y vean! ¡El mayor espectáculo del mundo!

2010-01-12T18:53:00.005+01:00

Así se ha vendido el proyecto que James Cameron ha estado preparando durante 10 años, Avatar, la revolución del cine, el antes y el después que cambiará nuestra visión de este mundo y que hará que nunca más queramos ver cine en 2D... Sin embargo, cual espectáculo de feria, no hemos visto a una mujer barbuda, sino una mujer con barba postiza, no nos han enseñado al hombre gorila, sino a un hombre disfrazado de gorila, en definitiva, como vi en algún momento cinematográfico que no recuerdo donde ubicar, se nos ha vendido "a Man-eating chicken" (un pollo come-hombres) y es en realidad "a Man eating chicken" (un hombre comiendo pollo).

El 3D de Cameron nunca podrá revolucionar el mundo del cine por la sencillísima razón de que Avatar no tiene ningún pilar firme dentro del mundo del cine. Avatar como película es una falsificación de lujo, es pobre en intenciones narrativas, abusa de un guión visto mil veces y simplificado de forma excesivamente infantil, trata de crear carisma hacia los protagonistas por simple antagonía con un señor muy malo, que levanta la ceja y dice cosas odiosas. Cameron, en vez de dedicar 10 años a efectuar una realización sobria y pulir detalles como ya demostró ser capaz de hacer en otras cintas como Aliens, se empacha de megalomanía y crea un monstruo pirotécnico que, en última instancia, parece escaparse de sus manos y acaba quemando todo lo que pilla en su camino. El 3D de Cameron nunca está al servicio de la historia, más bien al contrario, nunca pasa de ser una anécdota (tiremos cosas al espectador para que salte de la silla). En definitiva el 3D de Avatar es la mano del prestidigitador que hace que mires hacia ella mientras se esconde la carta en la otra manga.

Este sistema narrativo que revolucionará el cine consiste, simplemente, en un envoltorio por encima de una película que no ofrece nada que no esté escrito ya en la historia del cine, y si a Avatar le quitamos ese envoltorio con lacito es un producto tópico como pueden existir miles, con un desarrollo visto mil veces en todas esas superproducciones veraniegas que se ahogan en sus propios FX, no queda nada más que una película cuyo mérito principal (al igual que unas más 200 antes que ella) es ser "la película más cara de la historia", algo que nunca entenderé bien porqué se convierte en un mérito cuando ninguna de las 200 películas más caras de la historia han significado prácticamente nada en la historia del cine... Y las que lo han significado, no ha sido precisamente por ser las más caras...

Sin embargo está funcionando, el boca a boca hace estragos y los cines se llenan día tras día... Todo el mundo parece ver maravillas en ese gran envoltorio, pero algunos nos sentimos como el niño del cuento "El traje nuevo del Emperador" al que hacen callar cuando dice que el Emperador está desnudo. Cameron, cual sastre del cuento, ha vendido un traje de mentira, y aún a riesgo de sentirme más solo y desplazado yo no tengo miedo de gritar:

¡Avatar está desnuda!

Epifanías de un profano

2010-01-08T18:26:00.006+01:00

Primera epifanía: Iluminación

El otro día vi una luz, vislumbré una salida del círculo en el que caminaba dando vueltas y que marcaba otro camino, destinado a buscar más en esto del cine. Es jodido llegar a esa conclusión a los tatitantos años cuando uno ya cree estar a la vuelta de todo, y es más jodido darse cuenta de ello leyendo un texto que ni siquiera tiene que ver con el cine de un autor de narrativa moderna americana como es David Foster Wallace, pero peor aún es acabar deduciendo toda una serie de cosas que han acabado derruyendo mis pilares en esto del cine.

Resulta que el cine, igual que la literatura es un medio artístico donde un "autor" decide expresar ideas usando ciertas herramientas. Aunque parece que la literatura tenga herramientas más limitadas (texto vs. texto e imagen), creo que ambas se basan en un mismo principio básico, el narrativo, donde tanto las palabras como las imágenes deben ejercer la función de transmitir las ideas que el autor tenía en mente. No parece que esté descubriendo nada nuevo a estas alturas, pero estamos hablando de mi epifanía, no de la vuestra.

Durante años he creído en la importancia de lo que una obra pueda querer decir, y sin embargo cuando uno se topa con cierta corriente de pensamiento literario como la deconstructivista (gracias, señor Wallace) se plantea realmente lo que es un autor y su relevancia en el contexto de una obra (bueno, de hecho lo plantean ellos y yo sólo lo he descubierto). Para los deconstructivistas el autor es un simple instrumento de escritura al que hay que "despojar" de toda responsabilidad de lo que su obra pueda significar, se niega la referencialidad absoluta del texto, el ejercicio de descifrar una obra queda a discreción del lector que es el que en última instancia da sentido a las palabras que lee (esta definición es la versión radical de este pensamiento). Es en este un primer punto epifánico, cuando uno descubre la importancia de "lo formal" como ente propio más allá de un especie de niebla abstracta que flota sobre nuestras cabezas, la visión de ver la forma por encima del fondo, porque, ¿Cómo es posible juzgar la calidad de la obra por lo que dice si soy yo y no el autor el responsable de ello? ¿Cómo puedo ensalzar algo en función de mis percepciones personales?

Foster Wallace inconscientemente lo sabe, como articulista no suele escribir sobre lo que le gusta (en general) sino sobre lo que le manda(ba) la revista Empire, y aún así es capaz de crear 120 páginas estimulantes hablando de algo que me importe tan poco como un diccionario y las guerras políticas entre los dos bandos de lingüistas americanos, es capaz de crear una visión absolutamente fabulosa de una feria de ganado de Illinois, porque es la elección que él hace de las palabras lo importante de sus textos, el contenido es secundario, y sin embargo todo parece indicar y así se reconoce que Foster Wallace fué un estupendo escritor...

Así pues, la importancia del autor queda más como elector de las palabras que por el significado extraído de las mismas, como artesano que teje mediante la elección de letras. Bueno, siendo un poco realista, es verdad que la elección no es arbitraria, que el autor siempre acaba marcando una dirección, pero es en parte la elección personal (consciente o inconsciente) de seguirla la que da sentido a lo que pasa. Así pues, no puedo concluir otra cosa que la calidad debe ser medible por la elección de las palabras y por encima del contenido de las mismas dado que diferentes escuelas de pensamiento literario no tienen muchas dudas de lo que es o no un buen libro. Y esto es extrapolable al cine, ya que al final no deja de una narrativa clásica aunque con otras herramientas.

Curiosamente este pensamiento me lleva a la siguiente reflexión:

Segunda epifanía: El juicio moral y la muerte de la crítica

Cada vez más, el sentimiento de que cualquier persona puede ser un crítico de cine se extiende por el universo, el cine como circo (en el concepto bienentendido de divertimento) de masas se expande y cualquiera puede exponer sus pensamientos. Dentro de esta tendencia parece que la calidad de la crítica se evalúa por el vocabulario usado sin entrar en nada más. Sin embargo, me he dado cuenta de que la crítica que leo (o leía) habitualmente se basa casi siempre en un alineamiento moral por encima de un análisis crítico. Las personas se decantan de una forma u otra en alguno de los bandos/personajes que aparecen en un film, esperan que el bueno gane y el malo pierda, esperan personajes que no sean moralmente ambiguos o les creen dilemas psicológicos y en última instancia evalúan en función de los principios personales. Aquellas obras que comulgan con las creencias, que, en su defecto, no provocan esos dilemas morales o necesitan un esfuerzo de comprensión, acaban siendo "buenas" y las que crean dudas o se interpretan como algo contrario acaban siendo "malas".

(Comentario necesario en este punto: Puede parecer que estoy llamando a la gente "borrega" por no querer pensar, pero en realidad esto va más allá. El cine (o la literatura o los cómics) tienen una función primaria que es la de "evasión", el método que busca la gente para evadirse puede ser tanto el evitar pensar como el que algo le provoque pensamientos, sin embargo inconscientemente se busca algo que provoque pensamientos pero en base a lo que ya pienso para olvidarme de los problemas en los que SI pienso. En general, sea como sea el método de "evasión", siempre consiste en intentar evitar rememorar los problemas que en primera instancia han hecho que quieras evadirte)

Es en este punto donde ya no sólo el espectador ha muerto, sino que la crítica muere con él, es el punto donde la exposición de las virtudes o defectos de una obra en función de unos criterios definidos pasan a convertirse en la exposición de las convicciones morales de cada uno, la crítica se convierte en una exposición de la capacidad personal para extraer interpretaciones que nadie ha extraído, para ejercer la desambiguación moral o para leer todo un subtexto aunque el autor no sea consciente del mismo. Un "autor" bueno es aquel que da significado a lo que el crítico cree, independientemente de lo que ese autor realmente haya querido decir. La crítica como descomposición de partes muere y nace la crítica como reafirmación de valores, el esfuerzo por descomponer pasa a ser el esfuerzo por la superación de lo que uno mismo puede llegar a extraer.

En conclusión, el centro de atención se desplaza de la obra para situarse sobre el crítico que analiza la obra.

Y es la visión deconstructivista la que da sentido a todo esto, ya que toda interpretación del mensaje acaba siendo "correcta" en el sentido de que el autor no es un dios que provee de un sentido único a lo que dice, y sin embargo esta exaltación de la subjetividad interpretativa se ha convertido en el referente de objetividad, la "calidad" de la crítica se evalúa en función de lo que el crítico es capaz de extraer en términos de mensaje y significado en vez de en función de la capacidad de enumeración de elementos técnicos o artísticos, y es en este punto cuando la crítica de cine ya no necesita saber de cine. La misma visión que debería dar importancia al máximo de elementos objetivos que se pueda es la que alimenta el que nadie haga caso a estos elementos.

Como ya he dicho, yo no creo exactamente que el mensaje este siempre de parte del que lee, creo que el autor marca una dirección y en última instancia es su capacidad de transmitir la que hace que esta dirección quede más o menos clara, sin embargo, el camino que se sigue es todo lo contrario pues es evidente que resulta mucho más complicado el describir sin juzgar que el propio juicio en sí (que además es más divertido), así que la crítica actual es ese circo romano con los pulgares arriba o abajo que lo único que miden son los gustos personales del crítico...

Es por esto por lo que he abrazado la religión de lo formal. Siempre había creído que lo que me importaba de una obra era lo que contaba y no como lo contaba y resulta que no era así pero simplemente no me había dado cuenta...

Dicen, además, que los neo-conversos suelen ser los peores, por suerte yo siempre he sido converso, lo que pasa es que no lo sabía...

¡HOGAR, DULCE HOGAR!

2009-10-27T12:10:00.002+01:00

CARPETAZO FINAL A ORLANDO: ISLANDS OF ADVENTURE completado

2009-09-08T12:30:00.004+02:00

JURASSIC PARK:

Mundo compuesto de selvas, zona de dinosaurios y hangar de investigación, que está tan calcado de la película que escuece. Varios dinosaurios (réplicas de la película supervisadas por sus creadores, Spielberg incluido) se dispersan por los paseos, para dar lugar a las fotos más dantescas posibles. Enorme del todo, se compone de 4 memorables atracciones que ponen el broche a un mundo sideral y una decena de restaurantes y tiendas tematizadas. La gracia de esto, que Spielberg ya lo sabía, es que la propia película de habla de un parque temático, con lo cual la metadiversión es doble. Vamos allá:

CAMP JURASSIC: Espectacular zona de juegos (puede que la más notable nunca construida) que recrea colas de dinosaurios, puentes colgantes de redes, cabezas réplica de especies para juegos y demás tropelías que harán la delicia de niños y grandes, sí, pero pagaría por tener diez años y entrar a este recinto. Grande, tematizado de manera solemne (parece una ampliación de la propia película), con un punto de riesgo controlado y con un ambiente del todo conseguido.

PTERANODON FLYERS: Pterodáctilos gigantes fijos donde, en colgantes de "a uno", se montan dos personas. El pterodáctilo va arriba y tú vas colgado, a lo invertido..., y el bicho da un corto paseo por una zona del Jurassic Park (que también puedes recorrer andando). Bien de velocidad y con una curva abierta que provoca más de un chillido. La cola, entre potentes piedras jurásicas y un trayecto aventurero, suele estar muy llena porque es una atracción que, debido a su poco espacio por bichísimo, va muy lenta. Recomendable.

JURASSIC PARK DISCOVERY CENTER: BRUTAL zona de investigación de dinosaurios que resulta ser LA MISMA DE LA PELÍCULA (la del principio y justo la del final, donde el raptor ataca al Rex). Tenemos el mismo esqueleto réplica del REX, también tenemos una zona de investigación de huevos DONDE HAY GENTE TRABAJANDO todo el día y donde, cada cierto tiempo, te enseñan un nacimiento (como en la peli..., es el mismo animatronic). También puede aparecerte de repente un tío con una cría de cualquier dinosaurio (animatronics todos) y explicarte, de lo más serio y bien interpretado, todas sus características. Réplicas de dinosaurios, juegos (gratuitos) y diversas zonas tematizadas que hacen de este hangar una visita imprescindible. Se entra por el bosque (en la parte de arriba) o en el frontal del edificio, que da al gran lago en una vista angular del parque envidiable y con una instantánea del entorno que ES la película, dicho edificio incluido. Demasiado.

JURASSIC PARK RIVER ADVENTURE: La obra maestra de los recorridos acuáticos y una réplica del film en verdad escalofriante. Además, la forma en que lo viví casi me cuesta el divorcio, pero me quedará grabado como a fuego el resto de mi vida.

Era un día de brutales lluvias y el parque estaba bastante vacío..., mi mujercita estaba hasta el parrús de mojarse con la lluvia (lo odia y a mí me encanta) y no quería montar, ni a buenas ni a malas, en una acuática. Encima, quería irse al hotel, pero eso hubiera sido por encima de mi cadáver, claro.

Total, que pasamos por la puerta del RIVER ADVENTURE y me la encuentro vacía..., entre jodidos RAYOS y ruidosos truenos..., en una invitación temible de película de terror chusca y entrañable. Le dije: "vamos aquí, cariño, que va por el agua y no te mojas"..., ella aceptó diciéndome que esperaba no mojarse o la tendríamos. Le dije que sí, que sí, que venga..., con cachete en el culo.

No podía creerlo, iba a montar en el RIVER ADVENTURE después de tantos años. Total, que paso la cola sin nadie, velozmente..., y ya voy quedando anonadado. Es una entrada al parque (jurásico) con diversas explicaciones televisivas, briznas de lo que vas a ver en urnas gigantes, audio a cada esquina acorde y todo terminado en madera enorme, tal cual lo vimos en la película. O sea, otra de esas colas donde te quedarías a vivir.

Y llegamos al barco y, de repente, ME LO ENCUENTRO VACÍO. ÍBAMOS A MONTAR MI MUJER Y YO EN UN BARCO VACÍO Y METERNOS DE LLENO EN EL PARQUE JURÁSICO, POR DIOS. SOLOS, MEDIO DE NOCHE POR EL NUBLADO, TRONANDO Y DILUVIANDO. No podía creérmelo y, desde luego, el escalofrío que me recorrió el cuerpo no se debía solo a la mítica. Tenía miedo, tíos.

Total, nos montamos en las barquitas (clavadas a la tematización de la peli) y aquello arranca, guys. Por dios, una curva..., todo muy despacito..., con efectos de sonido (muy bien escondidos) en fuera de campo y, de repente, LA PUERTA. SÍ, LA PUERTA..., LA PUERTA QUE SE ABRE Y EL OFF DE: WELCOME TO JURASSIC PARK. Y se abre y BUFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFFF, NO PODÍA CREERLO. Lo primero que ves es un lago gigante con unos animatronics TAL CUAL LOS DEGUSTÁIS EN LA PELI. Moviéndose, comiendo hierba, bajando a beber agua al lado de la barca y con la música de John Williams a todo tren. No hay trampa, no hay cartón...SON ELLOS. IT'S ALIVEEEEEEEEE!

La barca continúa y pasamos por las secuencias de la película, como ésa donde hay un dinosaurio enfermo (la respiración vuelve a estar logradísima), otra donde aparece una cabeza de entre los setos mirándonos y de repente, después de pasar varios pasajes (la atracción son diez minutos, hay tiempo para todo), nos adentramos (entre rayos y truenos, repito) en una curva donde empieza el MALDITO ACOJONE.

Hay una barca como la nuestra MEDIO HUNDIÉNDOSE y los dinosaurios esos pequeñitos (los que matan al gordo) se están comiendo a uno DE MANTENIMIENTO DEL PARQUE DE ORLANDO (lo deduces por los trozos de ropa). Seguimos avanzando y enfrente de nosotros nos encontramos EL EDIFICIO DEL FINAL DE LA PELÍCULA...¡AQUÉL DONDE SE ARMA EL PIFOSTIO! En la entrada del edificio, el coche de la peli (donde va el niño y el prota). Justo al pasar al lado...¡BLOM! cae hacia nosotrossssssss. Se para justo donde debe porque se atasca con un cable de tensión.

Y cruzamos la puerta, bufffffffffff, todo oscuro, cien mil efectos de sonido, sirenas, juegos de luces. De repente, a nuestra derecha..., UNA RETROPROYECCIÓN DE UN ARAÑAZO DE RAPTOR..., y así, pasamos por este lugar oscuro hasta pegarnos el susto del siglo..., ya que unos raptores se nos lanzan a una verja (que les detiene) con una movilidad realmente preocupante.

Y ahora, la recta final del interior éste. El pitote, lo nunca visto..., la cima...EMPEZAMOS A SUBIR UNA INMENSA CUESTA. Y durante la cuesta, sigue el festín de sustos, luces y audio realista. Y sube, y sube..., y enfrente, oscuro de narices..., muy oscuro, mucho hasta que, SÍ, AHÍ ESTÁ. ENFRENTE DE NOSOTROS..., va ganando luz tenue. No es una réplica...¡ES ÉL!¡ES EL MALDITO TIRANOSAURIO, TÍOS, A TAMAÑO REAL. EL DE LA PELI!¡Y VAMOS HACIA SU BOCA, DIANTRES! Y no puedes parar de mirarle..., y es que no hay manera de detener el barco y el maricón no cierra la boca. Y llegas..., y es el fin..., y la obra maestra del diseño acontece: ¡te han estado distrayendo durante la subida para que no pienses que todo lo que sube...BAJA! Y empieza una caída en recto que no sé cuántos metros tendrá, pero calculo que demasiados para saberlo. El rex te ha distraído, mira cómo caes con cara de extrañado (rozándonos) y un colofón de agua te empapa como si fueras una piltrafa. Y empieza la discusión..., y mi mujer enfurece..."¡te dije que nada de agua, imbécil!... Sonrío, no oigo nada. Tú sigue chillando, nena..., que me da todo igual.

MARVEL SUPER HERO ISLAND

Entorno dedicado a los superhéroes, con unos decorados altaneros que rozan lo kitsch. Grandes cartones (de varios metros) llenan la calle con el mundo Marvel por bandera, otro montón de tiendas con, posiblemente, el mejor merchandising del parque (todo oficial) y un par de impresionantes tiendas de comics. Maldita sea, cada recodo de este mundo precisa de instantánea. De nuevo, 4 atracciones complementan el paseo. A saber:

Storm Force Accelatron: completista del todo, con la tematización justa de rayos Marvelianos y algo que no deja de ser un sucedáneo del famoso EL LÁTIGO, con mareo incorporado (mucho más rápido y eseguro, claro). O sea, Las tea cups..., o sea, coches dando vueltas sobre sí mismo y entre ellos.

Doctor Doom's Fearfall: aquí ME ACOJONÉ VIVO. Se trata del laboratorio del Doctor Muerte (impresionante la réplica de la cola) y te sientan en una especie de ascensor a propulsión, para alcanzar la fuerza G.. Te suben A TODA VELOZA más alto que diantres (en un segundo y pico) y luego te dejan caer..., y luego otra vez (un poco más bajo, tres veces, hasta quedar sin fuerza). El primer tirón me dejó loco..., y no tuve otra que medio quedarme tonto a muchos metros de altura, indefenso. Es igual que el de Warner, sí, pero éste está mucho mejor tematizado y va más rápido (y algo más alto). Una inyección de RILE.

THE INCREDIBLE HULK COASTER: de nuevo, la obra maestra de las montañas rusas allá donde surca Orlando. A mí ya me tenían ganado con la entrada (la metamorfosis de Banner a Hulk en cartón gigante), con el audio (el coche genera el rugido de Hulk y tú desde abajo tiemblas), o con la impresionante cola (el laboratorio de Banner a oscuras, con toda tu ropa fluorescente Hulk). También te podían tener ganado con el color Hulk de los raíles pero, no, nada comparable a montar. Te endiñas en tu asiento (es montaña sobre base, de las que a mí más me privan, porque VUELAS), y vas despacito..., porque se supone que eres BANNER. Te meten en un tubo de lanzamiento (TAL CUAL) y va más despacio. Y de repente se para..., alarmas, off diciendo DANGER, tirones y...¡VAS A SER HULK! El coche sale disparado a Dios sabe qué velocidad..., pero os juro que la cara se te va para atrás..., y nada más salir...CURVA SOBRE TI MISMO DE 360 GRADOS. La montaña no marea..., ni siquiera da miedo si eres algo valiente, porque va terriblemente estable..., pero es LA LOCURA. Diez tirolinas, veinte curvas, pasas por debajo de los puentes (ver la salida del túnel o el paso bajo el puente desde abajo, ya es tremendo), loopings y demás zarandajas...¡TODO CON EL RUGIDO DE HULK!¡ERES HULK! No se puede integrar mejor una montaña rusa en una idea de ficción..., y hacerte cómplice.

THE AMAZING ADVENTURES OF SPIDERMAN: La mejor atracción del mundo según varias encuestas acontecidas y, posiblemente, lo sea..., y como mucho que comparta trono. Te recibe un cartón gigante del mismísimo Spiderman en la oficina del Daily Bugle, que como no podía ser menos es réplica exacta del lugar..., con las salitas del periódico, los chillidos del jefazo, las máquinas de escribir y, en la cola inminente, proyecciones gigantes de la serie Amazing Spiderman. Larga, bonita y una travesía que cuando llega al coche de policía donde montas (tal cual el de la peli) te deja ver Nueva York por fuera, en un canto nocturno, edificios replicados incluidos.

Y llegas. Y de verdad que esto no tiene parangón.

Te montas en el coche de poli, con las gafas puestas..., y en principio te preguntas para qué tienes las gafas, porque te metes en la ciudad de Nueva York REAL, con decorados de un verismo atronador, cubos de basura de la serie incluidos. Y de repente, por los cielos, la silueta de Spiderman, siguiendote. Y los pelos de punta.GIRAS Y..., LA LOCURA...

...resulta que a esta gente se la ha ocurrido poner el 3d INTEGRADO EN LOS DECORADOS. Es decir, que salvo los personajes y algún fondo, el decorado es real y tú no sabes donde empieza y termina el 3d. Y cuando crees que vas a saberlo, te giran con el coche o te llenan de humo porque te han dado un tiro. Violenta, trepidante y con un coche de policía que registra, en movimiento, los golpes tal cuales de todo aquello que ves. La aventura es tremenda..., Spiderman contra el hombre de hielo, Octopus, El Duende Verde, el hombre éste que electrifica (lo siento, los comics son mi asignatura pendiente) y el Dr. Muerte. ¿El motivo? Han robado algo muy valioso..., y la gracia está en que Spiderman no sólo tiene que recuperarlo, sino que tiene que salvarnos porque nosotros somos la poli..., y los villanos quieren matarnos pero ya. Nos electrifican (tremenda la vibración), nos congelan (atención al frío y al humo), Octopus nos revienta a tentaculazos, Muerte nos golpea y el Duende Verde nos lanza sus calabazas (increíble, el fuego y la colisión es real (no 3d) y va combinada con la pantalla donde el desgraciado se nos acerca hasta olerle el aliento.

¿Lo mejor? El final, claro..., de chillar trepidantemente. Spiderman ha encontrado lo que han robado y nos sube a los techos..., en una combinación de 3d, movilidad y escenarios (ves las ventanas TAL CUAL, porque son REALES) y a una altura de un edificio entero..., pero los villanos ARREMETEN..., y caemos DE FRENTE..., a toda santa HOSTIA, en caída libre y, en la colisión...¡BLAM! TELARAÑA GIGANTE que nos para, Spiderman ha llegado a tiempo..., nos incorpora y, BUM, los villanos están todos atados con la tela arácnida..., el coche gira y descubrimos lo que habían robado. Y sí, no es 3d, es real...¡LA CABEZA DE LA ESTATUA DE LA LIBERTAD! Y mucho antes de Cloverfield.

Maldita sea, pensar que ahora mismo decenas de personas están ALLÍ. En fin, espero que esta crónica, que nos ha llevado un año, haya servido para acercaros, al menos, algunos metros.

Ha sido un placer y espero que os plazca.

ENEMIGOS PÚBLICOS según Nacho Aguilar

2009-08-21T17:06:00.002+02:00

PUBLIC ENEMIES: GANGS OF HD

Michael Mann se la juega en la reanudación de su colaboración con Dante Spinotti [ASC, AIC].

Diez años habían transcurrido desde la última colaboración entre el creador de "Corrupción en Miami" y el director de fotografía de "L.A. Confidential", cuando ambos rodaron la que sigue siendo su mejor obra: "El Dilema", culminación del estilo urbano empleado en "Manhunter" y "Heat" (la otra colaboración entre Mann y Spinotti es el film de época "El Último Mohicano"). En estos diez años, en mi opinión personal, el cine de Mann ha ido perdiendo interés con las sucesivas "Alí", "Collateral" y "Miami Vice", adaptación de su propia serie de TV, aunque haya conseguido mantenerse por encima de la calidad media Hollywoodense. Al italiano, por su parte, no le ha ido mucho mejor, con olvidables productos a las órdenes de Brett Ratner ("El Dragón Rojo") o incluso finalizando proyectos que no comenzó y además con dudosos resultados, como los obtenidos en la tercera secuela de "X-Men".

Después de "El Dilema", Mann ha ido mostrando un creciente interés por la cinematografía digital, plasmada en inicio en algunas breves tomas nocturnas en "Alí" (fot: Emmanuel Lubezki), mezclada con mucho acierto con el celuloide en "Collateral" (fot: Paul Cameron & Dion Beebe) y desarrollada al máximo en "Miami Vice" (fot: Dion Beebe), un film que usa las cámaras HD como medio de expresión propio, sin que necesariamente los resultados recuerden a una imagen obtenida con medios fotoquímicos. Spinotti, por su parte, se ha sumado al carro digital bastante más tarde que Mann, con dos recientes películas rodadas parcialmente con la cámara Génesis de Panavision ("Deception" y "Flash of Genius").

"Public Enemies" supone para Mann volver a los esquemas argumentales de "Heat", pues es la clásica historia de policías y ladrones en la que el ladrón tiene un papel mucho más interesante que el bueno y además es quien está liado con la chica de buen ver. Sin embargo, el film recrea sucesos de la vida del gangster John Dillinger y la acción se sitúa en 1933, muy alejada de las historias contemporáneas en las que hasta ahora el director se ha movido con más solvencia. Por ello, el film cuenta con una esmerada reconstrucción de época, con diseños de Nathan Crowley ("El Caballero Oscuro") y un importante trabajo de figuración y vestuario, muy en la línea del acabado de films como "Camino a la Perdición" o "El Intercambio". Por tanto, ya incluso a priori, la decisión de Michael Mann de rodar un film de época en vídeo digital de alta definición es muy polémica y sobre todo, cuestionable. No obstante, dos películas de época de David Fincher como "Zodiac" -rodada con la Thomson Viper Filmstream- y "El Curioso Caso de Benjamin Button" -rodada mayoritariamente en la Viper, con la Sony F23 reservada a las escenas del hospital- han demostrado que la captura digital no tiene por qué ser un fin en sí misma, sino que bien puede ser empleada para sacar partido de sus virtudes (previsualización, integración de efectos, etc) y obtener unos resultados finales prácticamente indistinguibles de la adquisición fotoquímica, al menos para el grueso de la audiencia. Claro que para ello, Fincher y sus directores de fotografía han medido mucho sus acciones, minimizando algunos puntos divergentes con la adquisición fotoquímica como puedan ser la mayor profundidad de campo de las cámaras HD con sensor 2/3, o la menor latitud de exposición de éstas.

En mi opinión, Michael Mann había salido bastante airoso de las tomas con luz disponible de "Collateral", en la que conseguía una noche translucida imposible para el celuloide, y sobre todo de "Miami Vice", a la que la estética de vídeo le sentaba bien por tratarse de una obra moderna, con numerosos exteriores nocturnos a la luz de ambiente de la ciudad, interiores en clubes, casas de diseño, etc. que otorgan una libertad de acción mucho mayor. Aún así, la imagen funcionaba mucho mejor cuando el director de fotografía Dion Beebe empleaba niveles de luz más altos, pues el contraste y la densidad de negros mejoraban dramáticamente. Fue en cambio -y continúa siendo- una imagen polémica por su escasa consistencia, con texturas diferentes en cada escena y un grano (o ruido digital) que varía incluso de toma a toma.

Sin embargo, en lugar de aprender de los errores e incidir en los aciertos, en "Public Enemies" los cineastas se han decantado por la estética hiperrealista de "Collateral", sumada al look de vídeo digital de "Miami Vice". Y el cóctel que ello supone junto con la historia y los diseños de época no podría ser más indigesto: al contar con escasa luz, la calidad de imagen deja muchísimo que desear, en todos los aspectos imaginables, mientras que el aspecto del vídeo juega absolutamente en contra de un film que recrea un período histórico.

Además:

No sólo Mann ha hecho que Spinotti ruede en HD con la Sony F23, sino que persigue un aspecto diametralmente opuesto al celuloide y la (excesiva) profundidad de campo del sensor 2/3 no se ha equiparado al formato 35mm. No hay, por tanto, una indicación al espectador hacia dónde fijar la vista, pues todo está bien nítido y enfocado, tanto de día como de noche.
Sí hay, en cambio, múltiples momentos rodados con el obturador a 360º, con lo que el movimiento que se produce es demasiado fluido, cayendo en el odioso efecto motion blur.
Continuando con el despropósito, la previsualización en el set y el espacio de color escogido (nuevamente, de vídeo), produce colores de escasa vivacidad y menor riqueza, como si con ello hubiéramos dado el salto negativo desde una paleta de millones de colores a sólo unos pocos cientos. Parece una imagen capada, comprimida, en la que los tonos de la piel se destruyen por completo y la naturalidad reina por su ausencia.
La escasez de luz, por su parte, produce bastante ruido en la imagen, pero aún así ésta carece de textura. La subexposición en este caso no es bella, sino que empasta aún más los resultados y dificulta aún más la separación de los personajes con respecto a los fondos.
Las altas luces se queman rápidamente -escasez de latitud- y cuando lo hacen el efecto que producen no es precisamente bonito (atención a Dillinger entrando en las oficinas de la policía).
Y si la Sony F23 sufre, no digamos ya cuando Spinotti emplea la diminuta Sony EX1 para tomas en interiores de coches, pues casi todos los (d)efectos anteriores se multiplican y se añaden otros como el lens fringing, debido a la pobre calidad de la óptica empleada.
Para finalizar, la excesiva apariencia de nitidez supone otro defecto más, pues no es una verdadera resolución que proporcione una imagen plena de detalle, sino que éste es más bien reducido y lo que se ha hecho es aplicar un notorio sharpening a posteriori, que tiene como resultando un prominente realce de contornos.

La iluminación de Spinotti, por el contrario, está bastante bien y es fiel a la época, pero nos encontramos ante el clásico ejemplo de los árboles que no dejan ver el bosque.

Se trata de un cataclismo visual de inmesas proporciones, con un enfoque de pretendido realismo digital absolutamente equivocado, que convierte la recreación de época en una mera anécdota, que deja al penúltimo y caro juguete de Sony (la F23) a la altura de un vulgar MiniDV y que, en definitiva, no es que no aporte a la narración o que simplemente perjudique, sino que destruye el film y todo cuanto pudiera haber en él.

Parece más bien una broma de mal gusto, o la película de aspecto amateur más cara de la historia. A elegir.

Nacho Aguilar

ÁLBUM FOTOGRÁFICO FINAL DE ORLANDO: ISLANDS OF ADVENTURE II

2009-08-12T12:53:00.006+02:00

Señores, regresamos de vacaciones. Y es un placer comprobar que las visitas se han mantenido dentro de lo respetable..., sin merecérnoslo.

Vengo nada menos que con el álbum fotográfico final de Orlando y esta semana terminaré, UN AÑO DESPUÉS, con el artículo más largo al respecto en habla hispana. La traca final del Islands of adventure pondrá punto y final a la cruzada y espero haber ayudado y ayudar a futuros. O entretener. O algo.

Ah, y una buena noticia. Este blog por fin, salvo raras excepciones, vuelve a lo que le concibió: EL CORTO. No sin antes acabar el estudio de HOLLYWOOD MALDITO..., o intercalando el mismo. Y otras sorpresas. Vamos, QUE HEMOS VUELTO.

RETROSPECTIVA LITERARIA DEL CORTOMETRAJE ESPAÑOL

2009-06-12T17:40:00.004+02:00

Juan Antonio Moreno es un héroe para los lectores habituales. Y más allá.
Su libro, "Cine en corto", es el primer trabajo de nuestra historia que, por fin, hace una retrospectiva del cortometraje español paseándola al completo. Es un libro que, claramente, nace de recorrerse todo el mundillo. Y el mundazo. Le tenemos aquí al lado, no perdamos más tiempo:

Raúl Cerezo: Juan Antonio, aún no asumimos tu libro...¿de dónde nace la idea de hacerlo?
Juan Antonio: Fue en el Círculo de Bellas Artes, con ocasión de una entrega de premios de Madrid en Corto. Ismael Martín, de la ECAM, conocía mis artículos sobre cortometrajes en Diario de Alcalá y me animó a publicar un libro sobre cortos. Acepté el reto y emprendí un proyecto que me ha tomado casi tres años de trabajo.

Raúl Cerezo: ¿cómo consigues que te lo publiquen?¿Qué tal va la distribución?¿Dónde puede adquirirse?
Juan Antonio: Lo presento a varias editoriales y finalmente, Pedro Talaván de Editorial Tal Vez se muestra entusiasmado y acepta publicarlo. El libro se vende en la librería de cine Ocho y Medio (Plaza de España) y está presente en la Feria del Libro (Caseta 56). Estoy contento, la presentación con ocasión de Trayecto Corto- Festival de Cortos de Velilla (Madrid) fue un auténtico éxito de público. Además, me acompañaron Iván Saínz-Pardo, que se desplazó desde Alemania para estar conmigo y de quien proyectamos El laberinto de Simone , Andrés Sanz (Bedford), Isaac Berrokal, Carina Björne (Today is Sunday) -ambos seleccionados en ESCORTO- y Félix Vidal (Empty Spaces).

RC: ¿Te ha sido fácil?¿Quién ha colaborado contigo?¿Qué tal tu recorrido por visionados, festivales y demás trayectoria?¿Qué nos puedes contar de la vivencia?
Juan Antonio: Ha sido una experiencia fascinante y agotadora. Mi aprendizaje ha sido constante y he comprobado in situ algunas situaciones que me han permitido enriquecer mis conocimientos de este fascinante mundo. Me han ayudado mucho mis hermanos (Carmen, Juan Ángel –autor de la portada- y Raúl). Parece casi la producción de un corto, pero sin ellos todo hubiese sido un poco más complicado.

RC: En algunos festivales, creemos que el criterio de selección no es profesional. Los cortometrajes deberían seleccionarlos personas del sector, no funcionarios que no se ven todos los cortos (y los reparten, sin poner opinar globalmente). Como sabes, colaborarás el 20 de Junio con nosotros (www.escorto.es) en una mesa sobre la democratización digital del cine. ¿Qué nos puedes ir avanzando sobre todo esto que te comento?
JA: Totalmente de acuerdo con la primera cuestión. Como sabes, he sido jurado en algunos festivales y es verdaderamente frustrante que funcionarios, aprendices sin criterio, quieran imponer sus opiniones tan sólo para repartir los premios de manera políticamente correcta.

Respecto al tema a debatir en ESCORTO, creo que efectivamente, la llegada del cine digital permite una democratización, ya que facilita el acceso a todo tipo de creadores. No obstante, habría que realizar filtros para que no disminuyese la calidad, pues en algunos casos, algunas piezas desvirtúan bastante lo que se hace en nuestro país.

RC: ¿Crees que hay más nivel en el mundo del cortometraje que en el del largometraje español?¿Por qué es tan desconocido el cortometraje?¿Llegará a ser alguna vez como el cuento literario?
JA: Me atrevería a afirmar que sí. La calidad media de nuestros cortometrajistas es más que notable. Y me refiero a un grupo bastante amplio, lo que no sucede con el largometraje, en el que muy pocos destacan. El corto, desde mediados de los noventa va ampliando su recorrido, pero cuando se producen las nominaciones de Nacho Vigalondo y Borja Cobeaga a los premios Óscar de Hollywood parece que existe un cierto boom mediático. Casi todos los medios de comunicación escrita abren canales de difusión de estos metrajes. Además, prosigue la muy eficaz tarea de los blogs de cine, - mención especial para el Zoom erótico- auténticos impulsores en la difusión por la red de estas cintas

La idea de mi libro es precisamente dar a conocer al mayor número de lectores posible la historia del cortometraje nacional. Provocar en el público el deseo de conocer estas piezas, auténticas joyas. Si logro transmitir esta pasión por este género, me sentiré muy satisfecho y recompensado.

RC: Dinos tus autores favoritos, eventos favoritos. Venga, Juan Antonio, hagamos de FANS LOCAS del mundo del corto, ya que NO HAY.
JA: Tú sabes Raúl que esto es muy complicado. Pero sí, tengo autores que mantienen una trayectoria muy coherente, que me interesan mucho. Uno de ellos es Iván Sáinz-Pardo, (El laberinto de Simone. El sueño de Caracol, La Marea, etc). También me gusta la línea de Rodrigo Rodero (Chatarra, Kundas, Mar de Cristal, Campo de la rosa). Rodrigo está rodando su primer largo, y por el equipo de trabajo que tiene, espero que siga transitando la poética que ha enseñado en sus cortos. Podría citarte muchos más: Daniel Chamorro, Daniel Sánchez Arévalo, Álex Montoya, Pedro Touceda, José Carlos Ruiz, Isaac Berrokal, Coke Riobó, Andrés Sanz, Martin Rosete, José Manuel Carrasco, Chapero-Jackson…

RC: ¿Crees que el cortometraje actual es mucho mejor que el pasado?¿Por qué no se puede casi acceder al pasado?¿Qué hay del cortometraje?
JA: El corto de ahora tiene más medios que en ocasiones, no es sinónimo de más calidad. Ves la obras de Berlanga o Saura, o los impresionantes trabajos de Víctor Erice y podrían pasear por los festivales de nuestros días.

Respecto a la segunda cuestión. Es lo de siempre, la distribución es muy compleja: es un tema que no ha interesado hasta ahora. Hay que pagar derechos que luego no son recuperados en la venta. Algún Festival lo ha intentado pero ha tenido que desistir. Soy poco optimista a este respecto aunque espero mucho de los Festivales de cine en la difusión del cortometraje.

El corto tiene un futuro muy amplio y prometedor. A pesar de lo dicho respecto a su distribución, las ideas no cesan y el cortometraje tiene una libertad e independencia de la industria que augura que la semilla de cine seguirá esparciéndose.

RC: Los festivales...¿crees que eligen los futuros cineastas y, por consiguiente, el futuro de nuestro cine?¿Qué importancia crees que tienen y cuáles crees que la tienen más?
JA: Como te he dicho, confío mucho en los Festivales de cine. Sobre todo en los que privilegian el criterio cinéfilo sobre otros intereses. Esa semilla de la que hablaba anteriormente se siembra principalmente en estos espacios de encuentro entre emisores y receptores: entre el creador y su público.

Hay festivales muy buenos: el Festival de Alcalá, la SEMINCI de Valladolid, el Festival de Medina del Campo, Almería en Corto o el FIB de Benicasim. Y otros recién llegados como Trayecto Corto de Velilla de San Antonio o el propio ESCORTO que aportan frescura e ideas para el debate y mayor comprensión de este sector.

RC: Los jurados de los festivales de cortos...¿crees que hacen justicia a los mismos?
JA: Mi experiencia es altamente positiva en este sentido. Toda opinión es subjetiva, cada uno llevamos un director dentro, pero cuando hay un criterio objetivo el resultado de una votación es más defendible.

RC: ¿No crees que hay poca prensa para los pobres cortometrajes?¿Crees que hay mucho cortometraje amateur que hace demasiado daño al profesional en ciernes?
JA: Hay poquísima. Cuando hace tres años presenté mi sección Corto pero intenso al Diario de Alcalá me sorprendió la acogida. Desde entonces cada quince días abro una ventana a este mundo tan increíble del corto. Intento dignificar estas cintas y ampliar la difusión de las mismas. Ha sido muy gratificante cuando algún lector me ha escrito que estaba deseando ver las películas que acaba de criticar en el Diario. En las mismas páginas, abro otra puerta al mundo del arte con Miradas: te recuerdo que soy miembro de la Asociación Española de Críticos de Arte.

RC: ¿Qué puedes decirnos del sector del corto?¿Hay algo malo que le hace no sacar la cabeza?
JA: En cualquier orden de la vida la perfección no existe. Existe la ACE (Agencia del Cortometraje Español) que realiza una labor fundamental para todo el sector. Pero además, con la creación de la Coordinadora del Cortometraje Español se abren nuevas vías para la mejora de este colectivo. Una muy importante es la solicitud de la Coordinadora de que se incluya el tema audiovisual en la enseñanza pública. La distribución debe mejorar mucho, sin duda, pero este grupo está elaborando un libro blanco del sector que esperemos ofrezca vías de mejora.

RC: Por último, Juan Antonio...¿consideras al cortometraje español como referencia mundial, a tenor de lo mucho que se mueve fuera?
JA: Totalmente. El corto nacional es una referencia internacional por la calidad de sus producciones. Voy a recordar el último premio de la Academia de Cine Europeo a “Alumbramiento” de Chapero-Jackson o la reciente elección en Sundance de “El ataque de los robots de Nebulosa-5” de Chema García.

Ha sido un placer absoluto, casi tanto como el leer tu libro. Aquí..., y allá...TE QUEREMOS.

ÁLBUM FOTOGRÁFICO I de ISLANDS OF ADVENTURE (Universal)

2009-06-04T10:09:00.005+02:00

LITERARIO I de ISLANDS OF ADVENTURE (Universal)

2009-06-04T10:07:00.005+02:00

ISLANDS OF ADVENTURE:

Bien, pues acabemos esta aventura Orlandesca, por la que llevamos ya medio año, con uno de los mejores parques al respecto: el Islands Of Adventure de Universal.

Es un parque donde tienes toda la mítica de los Universal Studios, con su historia incluida..., y también hay opciones para los pequeños. Es un ejemplo de parque completito. Son cinco mundos..., y el sexto está en construcción, con una pinta fabulosa: los mundos de Harry Potter. Asimismo, es un parque en constante crecimiento.

Más o menos se ve en dos días, porque también es bastante grande y todas (o casi) las atracciones son disfrutables. Si eres muy rápido, igual te lo cepillas en un día..., pero con niños o algún lastre que ralentice, los dos días no te los quita nadie (o el día y medio).

Vamos con ello:

La entrada es el PORT OF ENTRY, una especie de puerto de tiendas y restaurantes tematizado a lo árabe y con una pista de lo que nos augura: TEMATIZACIÓN ACOJONANTE. Ventanas de las tiendas, interiores de las mismas, cada esquina atrezzada con aventura legendaria bizarra y, sin duda, un gran ambiente. Tienes actores con un casting perfecto y aliento épico por bandera. Una vez atravesado, pasas a los cinco mundos, distribuidos alrededor (otra vez) de un lago gigantesco. Se dividen en los siguientes:

TOON LAGOON: Zona dedicada al mundo del cartoon, con el agua por bandera. Consta de 3 atracciones:

Popeye and Bluto's Bilge-Rat Barges: probablemente, la cima de los rápidos y la atracción donde más TE EMPAPAS de la maldita tierra. Sales calado, absolutamente, como salido de una piscina. Es larguísima, tiene bajadas LOQUÍSIMAS y una zona donde te meten en cataratas, rápidos acuáticos y una soberana muestra de tematización Popeyística que pasa a los anales. Olivia (raptada por Brutus), Brutus y popeye en varias set pieces visuales animadas, frenéticas, vertiginosas y muy divertidas. Nadie quedará indiferente. Ruido, agua, salvajismo y una experiencia inigualable en una atracción gigantesca que desde fuera se intuye, entre varios puentes (donde, por supuesto, puedes tirar agua..., pero ese agua probablemente dé igual a los que pasan por debajo, porque ya van hasta arriba). La cola, como siempre en estos parajes, te mete de lleno en el mundo de sus personajes.

Dudley Do-Right's Ripsaw Falls: una completa piradez, sobre unos dibujos animados que me sonaban pero en España no están distribuidos (son una pareja..., uno es un alce). Entras en una presa llena de cataratas y montas en unos preciosos troncos ENANOS. Pero tan enanos que yo pensé que de allí NO SALÍA. Y empieza otra vez la maravillota en una carrera con troncos por las cuestas más altas que podáis suponer (acuáticas todas). Moja mucho, es muy divertida, pasas por túneles tematizados con estos dibujos y en la cola hay una maravilla, entre otras, muy a destacar: la cabeza de los dos personajes (como trofeos de caza) a la vista del público, hablando entre ellos (sin repetir diálogos). Rapidísima y muy recomendable. En las fotos podréis ver una de las cuestas de manicomio y lo mucho que se vaticina sobre estas atracciones en el exterior, debido a su longitud.

Me Ship, The olive: el espectacular barco de Popeye a tamaño natural y hecho realidad para tus santitos ojos. Es zona de juegos acuáticos, interactivos y recreativos, pero vale para lo que te venga en gana. Con entrada, segundo piso y TODO. TODO. Muy fotogénico y, de nuevo, recomendable.

SEUSS LANDING:

Mundo dedicado a Seuss, The cat in the hat y demás animaciones que no hemos tenido oportunidad de valorar por estos lares, gracias a los maravillosos mundos de la distribución. Es la zona infantil, pero es tan extremadamente imaginativa, loca y rabiosamente personal (no sé si irá agarrado a dichos dibujos) que pasa perfectamente por adulta. Tiene 5 atracciones:

Caro-Seuss-el: estrafalarios caballitos, que en vez de dichos caballitos tienen bichos muy creativos y multiformes para que te montes encima (supongo que serán de los dibujos, como todo aquí). Grandes, muy altos y bastante veloces. Esta atracción normalmente es para bebés y niños y aquí, como mínimo, se debería empezar por cuasi-adolescentes. Así se las gasta el parque.

The cat in the hat: curiosísima atracción, que nos va pasando en coche tematizado por los mundos de El gato y el sombrero. Bichos como Thing 1, Thing 2 (espectacular su merchandising), el propio gato y toda su fauna (y flora) emergen por los túneles que transitas, en insospechadas esquinas. Lo bastante rápida y emocionante para este tipo de atracciones.

The High in the sky Seuss Trolley Train Ride!: probablemente, uno de los trenes más divertidos para montar como opción. Es elevado, te pasa por la cafetería/restaurante tipo circo (impagable) del submundo, algún túnel y toda la zona, entre otras sorpresas. También lo bastante rápido para el género.

One Fish, Two Fish, Red Fish, Blue fish: la típica atracción exterior para montar y dar vueltas en un eje, con la particularidad de que tiene un diseño muy molón, peces gigantes y alguna sorpresa acuática que no te dejará seco. Hasta la más mínima atracción está pensada para no caer en el más absoluto vacío adulto. Una gozada.

If I ran the zoo: divertidísima zona interactiva, plagada de juegos infantiles válidos para cualquier edad. Un zoo lleno de animales raros, jaulas chifladas y muchas áreas. Un descanso sin descanso.

THE LOST CONTINENT

Mundo dedicado al continente perdido, Simbades y demás etcétera..., con una mítica en sus calles aventureras que hará disfrutar al más pintado. Muy grande y perfectamente unido, sin tener nada que ver, con el anterior y el consiguiente. Mercados, LO EXÓTICO y muchos deslumbres más en cada calle. Tiene incluso La Fuente mística. Hay 4 atracciones, con tres clásicos entre ellas:

The Flying Unicorn: montaña rusa para pequeñuelos, corta y con velocidad justa, en un bonito entorno verde y en coche con cabeza de unicornio. Con la tematización justa pero un buen paso para el niño a media edad, sin que el padre se atufe.

Dueling Dragons: un soberano top en montañas rusa, que comprende dos atracciones en una, ya que el recorrido de cada dragón (son dos) es totalmente diferente, aunque se crucen (casi rozando) varias veces en el camino, en una especie de carrera histérica. Tiene una velocidad tan sumamente tarada que llega un momento que pierdes el rumbo y los carrillos se te pegan a la nariz (por no hablar de las curvas que te arrancan la cabeza).., con el aliciente de correr contra el otro dragón gigante, también lleno de gente. Es de las inversas y os aseguro que tiene dentro una experiencia mística (en mi caso) o sangrante (en el caso de gente como mi mujer, que salió llorando y desde ese suceso ya no montó en ninguna otra de Orlando). Lo más increíble: LA COLA. Sí, habéis oído bien..., LA COLA es un castillo ENTERO. Pasas por sus grutas, mazmorras y todo tipo de pasillos...¡DURANTE 10 MINUTOS (sin gente! y en un trabajo de atrezzo y Arte que no desmerece al mejor de los films. Aunque no montéis por acojone, entrad a verla.

Poseidon's Fury: una atracción cubierta que dentro tiene una rara avis total, ya que se trata de una pelea entre DIOSES gigantes (Poseidón es uno de ellos) contigo en medio. La entrada te mete del todo en el legendario mundo y tú, entre actores, hologramas, proyecciones y física, tienes que aguantar la espectacular furia divina (estás de pie, con el resto de visitantes). Una de las lindezas de esta interesante propuesta es ésa donde, cuando un espontáneo todopoderoso te salva, tendrás que pasar (tras abrirse la pared) por un MAR (en medio) hecho PASADIZO. Sí, oís bien..., no sé con qué motores lo hacen pero consiguen que pases entre el agua, que no para de moverse y te hace un túnel (y no hay cristales de por medio). Agárrense.

The Eight voyage of Sindbad: bueno, pues ya lo dice el título. Se trata de un gran espectáculo (con techo, pero exterior) en un decorado gigante con los mundos del personaje. Princesas, brujas, conjuros, actores en su sitio, interactividad, saltos cerca de tu cabeza y derroche de fx. Y más de una participación en dicho show (que, como mínimo, salpica..., o quema).

El Universal Studios de ORLANDO (trancazo literario II)

2009-05-28T14:51:00.009+02:00

Con esto ya acabo Universal Studios y ya sólo quedaría un parque. Sí, justo el de la foto, el impresionante Universal's Islands of adventure.

Vamos allá con el remate:

SAN FRANCISCO/AMITY

Beetlejuice's Rock'n Roll Graveyard Revue: espectáculo sitiado en una grada cubierta y un escenario que es un enorme castillo. Se trata de un concierto de Rock'n Roll con Bitelchús, Frankenstein, El hombre lobo, Drácula y un delicioso etcétera como intérpretes. El actor que hace de Bitelchús está especialmente notable. Dura una media hora, es gamberrete y se disfruta bastante.

Disaster!: Una puñetera locura y un clásico irrefutable. En la primera media hora, te enseñan cómo se hacen los fx de una película, cómo se incrustan imágenes y cómo se mezcla todo en el producto final. Eligen a gente del público y graban a los que no, para hacer luego una supuesta película. Después, atención..., te meten en un metro y te llevan, no sé cómo coño lo hacen ni dónde lo guardaban, por una estación recreada. De repente, el metro se para y empieza LA LOCURA: vibraciones, ruidos por arriba (la supuesta calle), golpes y, de repente, mirando desde tu asiento, toneladas de agua que bajan por las escaleras del andén hacia tu tren. El techo se destroza y, blam...¡LA CIUDAD! Un camión cisterna gigantesco que cae hacia ti ardiendo, quemándote el ambiente. De repente...¡PLOF!...todo se para y, por arte de magia..., el andén VUELVE A LA NORMALIDAD en cuestión de segundos. Te piden silencio y proyectan la supuesta película realizada en el mismo tren y con los insertos rodados en la primera media hora, en pantallas que hay colgadas del techo..., y ves que finalmente es un tráiler. Te desternillas, ya que te ves como prota recibiendo desastres naturales o como máximo protagonista, si te han elegido. Imprescindeibol.

JAWS: Una de las atracciones más míticas de la historia. Recrea los embarcaderos de la película Tiburón, en la cola hay pantallas con supuestos canales de la comarca (rodado en la época y con actores del set) y cuando llegas, te montas en una barquita de varias personas donde hay un guía que te va a enseñar partes del pueblo (que es idéntico al de la peli). El guía es muy carismático, son fantásticos actores y su chorro de voz por los altavoces, llena el ambiente. De repente, giro inesperado..., aleta del tiburón a lo lejos, con música Williams al canto. Y todo se desata: te ataca dos veces y es el animatronic de la película..., el miticorro bicho zarandea mucho el barco y si te toca en un extremo, el disfrute es doble. De repente, el guía acojonado se mete en una de esas casas flotantes con utensilios de pesca..., donde dentro está todo oscuro, hay barcas destrozadas en movimiento..., cosas que se caen en la oscuridad y, al final, ATACAZO del tiburón. Al salir, el guía se cabrea y empieza el sincristo: recortada, lanzagranadas y tiros sin descanso al pececico. En una de ésas, después de fallar y destrozar bidones de gasolina (que te abrasan el aire, de nuevo), le da y le revienta, apareciendo al lado nuestro chamuscado y volviéndose a hundir. Así se vivió y así se cuenta, pero nada puede hacerle justicia (sobre todo por la mítica, ya que los años pesan, pero no tan para mal, eh. AGUANTA).

Fear Factor Live: los más COLGAOS asistentes del parque van allí..., se les pesa, se les hacen controles físicos, firman un contrato y ELLOS (o sea, tú si quieres) SERÁN LOS PROTAGONISTAS. Es igual que el programa del mismo nombre y trata sobre hacer pruebas absolutamente locas al público voluntario (las pruebas son por la mañana, se les entrena y el espectáculo es por la tarde), para ver quién gana. Desde arañas en tu boca hasta el lanzarte de muchos metros. Una puñetera pirada y el colmo de lo interactivo.

WORLD EXPO

MEN IN BLACK Alien Attack: la atracción cima de túneles con pistola. Esta vez vas en los cochecitos de la película, con el diseño calcado de las pistolas y compitiendo con un coche de otras 5 personas, en paralelo al tuyo. Si les disparas a su zona de arriba, darán vueltas a todo tren. Una soberbia atracción, con un hangar futurista en la cola de lo más espectacular, puertas llenas de bichos animatronics conseguidísimos, cocinas invadidas por los mismos y monstruos simpaticuelos, perfectamente integrados. Y oye, eso en la cola..., la atracción es una maldita pasada, donde recorres todos los pasajes de la película inflando a tiros a todos los monstruos de la misma, en diferentes parajes, viendo diversos movimientos de cientos de animatronics y, para terminar, algo que me hizo babear: hay una zona donde, saliendo de un túnel, giras y, de repente...¡TE ENCUENTRAS UNA CALLE GIGANTESCA DE LA CIUDAD, DE NOCHE Y REVENTADA POR LOS ALIENS! Coches de policías volcados, monstruos temibles y unos efectos de sonido de chillar fortísimo. Lo mejor: PUEDES DISPARAR A TODO, hacer que se mueva, puntuar y demás etcétera. Con la colaboración de Will Smith y Tommy Lee Jones en cada monitor. Lo más, joder.

THE SIMPSONS RIDE COMING: Esta atracción hay gente que le tiene tirria porque hizo que derribaran la de Regreso al futuro, pero vamos, no creo que se la eche mucho de menos. Supongo que será nostalgia. Se trata de un parque de atracciones gigante (tipo circo) y unas colas donde, en plasmas gigantes tipo holograma, te atienden todos los protas de la película (uno vende palomitas, otro globos, etcétera). El actor secundario Bob es que la arma y Krusty el dueño del parque. Te meten en camerinos, hay presentación de Los Simpsons (en una animación exclusiva para el parque, pero todo en pantallas) y, finalmente, montas en un coche tipo feria, con otras seis personas. De repente, no sé cómo diantres lo hacen, pero desaparecen las paredes, los techos, los suelos..., TODO..., y con tus gafas 3d asistes a una película interactiva, con movilidad del coche, de lo más delirante. El parque de atracciones se supone que se vuelve contra la familia Simpson y éstos van montando en todas las atracciones, puteados por Secundario Bob. Y la movilidad del coche va siempre acompañada de lo que te ocurre. Por ejemplo, la más genial es una en donde Maggie se hace gigante y te come el coche (con saliva incluida a ti, visualización de su campanilla, etcétera) o la que te montan en una montaña rusa para subirte hasta las nubes (la sensación de subida es calcada) y dejarte caer (junto con toda la familia Simpson). La película es un cortometraje 3d exclusivo. Clásico instantáneo, lo siento por J. Fox.

HOLLYWOOD

Lucy-A tribute: museo dedicado a la actriz Lucille Ball (no sé quién es), donde se puede ver todo tipo de utensilios personales, logros y homenajes. Aunque no conozcas a la susodicha (allí debe ser la bomba, porque había gente que hasta lloraba), es muy emocionante y un museo francamente bonito, impagable como caja de pandora.

Universal Horror Make-up show: supuesto cine antiguo (tremenda la fachada principal) que dentro alberga un ESPECTACULAR museo del maquillaje en donde se puede ver el velocirraptor de Parque Jurásico, las prótesis de Un hombre lobo americano en Londres, Psicosis y un eterno etcétera. Una vez visto, pasas a un espectáculo de maquillaje tan divertido como instructivo. Un maquillador de Hollywood, cachondísmo, hará diversas perrerías a dos o tres del público (en mi sesión cogió a una china, entre otros..., y la gente lloraba de risa) en actividades como hacerse una foto con un monigote aterrador que, realmente, es un actor escondido tras el traje y la hará morir del susto o, lo mejor de todo, hacer como si le cortara las venas entre chorretones de sangre. Divertido, gamberro, burro e imprescindible...

Terminator 2: 3d: probablemente, la obra maestra del 4d y de la interactividad cinematográfica. La cola y el sitio es nada menos que CYBERDYNE SYSTEM y por allí entras, tal cual te lo puedas imaginar y narran en la película. La presentación es de Edward Furlong y Linda Hamilton, que te dicen que nos van a lavar el cerebro ahí dentro o algo parecido. De repente, aparece una actriz (empleada de cyberdyne) cortando la transmisión televisiva y diciéndonos que nos preparemos para la visita. Entramos en un GIGANTESCO cine con varios robots (reales, a los lados). Nos ponemos las gafas y es una experiencia increíble, porque estás con luz y estás viendo en la pantalla trasera de la actriz (que está en un estrado), todo en relieve, que no es ni más ni menos que cyberdyne en su interior y el patio de butacas. De repente, la tía nos muestra de lo que son capaz sus robots y éstos empiezan a pegar tiros (realmente, no en 3d) y a llenar de humo la zona. Y de repente, TACA..., Schwarzenegger, Furlong y Hamilton (actores dobles CLAVADOS) aparecen en escena, entrando nada menos que con la moto por el cine, pegando tiros, entre humo, saltos y etcétera. No creeréis lo que véis, de veras. Se meten en la máquina del tiempo que hay allí (el viaje lo vive todo el cine) se apagan las luces y asistimos a nada menos que un mediometraje rodado por James cameron con el mismo equipo de la segunda, que lo hicieron a la par que la película y con los mismos fx. Todo fan de terminator ha de verlo (está en emule). Vemos a Schwarzenegger llevar a furlong en moto, por todo el futuro..., y combatir con robots, mini-naves, terminators como él y un largo etcétera. Así durante media hora y en un efecto visual constante e impagable, con humo por la sala, luces, etcétera. De vez en cuando pega algún bote la silla y demás historias. El final, brutal..., vuelven a cyberdyne y hay una mezcla de 3d, actores y 4d. El T1000 (también sale, con el mismo actor), se convierte en araña gigante y saca todas las patas por el cine, con metal líquido. Schwarzenegger lo revienta y los pedacitos saltan por las butacas (en 3d) con tal cantidad de humo que llegará un momento que tú mismo te pierdas, sin ver ve nada. Y todo esto, en un momento dado, con los actores que hacen de protas de la película corriendo por entre las butacas, a un palmo de ti.

Sólo por esto, merece la pena el viaje a Orlando. Y por aquello. Y por...

PERO SÍ QUE OCURRIÓ

2009-05-26T18:31:00.002+02:00

http://www.megaupload.com/?d=1J46EF4Y

DISTRIBUCIÓN Y BUROCRACIA: EL ASESINATO DEL ESPÍRITU

2009-05-25T20:11:00.001+02:00

Antes de que sigáis leyendo, me declaro único responsable de cada una de mis opiniones (y a veces, insultos) sin que nadie pueda responsabilizar a esta web ni a ningún otro. También comentaré que ninguna de las anécdotas que me han ocurrido tienen que ver con la calidad del film (por si a alguien le da por decir que me lo merezco todo porque, según él, mi película sea mala) pues prácticamente casi nadie de los causantes de ellas lo ha visto ni siquiera.

Pues sí, con la burocracia hemos topado. Pero no sólo con ella, sino que una vez solucionada y satisfecha ésta, los problemas se agravan en un área que no acepta y no tolera nuevos miembros con los que tuviese que compartir alguna migaja. Todo me hace ver que de nuevo soy un tonto y que tantos y cada uno de mis esfuerzos no han servido ni van a servir absolutamente para nada.

Empecemos desde el principio, por lo más fácil y “placentero”. Resulta que si una película no es reconocida por el Ministerio de Cultura – ICAA, es como si oficialmente no existiese y no fuera una película de verdad ni jamás sería considerada tal, además de que encima el propio artista estaría cometiendo una serie de delitos al luego comercializar o exhibir su propia obra. Sí, así es, de hecho un dato que siempre me ha fastidiado es que en actos como los Goya o las galas de Egeda o notas de la Academia, suelen comunicar cada año que se hacen unos ciento y pico cortometrajes españoles, cuando todos sabemos que sólo ya a los festivales se envían entre 3 y 4 veces más. Sólo aquellos que han sido reconocidos por el Ministerio de Cultura son considerados cortometrajes, y el resto no existen, como a mí me había ocurrido antes. E igual con los largos. Pero que lo reconozcan no es tan sencillo como registrarlo y ya, no, sino que exigen que seas una empresa. Ahí ya me espantaban a mí y otros interesados, años atrás, pero tras no asustarme esta vez y decir “si hay que hacer una empresa, se hace”, se me ofreció una gran cantidad de papeleo y burocracia. Ir al Ministerio de Hacienda para hacerse empresario y rellenar formularios venidos de otra enigmática galaxia, ir al Ministerio de Industria y registrar marca y logotipos, pagando tasas que quitan el hipo. Volver al ICAA con todos los papeles y rellenar más. Y descubrir en mi siguiente visita que habían escrito mal el nombre. Por 3 veces. Primero dice el señor que es que la letra no se entiende; tras mostrarle que es Times New Roman, entonces dice que el nombre es muy raro… pues lo siento mucho si no me llamo “Paquito el de los Calamares” pero yo le pongo a mi productora el nombre que me dé la gana. Luego para la película, rellenar otro montón de documentación, avisar de cada fecha y cosa que se fuera haciendo y tras acabarla llevarla a que la examinen: alguien se gana la vida viéndose las películas antes que nadie en un sótano, y decidiendo para qué edad son. La forma que tienen de registrarla y considerar que esa película existe es mediante esa calificación y mediante certificarla como española. Si gran parte de tu equipo fuesen extranjeros, se marginaría a la película no certificándola como española y castigándola con mucho más papeleo y burocracia internacional. Así integra el Gobierno a los emigrantes. Por suerte yo sólo tenía en el equipo a 3 paraguayas y un argentino y cumplía el cupo de españoles. A pesar de todas estas peculiaridades, el trato del personal fue bastante bueno y resultó algo hasta divertido.

No podría decir lo mismo del Registro en la Propiedad Intelectual, esta vez en otra provincia. El encargado me habló en todo momento con prepotencia y desprecio, sin la amabilidad de los sitios previos. Me presenté allí en taxi desde mi ciudad con un certificado del músico que se sentía indispuesto esa mañana y ya había quedado en ir. Nada más verme aparecer sin el músico, y a pesar de su DNI, autorizaciones, etc., el encargado no me dejó ni hablar ni enseñarle esos documentos y me dijo que me largase. Le intenté explicar la situación por las buenas, pero se puso aún más tenso y duro. Entonces ya perdí los estribos (mi tontura es limitada) y le grité y le dije de todo al muy bastardo, haciéndole ver su inhumanidad y desprecio al artista; están para servirnos no para extorsionarnos. Es más, si yo hubiese engañado y dicho que yo también era autor de la música, no habría tenido problema en el Registro, pero por ser bueno y reconocer legalmente la labor y el nombre del músico, me lo ponían así. Dicho de otro modo, con su intransigencia paradójicamente el Estado está favoreciendo que no se reconozca el trabajo del músico para evitar estos problemas (de la misma manera que vendiendo la píldora del día después en las farmacias, están logrando que se extienda el SIDA, al poner tan fácil el saltarse la ética), así es la burocracia y el Estado. Aún así mi ética me impedía esto y al día siguiente volví a ir con el músico, y pagar otro carísimo taxi, y registramos la obra.

Llegó el turno de las distribuidoras de cine. La gran mayoría ignoraron mi petición, sin querer ver el material. Sólo un pequeño puñado aceptaron. Y de esas están las que demostraron no vérselo siquiera, las que me ignoraron y hasta alguna que, incluso gustándole la calidad, dijo que no iba a interesarle a nadie solamente porque no tenía actores famosos. Eso lo dijo en concreto DeaPlaneta, tratando al público como idiota y contribuyendo a que la sociedad sea cada vez más manipulada y tonta.

Entonces intenté por mi cuenta, ya que me saqué todos los permisos legales necesarios. Kinépolis me pedía unos 1.200 euros y sin permitirme cobrar entrada, diciendo que eso sólo las distribuidoras e ignorando que el ICAA y el Gobierno me consideran a mí tan distribuidora como a esas. Peor fue la empresa Cinesa que, además de que en cada cine me decían una cifra diferente, en concreto en el de Proyecciones (Fuencarral) me pidieron 3.000 euros y sin poder cobrar entrada. Tras decirles (sin cortarme) que eso era abusivo y que en Kinépolis me cobraban 1.200, me volvió a escribir el mismo contacto de Cinesa Proyecciones que me lo dejaba en 1.500 y sí me dejaba cobrar entrada. Vaya, en una semana cómo cambian las cosas cuando uno se impone, lo que demostraba que ni los 3.000 ni los 1.500 ni si cobro o no entrada eran tratos justos y estipulados, sino intentos de aprovecharse de un joven ilusionado.

Sobre la venta/alquiler en DVD el ICAA me dijo que por ley tenía que esperar 4 meses desde la calificación para cines. Así que esperé y fui enviando a festivales. Ahora que ya tengo la licencia para vender los DVDs, me encuentro con que Fnac no me permite venderlos porque no soy una distribuidora con muchos títulos y para uno sólo es muy mareoso para ellos darme de alta. Y para venderlo en USA, el Ministerio de Tesorería de allí obliga a que mi intermediario les dé un porcentaje de las ganancias en concepto de impuestos (en un país del que no soy residente y que con esos impuestos no paga ni Sanidad ni subvenciones, sólo guerras), por lo que me exigen que envíe un montón de papeleo y burocracia a dicho Ministerio del Gobierno de los EEUU, sin garantizar que me lo vayan a conceder y no pudiendo vender allí hasta entonces.

Vamos, meses de trabajo estúpido y para nada, así es todo. Y aún me quedarán varias aventurillas absurdas más con las que me tope.

Pedro Jaén R.

El Universal Studios de ORLANDO (trancazo fotográfico III)

2009-05-21T13:04:00.007+02:00

El UNIVERSAL STUDIOS de ORLANDO (Trancazo fotográfico II)

2009-05-20T11:18:00.006+02:00

El Universal Studios de ORLANDO (trancazo literario I)

2009-05-18T07:00:00.000+02:00

Bueno, aquí estamos. Pido cien mil disculpas por el retraso, pero andamos bastante petados de curro con http://www.escorto.es y otros proyectos. Todo sea por la causa cinematográfico/cinéfila.

Vamos allá con uno de los platos fuertes: Universal. Del complejo os hablé atrás, como ya sabéis (si no, podéis verlo en el archivo del blog o en el mismo hilo)..., así como de las tiendas, zona de compras o generalidades..., así que podemos pasar a la traca gorda. EN cualquier caso, os diré que son dos parques los que comprenden la marca: Universal Studios e Islands Of Adventure. Los dos tienen menos metros que los Disney pero tienen las atracciones muy juntas y en forma de naves enormes simulando a platós, así que cada una de ellas son, aparte de una imprescindible que toca alguna película familiar muy querida o muy mítica, espeluznantes y monstrencos lugares con casi un parque del tema en sí mismas, con lo cual los correres al entrar por la puerta están garantizados.

Tengo muchas fotos, así que decoraré cada entrega con auténticos dossieres fotográficos.

Vamos pues con UNIVERSAL STUDIOS:

Éste es un parque que, poniéndote las pilas gordas, puedes ver en un día. Con niños, ponle día y medio...Las calles están plagadas de los hangares de las atracciones y luego de repente, sin venir a cuento pero en un ofrecimiento delicioso, podréis ver cosas como la silla auténtica del Frankenstein del Karloff o el Delorean de Regreso al futuro. Es un parque al que la gente va corriendo por una cosa clara: las atracciones..., con lo cual todos estos extras suelen estar desiertos para las delicias del coleccionista o fotógrafo interesado. Tendréis instantáneas de todo, no os preocupéis.

Temáticamente es chulo a ratos y desastre a otros. O no desastre, sino de repente el encontrarte unas calles peladas y mondadas..., pero es que repito que las atracciones son el plato fuerte. Eso sí, igual giras la esquina y te encuentras un plató que simula una gigantesca casa con jardín y te quedas boquiabierto. De espectáculos, pues no se puede hablar de algo demasiado destacado. Los que hay son atracciones en sí y el que cierra el parque, pese a muy chulesco, lo tenemos muy parecido en la Warner..., se trata del Universal 360 grados..., que acontece en el pequeño pero vistoso lago al que rodea el parque (y que simula el típico puerto de barcas USA, esos que se situan los pequeños pueblecitos como el de Tiburón) y que, sin duda, hará llorar al más pintado. Es nocturno..., y se trata de bolas varias de 360 grados, simulando a la de la Universal, que proyectan trozos de un sinfín de películas míticas o populares en un montaje trepidante con músicas maravillosas de los mejores compositores, claro que sí. La gente chilla, aplaude o llora, según momento..., y la cultura cinematográfica de todos ellos embarga el ambiente. El sonido es espectacularísimo y las voces de sus tremendos actores te hará temblar constantemente la garganta. Todo un espectáculo, con constante mezcla de fuegos artificiales y ofrendas acuáticas..., todo unido a lo que uno tiene claro estando allí: la grandeza del cine. TE la cuelan que da gusto. Y les dejas. Te estremece. Dura media hora más o menos y es algo así como un orgasmo muy largo. Uno se va del parque con una sonrisa.

Vamos pues con las atracciones..., no sin antes decir que su entrada (la del parque) es bastante estremecedora, simulando los arcos de los platós de cine y con la bola de Universal en una tremenda fuente muy potente. Animación por las calles, hay poca pero muy macarra y sin los corsés Disney (de hecho, se rien continuamente de los parques y la marca)..., con apariciones de Bitelchus (tonteó con mi piba en todo mi jeto), zancudos de La Momia, algún Simpson que veréis en la foto y un largo etcétera.

No son muchas atracciones. Ni siquiera está dividido en mundos (sí en zonas), pero cada entrega es tan larga, tan completa y tan atractiva que nadie echará nada de menos en cuanto a lo que aquí se busca.

Poneos cómodos, que empezamos con las atracciones:

PRODUCTION CENTRAL:

JIMMY NEUTRON'S NICKTOON BLAST: supuesta atracción infantil/juvenil muy notable que acumula muchas colas por el supuesto carácter familiar de la misma. Es de una originalidad pasmosa, ya que después de pasar por todo el mundo neutron, en una cola entrañablemente tematizada, entras a un cine donde hay mogollón de naves enfrente de una gigantesca pantalla..., y la fiesta ha empezado. Cada nave es de 4 personas y la combinación 3d-animación en un corto del personaje, movimiento de nave y efectos físicos (olores, humedades, etcétera) se hace irresistible. Al haber también niños (algunos acaban llorando, los más nenazas) el ambiente de diversión, locura y festividad está garantizado.

SHREK 4-D: Su entrada es a una sala oscura atrezzada con el mundo Shrek, donde plasmas que simulan a los 3 cerditos encerrados (el atrezzo de alrededor (cadenas) vibra, viendo sus ojos oscuros) y un sinfín de animaciones con manifestaciones en el mundo real te explican una intro muy estimulante. Luego, entras y es un cine de experiencia inigualable: el 4-D en su máximo esponente. La película es el corto que viene en una edición especial de Shrek, éste que raptan a Fionna y Shrek/compañía van al rescate. Es bastante divertido e increíblemente efectivo en su 3-D vía gafas. Pero lo más apabullante de esta proyección, es el 4-D: constantes aguas a tu cuerpo, roces, saltos, sustos, iluminación en la propia sala y, lo más espectacular y una escena dantesca: ver cómo todos los asientos se desencajan de sus quicios y se ponen a cabalgar a la vez que el caballo de la pantalla, con una fuerza sobrehumana. Todos a la vez, contigo encima. Eso es una de las experiencias más locas y hermosas que uno se lleva de allí.

PRODUCTION CENTRAL:

JIMMY NEUTRON'S NICKTOON BLAST: supuesta atracción infantil/juvenil muy notable que acumula muchas colas por el supuesto carácter familiar de la misma. Es de una originalidad pasmosa, ya que después de pasar por todo el mundo neutron, en una cola entrañablemente tematizada, entras a un cine donde hay mogollón de naves enfrente de una gigantesca pantalla..., y la fiesta ha empezado. Cada nave es de 4 personas y la combinación 3d-animación en un corto del personaje, movimiento de nave y efectos físicos (olores, humedades, etcétera) se hace irresistible. Al haber también niños (algunos acaban llorando, los más nenazas) el ambiente de diversión, locura y festividad está garantizado.

SHREK 4-D: Su entrada es a una sala oscura atrezzada con el mundo Shrek, donde plasmas que simulan a los 3 cerditos encerrados (el atrezzo de alrededor (cadenas) vibra, viendo sus ojos oscuros) y un sinfín de animaciones con manifestaciones en el mundo real te explican una intro muy estimulante. Luego, entras y es un cine de experiencia inigualable: el 4-D en su máximo esponente. La película es el corto que viene en una edición especial de Shrek, éste que raptan a Fionna y Shrek/compañía van al rescate. Es bastante divertido e increíblemente efectivo en su 3-D vía gafas. Pero lo más apabullante de esta proyección, es el 4-D: constantes aguas a tu cuerpo, roces, saltos, sustos, iluminación en la propia sala y, lo más espectacular y una escena dantesca: ver cómo todos los asientos se desencajan de sus quicios y se ponen a cabalgar a la vez que el caballo de la pantalla, con una fuerza sobrehumana. Todos a la vez, contigo encima. Eso es una de las experiencias más locas y hermosas que uno se lleva de allí.

WOODY WOODPECKER'S KIDZONE

Animal Actors On Location!: esto allí es muy emocionante, ya que se trata de un programa de televisión que tiene en Orlando su propio tenderete..., y donde los presentadores y colaboradores colaboran en los dos sitios. Algo impensable en España, como todo lo de allí. El programa trata de actores animales que hacen cosas prodigiosas y vuelve a ser todo una locura. Un precioso escenario natural, con un lago pequeñito de mucha profundidad (suponemos), porque se tiran todos allí de cabeza (al final del show, acaban cayendo todos los del staff), perros, loros, animales de todas clases y coreografías de lo más divertido hacen de nuevo las delicias de cualquiera en un set cubierto muy bien diseñado. En Universal los shows que hay son atracciones..., y éste es una de ellas. Imprescindible.

A Day in the park with Barney: show infantil con el personaje de marras, musical, con peluches gigantes no demasiado inspirados (como Barney en sí) y francamente completista. Todos cantan muy contentos, eso sí.

Curious George goes to town: espectacular zona de críos que recrea un parque de bomberos cartoon perfectamente integrado. La fuente con un coche estampado en la entrada ya te puede dar una idea. Dentro, cascadas de agua por sorpresa, juegos, escaladas y zonas interactivas que hace que a más de un adulto le veas pasárselo pica.

Woody Woodpeckery's Nuthouse Coaster: como estamos en la zona de críos (y no tan críos), es una montaña de rusa ligera pero muy divertida, ya que nos pasa por la casa de El Pájaro loco y su entorno. Completista, pero una vez montas no te arrepientes.

Fievel's Playland: zona de juegos infantiles con entorno Fievel. Toboganes bastante altitos en esquinas, entre otros divertimentos, volverán a darte ideas de que la seguridad de estos parques..., y el concepto infantil de la diversión, es seguro pero nada light o estupidesco. Bonita, pero completista si pesas más de 100 kilos.

E.T. Adventure: un clásico de lágrima asegurada que me hizo entrar flaqueando las piernas. Y es que aquí todas las atracciones están decoradas divinamente por fuera, pero ver la luna y la silueta de E.T./Elliot en su puerta e imaginar que millones de personas habían disfrutado por allí, fue una experiencia que no dista de otras muchas artísticas. En la entrada te espera, en el monitor, SPIELBERG..., presentándote la atracción en un speech bastante inspirado. No sé si os he contado que una de las cosas que me enloquece de Universal es, precisamente, su concepto de atracción. En Disney, aunque me enloquezca también, vas a las atracciones de films y te enseñan el mismo a su manera. Bien, pues en Universal TE LO CONTINUAN, es decir, PROLONGAN EL FINAL DE LA PELÍCULA..., y éste es el caso. Quizá fuera alguna secuencia descartada, pero está seguro realizado por el equipo de la película. Atención: la cola es un BOSQUE GIGANTESCO. Pero gigantesco, con árboles tan altos como la película. Hace frío, los fx son naturales y aparece ET por sorpresa, a veces, entre los árboles, diciéndote sus famosas palabras. Todo en madera y con un atrezzo esencial desperdigado por la vegetación: musgos que se mueven, el cachivache que inventan para conectar con la casa de ET, etcétera. Y eso sólo es LA COLA. Pero es que cuando llegas a la atracción, no puedes creerlo: ¡VAS A MONTAR EN LA BICI DE LA PELÍCULA!. Antes te piden tu nombre y nadie sabe para qué..., veréis, veréis. Y, en seguida, procedes, y no te lo vuelves a creer: VUELAS. Porque montas en la bici tal cual, no es simulación de sillones..., y van enganchadas arriba pero casi no se ven los raíles, ASÍ QUE IMAGINAOS CUANDO EMPEZÓ LA MÚSICA DE WILLIAMS Y EMPEZÓ EL VUELO. Joder, vuelas por encima de la ciudad, pasas pegado a la luna (PARA SER TÚ SILUETA. JODER, ESTÁS SIENDO TÚ LA SILUETA QUE TANTO HAS AMADO COMO ICONO), por encima de los coches de policía, de los científicos...TE COMES EL FINAL DE LA PELÍCULA. Y de repente, de tu bici, de la cesta...¡SALE ET DE ESPALDAS, COMO SI FUERAS ELLIOT! Y empieza la continuación de la película yendo A SU PLANETA. Y todo aquello es muy kitsch pero muy delicioso: ET viejos y niños, su planeta siguiendo la estética de la película y, finalmente, la locura padre...POR FIN...¡ET!...se despide de ti y DICE TU NOMBRE, de ahí que lo hayas dado al principio. ET dijo Raoul más o menos como yo había indicado al empleado, jajajaja. Fuera hay una tienda ET con una maravilla que era demasiado cara: la posibilidad de hacerte una foto en el armario de ET, con él, tal y como lo recordáis en la película. Algo demasiado bueno para simplemente leerlo en un foro...

No me voy sin deciros que yo, allí, PISÉ LA CAFETERÍA DE GREASE CON LOS COCHES EN LA PUERTA y PROBÉ TODAS LAS CONSIGNAS DE HUELLA DACTILAR. Volveré.

FLOCOS.TV

2009-05-16T17:58:00.005+02:00

A YouTube le ha salido competencia. Se llama Flocos.tv y es una página sobre cortos gallegos. Aquí se pueden ver obras tan conocidas como "Mamasunción", "Coruña Imposible", "Minotauromaquia",....... Y también clásicos del Zoom como la multiautobombeada pieza de a continuación:

El UNIVERSAL STUDIOS de ORLANDO (Trancazo fotográfico I)

2009-05-16T16:47:00.004+02:00

Cuando el blog trasciende más allá

2009-04-30T08:23:00.003+02:00

No hay mejor noticia para un blogger que respirar más allá de sus teclas..., y como véis arriba lo volvemos a hacer en la radio, de la mano de un cortometrajista de los clásicos (Isaac Berrocal, con un gran equipo), director de un ya festival mítico (Cortomenar) y autor muy bien acompañado de un programa de radio que esperemos jamás perezca.

Tenéis que escucharlo. Si no, se habla de una maldición muy jodida..., o igual es un rumor. O no.

MALDITO HOLLYWOOD VI

2009-04-20T09:00:00.000+02:00

LEYENDA 6: LA SAGA POLTERGEIST
Ya se me llevannnnnnnnnn

Motivo: los espíritus se enfandaron por poner en las enciclopedias un director que no era. Por otro lado, la profanación de muertos para la secuencia de la piscina se dice que tuvo que ver.

POLTERGEIST I:
La mismísima Cahiers reconoció la maldición.
Jobeth Williams veía TODOS LOS DÍAS las fotos caídas de su pared, cada vez que volvía a casa.
La secuencia de la piscina está realizada con esqueletos auténticos. La actriz no lo supo hasta después del rodaje y éste es el motivo oficial por el que se dice que hay una maldición.
Dominique Dunne, la hermana mayor de la película, fue estrangulada por su novio Sweeney en la puerta de David Packer..., en plena calle. Justo al terminar el rodaje y mientras ensayaba con David su papel en V. El novio no sólo se contentó con eso, sino que también la oprimió el pecho con la rodilla. El sujeto fue encerrado tan sólo tres años, pero la familia le persiguió y sitio donde trabajaba, sitio donde le ridiculizaban.., consiguiéndole varios despidos. Finalmente se trasladó a Seattle, cambió de nombre y se perdió en el anonimato.

POLTERGEIST II:
Julian Beck, bisexual, drogadicto, delicuente ocasional y respetado director teatral, actor e intérprete que hace de reverendo (lo único justamente reverenciado de la película), murió de cáncer días después de terminar su papel. Esto tuvo algo de trampa, ya que Beck trabajó SIN MAQUILLAJE en la película porque tenía la enfermedad muy avanzada.
El rodaje fue tan accidentado que Will Sampson, chamán indio en la vida real y el brujo en la película, tuvo que exorcisar el plató. No dormía sólo para hacer los rituales, pero fue lo único que hizo al equipo seguir trabajando, porque estaban muertos de miedo. 2 años después, el actor indio moría debido a una severa malnutrición preoperatoria y a un fallo renal posoperatorio.

POLTERGEIST III:
Un miembro del equipo estuvo a punto de morir calcinado debido al incendio de un plató completo, tras una explosión de un vehículo, en la persecución de coches.
Durante una sesión fotográfica promocional, se descubrió una luz brillante que tapaba la cara de Zelda Rubenstein en todas las fotos. La diminuta actriz afirmó que justo en ese momento su madre murió.
Heather O'rourke, con tan solo 12 años de edad, murió después del rodaje debido a la Enfermedad del Crohn. La madre demandó al hospital porque pensaba que no se sabía lo que tenía y fueron unos incompetentes. Jamás se aclaró, pero el hecho es que Heather murió de un día para otro. El director quiso archivar el montaje, pero la distribuidora le obligó a continuar. De hecho, la MGM quería un final comercial y le exigieron rodar un desenlace con una doble de la actriz. La experiencia fue desastrosa, como la propia película..., condenada al ostracismo más despiadado.

CURIOSIDAD COMPLEMENTARIA:
El libro que nos sirve como material de base, certifica lo que listamos, demostrando para los más despistados que Poltergeist es una película dirigida por Steven Spielberg:
Spielberg insistió en que toda la historia era suya.
Spielberg eligió todo el equipo técnico y artístico.
Spielberg rechazó las decisiones de Hooper y fue él quien dio el visto bueno a todos los efectos especiales. La criatura EL ESÓFAGO fue enteramente sugerida por él, Hooper se mantuvo al margen.
Spielberg hizo el guión técnico. Completo.
Spielberg no la dirigió porque el Sindicato de Directores prohibía que el productor fuera el director de una película. Además, un director no podía hacer dos películas a la vez..., y estaba con ET.
Jerry Goldsmith dijo lo siguiente: "Yo sólo trabajé con Steven. Hooper se sentaba 5 minutos al empezar y luego se iba, sin mediar palabra. En lo que a mí respecta, ese señor se limitaba a decir Acción".
Muchos detractores de Spielberg dijeron que las secuencias más violentas tenían que pertenecer a Hooper. Es decir, la escena de la piscina y la alucinación en el espejo. Lo cierto es que fueron concebidas por Steven. En el desgarro de la cara, son sus manos las que lo hacen. En la piscina, Steven se metió en la misma con la actriz para que no tuviera miedo. La secuencia del árbol también fue suya, procede de su infancia.
El montaje fue supervisado sólo por Spielberg. De hecho, FUE EL MONTADOR (sin acreditar).
Hay varias secuencias eliminadas que Spielberg quitó del montaje por miedo a la calificación R. Algunas personas del equipo dijeron que eran momentos logradísimos, el problema es que quizá jamás los veamos, debido a la fobia de Spielberg por las secuencias eliminadas en los extras. Una decían que era especialmente brutal: el ataque de una araña a los parapsicólogos.
MGM reconoció para la publicidad a Spielberg como director, en varios trailers. Todas las fotos de la promoción reflejaban a Spielberg dirigiendo y a un Hooper extraviado.
Las declaraciones de Spielberg fueron definitivas: "Tobe no es un hombre con don de mando. No tiene fuerza en el plató. En esta película sólo ha asentido, nada más".
Tobe demandó todo esto y el Sindicato de directores le dio por vencedor. La multa por ofensa, para la MGM, fue de 15.000 dólares y la orden de retirar los trailers con el nombre de Spielberg en Los Ángeles y Nueva York.
Spielberg puso una carta en abierto para Tobe, en el Variety, diciendo que era un gran tipo. El truco no engañó a nadie pero se reconciliaron y Tobe le dirigió un Cuento Asombroso y un Abducidos.

PRÓXIMAMENTE: LA LEYENDA DE RODOLFO VALENTINO.

MALDITO HOLLYWOOD V

2009-04-17T18:38:00.002+02:00

LEYENDA 4: LA PROFECÍA
DUÉRMETE SATANITO, DUÉRMETE YA

Motivo: Intentar filmar los primeros añitos del hijo del MALIGNO.

RODAJE Y POSPRODUCCIÓN:
Pasaron tantas cosas que casi nadie de la prensa cuestionaba su maldición.
Antes de comenzar la filmación, el avión donde iba Gregory Peck hacia Londres fue alcanzado por un rayo, alcanzando un motor. Semanas después, el guionista David Seltzer tuvo el mismo problema..., en la misma ruta.
Peck canceló a última hora un vuelo a Israel..., y el aparato se estrelló poco después, muriendo todos los pasajeros.
Un jet privado que el equipo había alquilado para tomas aéreas fue cedido finalmente a un grupo de hombres negocios. En el despegue, una bandada de pájaros chocó contra él..., el avión fue a parar a la carretera, donde se estrelló contra un coche. Ocupantes del coche y del avión murieron, al completo. Los viajeros del coche eran la familia del piloto del avión.
Una bomba del IRA estalló cerca del Hilton, donde se alojaban Donner y el productor ejecutivo de la película. Otra bomba reventó un restaurante donde, precisamente ellos dos, habían reservado para una hora después. Una tercera destruyó la estación del metro..., a donde justo iban de camino OTRA VEZ ELLOS DOS.
El primer día de rodaje, varios miembros del equipo estuvieron implicados en un aparatoso accidente de coche.
Se filmó una escena con leones en el Safari Park, que finalmente se eliminó. Bien, pues ese día el guardia de seguridad fue DESTROZADO por los leones.
Durante el ataque de los perros en el cementerio, uno de los rottweilers destrozó las protecciones de uno de los especialistas, que requirió varios puntos en el brazo.
En la posproducción, el supervisor de efectos especiales John Richardson se fue a Holanda, a trabajar en Un puente lejano. EN UN VIERNES 13, tuvo un accidente de coche donde su mujer acabó decapitada EXACTAMENTE igual que David Moore en la película. Richardson quedó inconsciente y al volver en sí encontró un cartel en el lugar del accidente que decía: OMMEN, 66.6 km.

SAGA:
En menor medida, todos los rodajes de las secuelas de la saga se vieron implicados en maldiciones. El suceso más famoso ocurrió con el remake, donde el hermano de Pete Postlehwaite perdió a su hermano durante el rodaje. Antes de morir, el hermano estaba jugando a una partida de cartas donde sacó un trío de seises.

PROXIMAMENTE: POLTERGEIST.

MALDITO HOLLYWOOD IV

2009-04-03T10:17:00.003+02:00

LEYENDA 4: EL EXORCISTA
FEA BLAIR

Motivo: hacerle travellings al mismísimo Satán.

RODAJE:
Se alargó hasta los 9 meses y triplicó su presupuesto debido a la cantidad de desgracias causadas.
Jack MacGowran (Burke Dennings) murió una semana después de acabar el rodaje (y morir en la película) por una simple gripe.
Vasiliki Maliaros (madre del Padre Karras) murió una semana después, por causas naturales.
El hermano de Max Von Sydow murió mientras éste rodaba.
El abuelo de Linda Blair murió mientras también rodaba.
Max Von Sydow enfermó peligrosamente durante el rodaje.
Jordan (el hijo del actor Jason Miller) fue arrollado en una playa vacía por un motorista que salió de la nada, estando a punto de morir.
Ellen Burstyn se lesionó gravemente la espalda durante la controvertida secuencia de la masturbación con el crucifijo. La toma donde ocurrió (cuando es golpeada por la hija) se conservó en la película y la actriz enfureció por la supuesta falta de respeto. El chillido es real.
El decorado de la casa de los McNeil (Ceco Studios) se incendió por un cortocircuito. Hubo que construirlo otra vez. Al construirlo de nuevo, el sistema de riego por aspersión se averió y paró otras dos semanas el rodaje.
Un carpintero de rodaje se amputó el dedo trabajando.
Uno de los técnicos de iluminación perdió un dedo del pie en el set.
Nueve técnicos del equipo se dieron de baja por insolaciones o disentería, debido a un retraso de fecha de rodaje en Irak.
La estatua de bronce del demonio asirio Pazuzu se perdió en el embarque aéreo desde Los Ángeles y fue a parar a Hong Kong.
La secretaria de Blatty cayó misteriosamente enferma y su compañera de piso enloqueció para siempre, aplicándole camisa de fuerza.
El ayudante de cámara tuvo un hijo que nació muerto.
El encargado de la refrigeración del set murió.
El guarda que vigilaba el edificio fue disparado y murió.
Se hizo un exorcismo al plató por un miedo colectivo.
Se incendió la residencia de los jesuitas en Georgetown.
Friedkin torturaba a su equipo estallando petardos en sus oídos, para que tuvieran miedo constante. En la secuencia de la extremaunción, abofeteó por sorpresa al Reverendo William O'malley (auténtico sacerdote que interpretaba al Padre Dyer) y le filmó el rostro. Ése es el primer plano usado en la película.
El soundtrack tiene verdaderas posesiones demoníacas italianas metidas.
La posproducción se llevó a cabo en el 666 de la Quinta Avenida de Nueva York.
Friedkin expulsó a Blatty de la edición, a Schifrin de la música y a la McCambridge la quitó de los créditos (la voz del demonio, que se la trabajó incluso con tabaco), pero ésta puso un pleito y lo ganó, así que la podemos ver "a medias". Asimismo, mucho metraje (casi todo) está hecho con una doble de Regan y William nunca lo reconoció, pidiendo incluso el Óscar para la niña. Todo salió a la luz y no hubo premio. Desde entonces, la carrera del director nunca ha despegado.

ESTRENO:
Crítica destrozándola implacablemente, colas con tumultos, vandalismo, robos, tráfico parado para ver la película, espectadores desmayados, vomitando o con ataques epilépticos, acomodadores al paro por observación médica, cines que contrababan hospitales para estar allí durante la proyección, sacerdotes en la sala, hospitales llenos de espectadores trastornados de la película, ataques cardíacos, un aborto en California y un hombre lanzándose a la pantalla para exorcizar la película.
Noticias de muchas posesiones demoníacas supuestamente por culpa de la película, comisarias colapsadas, conversiones religiosas, mentales e infinidad de sucesos. Poco después, la tragedia: en Alemania murió el joven (16 años) Rainer Hertrampf, suicidándose con un tiro de escopeta en la boca, tras ver la película. En Inglaterra, suicidio de Jonathan Power (16 años) también tras visionarla (ataque epiléptico) y en York (Inglaterra también) Nicholas Bell mata a una niña de 9 años porque, según él, la película se lo dijo. En Ossett (Yorkshire) Michael Taylor se sometió a un exorcismo nocturno brutal. A la mañana siguiente, atacó a su esposa con las manos desnudas: le arrancó los ojos y la lengua y le desgarró la cara hasta los huesos. La pobre mujer murió ahogada en su propia sangre.
Linda Blair nunca levantó su carrera y fue acosada durante muchos años.
El resto de la saga siempre se dio el batacazo e incluso hubo tragedias (mínimas) en los rodajes de las sucesoras.

PROXIMAMENTE: LA PROFECÍA.

MALDITO HOLLYWOOD III

2009-04-02T09:23:00.004+02:00

LEYENDA 3: PERFORMANCE
UN RODAJE MALNACIDO

Motivo: jugueteos de Anita Pallenberg con EL DEMONIO, en pro de los Stones.

RODAJE:
Se contrataron a gansters reales para papeles.
Los actores interpretaban la película drogados y el set tenía su propio camello. La película se rodó con todo el mundo puesto hasta la bandera.
El atrezzo ocultista de la película lo robaba constantemente Anita Pallenberg, con el objetivo de convertirse en la Suma Sacerdotisa de los recientes intereses ocultistas de los Stones. Era bruja confirmada, tenía un arcón lleno de restos de huesos y pellejos de extraños animales (confirma Tony Sánchez).
Mick Jagger y Anita Pallenberg follaron realmente ante las cámaras, mientras la mujer de Mick se consumía de celos. Esta secuencia se eliminó de la película, pero fue presentada en un montaje sin cortes ante el festival de cine porno de Amsterdam, donde la premiaron.
Pallenberg copuló con más miembros del rodaje.
La Warner vio la mitad del rodaje rodado y amenazó con suspenderlo, demandando a Cammell y Roeg por apartarse del guión aprobado.
El laboratorio, por su cuenta, al ver escenas de sexo tan explícitas, amenazó con destruir el negativo. Todo quedó en que destruyeron el positivo y devolvieron dicho negativo.

MONTAJE FINAL:
Cuando los ejecutivos de la Warner vieron el montaje final, acusaron a los cineastas de haber hecho ALGO MALVADO. Un ejecutivo cogió una pala para enterrar la película, pero le pararon.
En el estreno de pago, en Santa Mónica, hubo vómitos encima de personas, chillidos, peleas y devolución del dinero a los asistentes, parando la proyección.
Los directores tuvieron que recortar la película, pero Roeg ya entonces se retiró. Roeg no había hecho nada en la película que no fuera técnico, toda la artística pertenecía a Cammel.
La crítica la REVENTÓ, con frases como ES UNA PELÍCULA PARA IDIOTAS.

A POSTERIORI:
Performance fue la precursora de los vídeos musicales de la MTV y de muchas películas populares de los 90 y el nuevo milenio, por su montaje frenético y su narración fragmentada. Ha sido plagiada por Tarantino, Guy Ritchie, Jonathan Glazer y muchos otros.

IMPLICADOS MALDITOS:
Brian Jones, en quien el personaje de Turner estaba sustancialmente basado, murió en Julio del 69, misteriosamente ahogado en la piscina de su casa de campo, en Sussex.
Anita Pallengerg se transformó en heroinómana.
Marianne Faithfull, novia de Jagger cuando se filmó la obra, tuvo un aborto y se refugió en los barbitúricos y en el alcoholismo.
James Fox sufrió una crisis mental y dejó su trabajo durante nueve años para hacerse cristiano excesivo.
Michele Breton se hizo traficante de drogas en Marsella.
Donald Cammell, su director, se voló la cabeza y estuvo agonizando durante 45 minutos. Le pidió por favor a su mujer que durante dicha agonía sostuviera un espejo para verse morir. Antes de fallecer le dijo: "¿No ves a Borges?", en alusión a la famosa secuencia de la película donde una bala entra por una sesera y acaba en una foto del mismísimo Borges. La carrera de Cammell estuvo enteramente maldita en todas sus manifestaciones y aún hoy en día, a pesar de tener una filmografía notable, sigue estándolo.

PROXIMAMENTE: El exorcista.

MALDITO HOLLYWOOD II

2009-03-30T11:50:00.006+02:00

LEYENDA 2: LA SEMILLA DEL DIABLO.

MALDITO DEMONIO.

Motivo: jugar con fuego.

Inciso: el edificio Dakota de Manhattan, donde se rodó el film, tenía más de una docena de suicidios en sus paredes y la muerte de John Lennon en su puerta, doce años después. Lennon era íntimo de Farrow.

Sucesos:

En el rodaje, Frank Sinatra presionaba a Mia Farrow, incluso con violencia física, por celos. Quería que dejara el rodaje, porque ya era muy largo. Incluso no paraba de llamar a Polanski, que no se lo cogía. Finalmente, mandó un abogado al set y la ridiculizó, para divorciarse. Mia Farrow filmó ese día la secuencia final y, como sabéis, la bordó. La depresión en que cayó benefició su interpretación en la película, jamás igualada por ella misma en cuanto a calidades.

Polanski y Casavettes no se aguantaban, tenía peleas cada minuto. En el estreno de la película, el propio Casavettes ejerció de crítico para vapulearla y la crítica le dio estopa al film, convirtiéndose a posteriori, paradójicamente, en uno de los films más importantes de la historia del cine de terror.

Komeda, el músico del film, murió EXACTAMENTE igual que el personaje de Grodin en la película. Se acusó a la familia Polanski de pasar bastante del suceso, pero ellos lo negaron. Eran íntimos.

William Castle, el productor, fue bombardeado por cartas amenazantes, sin tregua. Poco después, fue al hospital por infección de vejiga, a punto de morir. Fue salvado y recayó, yendo otra vez al hospital. Cayó una tercera y una cuarta vez. Curiosamente, fue a parar al mismo hospital donde Komeda, en la planta de arriba, estaba muriendo.

El ocho de agosto del año del estreno de la película, la familia Manson asesinó a una Sharon Tate embarazada y a todos los amigos que estaban en la casa en una de las masacres más espeluznantes de la historia. Lo más escalofriante del asunto es que las víctimas fueron los culpables, ya que todo el público y la prensa decían que tuvieron una muerte merecida, por estar metidos en, según ellos, tantos malos rollos.

Después de este suceso, ya sabéis todo lo que le ocurrió a Polanski: pederastia, exilio y maldiciones.

Próximamente. PERFORMANCE.

MALDITO HOLLYWOOD I

2009-03-28T15:23:00.002+01:00

LEYENDA 1: INCUBUS, película hablada en esperanto.

LA MALDICIÓN DE LOS 40 AÑOS.

Motivo: Un hippie echó mal de ojo a la película por haber sido maltratado por el equipo de producción.

Sucesos:

Premiere de la película, se envía una copia sin sonido. Una hora el público esperando. Cuando se consigue una copia buena, la sociedad de esperanto interrumpe el estreno, manifestándose. Sharon Tate y Polanski estaban entre el público. La violación que se ve en la película Incubus es clavada a la que luego le propiciaron a ella.

Los distribuidores se la cargan por el diálogo esperanto y un famoso plano de pechos. La película queda archivada. En el año 93, el productor decide relanzarla y observa con horror que en el laboratorio han desaparecido todas las copias. Se destruyeron por la empresa por accidente.

Años más tarde, aparece una milagrosa copia en la cinemateca de París. Pero la ciudad se entera de la valía y la declara TESORO NACIONAL, así que no quieren soltarla. Al final tragan y le dejan hacer copia, pero haciendo el duplicado ven que las perforaciones están hechas un lío y tienen que copiarla TOMA POR TOMA.

Después de mucho tiempo y dinero invertidos, se consigue sacar en dvd. Su posesión es imperativa para todo coleccionista.

Tragedias con protagonistas:

Milos Milosevic mató a su amante, Barbara Ann thompson y se pegó un tiro.
El mismo año, Ann Atmar se suicidió sin motivo aparente, en su casa.
Tres años después, Marina Have, hija del prota Eloise Hardt, fue secuestrada en la puerta de su casa y asesinada. Se sospechó de los Manson, pero no pudo demostrarse.

PROXIMAMENTE: LA SEMILLA DEL DIABLO.

¿POR QUÉ?

2009-03-26T19:23:00.002+01:00

Llevo un buen tiempo sin escribir, y aunque no quiero convertir este artículo en una lista de excusas, va sobre ello porque es lo que necesito y tengo que contar.

Primero, y muchos sabéis de qué hablo, lo que significa terminar una película. Etalonar, durante horas, días, y a menudo todas las horas del día. Revisar. Doblaje. Papeleo del Ministerio. Mezclas de sonido. Más etalonaje. Renders. Más mezclas. Más burocracia. Se rompe la matriz del estudio. Más renders en HD. Mezclas finales. Imprimir carteles. Creación de menús del DVD. Programarlo. Diseñarlo. Prensa. Reuniones. Diseñar carátula. Render del DVD. Revisar. Volver a renderizar. Ruedas de prensa.

Y el preestreno de Tras los pasos del Bandolero (más info en www.pedrojaenr.es ).

Y justo pocos días antes del preestreno me ocurrió algo extraño e inexplicable. En mitad de la noche, me asaltaron ideas muy raras y enigmáticas, en lo que podría calificar de "crisis existencialista", acompañada de pánico, ahogo, taquicardia... No quiero parecer pedante ni pretencioso, pero es que realmente la causa no tenía nada que ver con mi película ni mi realización como cineasta, sino que era filosófica y cósmica.

Fue un largo momento de verdadera pesadilla, imposible de explicar en palabras y en el que fui atacado por mi conciencia atea y nihilista. Además de la sensación de que la realidad no es real y que todos los conceptos aprendidos sobre la vida no son más que simplificaciones utópicas, me llegó la duda del porqué de lo que hago. Los humanos hacemos arte, según creo, por lo mismo que procreamos, para dejar nuestra huella en el futuro y en la eternidad. Pero si según esas ideas que me aterrorizaron, nada es eterno, y los científicos dicen que hasta la especie humana y el Sol acabarán desapareciendo, ¿por qué dedicamos nuestra vida, esfuerzos y hasta horas de sueño en crear algo que probablemente no perdurará? Si el arte ni siquiera sirve para perdurar más de unos cuantos siglos (en términos metafísicos o eternos, eso es un respiro), ¿para qué sirve? He dedicado toda mi vida a hacer algo que ahora, de repente, me parecía absurdo y estúpido. A lo largo de la vida, en vez de encontrar respuestas, las voy perdiendo. He descubierto que soy un verdadero "tonto", pues hago, o he hecho, cosas a las que no encuentro ningún sentido y quizá no sirvan para nada. No me refiero a su calidad (con la que estoy muy contento) sino en un sentido más Amplio. Si chocamos con el ateísmo, con la inconsistencia de la realidad, de la existencia y de la eternidad, ¿cuál es la verdadera finalidad del arte?, ¿de qué sirve el progreso, abocados a la destrucción? Si alguien es capaz de darme una respuesta lógica, le invito a una caña. Quizá me devuelva la fe, en el arte y la vida, pues ahora siento que ser artista es tan absurdo y de malgastar el Tiempo, como lo es para los peces de mi acuario pasarse el día quietos pegados al cristal mirando "no sé qué".

P.D.: antes de que nadie me ataque por ello, aclaro que no se trataba de ser pedante, sino de contar lo que necesito contar; y que lo de artista no es de ser creído, pues se puede ser bueno o malo (y no me meto en de qué grupo soy) como en cualquier trabajo, y ser artista es mi profesión, que por cierto es como otra cualquiera, ya sea camarero, lechero... salvo que da menos dinero, pero no sobrevaloremos el concepto "artista" ni infravaloremos el resto de profesiones.

Pedro Jaén R.

EL BUSCH GARDENS DE ORLANDO III

2009-03-14T12:31:00.001+01:00

EGIPTO:

Clydesdale Hamlet: bello rancho de caballos americanos donde dan fría cerveza gratis, que con el calor que hace dobla su valor ipso facto. Con la crisis, me enteré el otro día que tanto aquí como en Seaworld han quitado la bebida gratis..., y de verdad que es desolador (si hubiérais estado allí, lo entenderíais).

Montu: Montaña rusa de pies colgando y soporte superior (invertida), que en su cola hace que llores por la elección. Al final cobra la suficiente hostia como para que no te arrepientas del todo, pero sin duda estamos ante una locura francamente célebre. Loopings loquísimos, giros G que no sabes si te tienen boca abajo o del lado y una velocidad escalofriante. YO conté seis loopings, pero es que no hablamos de simples giros, hablamos de giros RETORCIDOS. De verdad, innenarrable.

NAIROBI/TIMBUKTU:

Timbuktu Theater (Pirates 4d): espectacular film paródico y de piratas, protagonizado por Leslie Nielsen y la camarilla Monty Phyton. ¿De dónde el 4d? De que te empapan, te endiñan en la butaca (hay hasta pinchos), te ciegan con luces e incluso pasas por un movimiento de butacas. Es Busch Gardens, así que todo muy brusco, muy desagradable (hay hasta salivazos) y terriblemente divertido. Mi Anita se llegó a rebotar por lo brusco, jajajaja.

Cheetah Chase: montaña rusa que parece amigable y te vuelve a sumergir en un peligro constante. Ésta es de las que van en recta y las curvas te hacen casi salirte de la vagoneta, con alguna bajada y subida por decreto. De hecho, casi siempre va en alto..., y cuando bajas fuerte sales de una curva que casi te ha sacado volando. Risa y llanto a manos llenas.

Phoenix: salvajada donde, como en otras muchas de este parque, mi mujer no estuvo a mi lado. Te meten en una especie de barca con techo y rejas y te empiezan a dar vueltas, en bloque fijo. Pero vueltas completas, de 360 grados. Te dejan boca abajo más de un minuto, juegan contigo (cada vez que montas es un programa) y ver la cara roja/boca abajo de tus acompañantes no tiene precio.

Scorpion: otra montaña rusa, esta vez en coche al descubierto, que hace que no te expliques la cantidad de loopings que te esperan, porque no hay protección superior, sólo en las piernas. Vas descapotado, vaya. ¿La respuesta? Es obvia: la velocidad no da tiempo a que te caigas. Es descomunal, los loopings simulan la cola de un escorpión y la fricción de las ruedas hace un ruido que no olvidarás jamás.

Kiddie Rides: globos con lona que dan vueltas arriba y abajo. Completista y para críos.

Carousel Caravan: Los caballitos. El (pesado) clásico que nunca falta. Supongo que no diré esto cuando tenga el nene.

Sandstorm: otro (también pesado) clásico que nunca falta: las vueltecitas en sillas. Mareable y extrañamente eterno.

Games Área: bella zona de juegos a lo palacio árabe. Bonito paseo adulto y gran momento infantil.

BIRD GARDENS:

Land of the dragons: bonita zona de juegos infantiles presidida por dragones de mecánica fija.

El resto de la zona son largos paseos por hábitats naturales con animales a tiro de saliva. Lo interesante es que muchas veces puedes tocar a varios de ellos, porque paseas por zonas donde andan sueltos. La cima del asunto es una jaula gigante llena de pájaros exóticos sueltos. Es casi inevitable que se te posen varios en el hombro.

STANLEYVILLE:

Sheikra: probablemente, la montaña rusa donde más acojone he pasado en mi vida. Se tratan de unos coches enormes (te hacen hasta vídeo) donde hay varias alturas, a lo grada. Te suben con esta curiosa estructura a una nube y te lanzan en caída libre (pero por vía) para luego seguir en un recorrido infernal. Es tan gigante que ocupa medio mundo, pasa a pie de peatón y los moja, porque se desliza por agua en una de las caídas (es un charco gigante preparado para ello, no es que sea acuática). Ver desde la cola vías verticales es algo francamente triste, desde el punto de vista del cagueta.

Stanley Falls Flume: muy loca montaña rusa de agua donde tienes una caída a recordar, entre otras tantas complementarias. Se monta uno detrás del otro. Lo único achacable es que está TOTALMENTE exenta de tematización. Es decir, son toboganes y raíles de material acuático que desplazan las barcas. En cualquier caso, la tematización del parque no es lo fuerte del mismo.

Tanganyika Tidal Wave: igual que el anterior, pero hay una ligera tematización de jungla (nada serio). Casi no tiene caídas (creo que conté dos), pero hay una de ellas absolutamente desquiciada (casi en vertical). Los coches son de montar al lado de los acompañantes, no en fila india. Hay varias filas en cada coche.

JUNGALA Y CONGO:

Treetop Trails: Aladeltas donde, si el peso y la edad os lo permiten, podréis volar en un pequeño recorrido (con carril invertido).

WILD SURGE: Espectacular zona africana de juegos, donde una lanzadera dentro de un templo sin techo (por lo tanto, tiene la originalidad de ser exterior/interior) corona el contexto. Te tiran varias veces, pero no hay demasiada altura. Divertida, aunque algo completistota.

Kumba: otra (y van...) montaña rusa de coche clásico que tiene un recorrido casi eterno. Otra vez altura y velocidad extrema, una decena de enredados loopings y la exclusiva de pasar por debajo de un par de puentes donde cruzan los peatones.

Congo River Rapids: rápidos tematizados lo justo pero soberanamente divertidos. Empapan, sin compasión (hay hasta cataratas que se cruzan parciales) y tiene una extensión de lo más compensatoria para las enormes colas que se esperan.

El mundo se completa con una zona de orangutanes donde los puedes ver correr por techos transparentes y casi besarles a vidrio. Hay otra atracción para coronar que es muy curiosa: Tiger Lodge. Un sitio donde no sólo puedes ver al tigre, sino que puedes sacar la cabeza por una zona cubierta, pero transparente..., con lo cual compartes zona con él. Ana y yo tuvimos la suerte de que se nos posó encima y quedamos francamente sorprendidos con la cercanía.

Bueno, pues volveremos con la traca final, que es la que más estáis esperando: UNIVERSAL.

EL BUSCH GARDENS DE ORLANDO II

2009-03-05T17:21:00.000+01:00

Serengeti Plain: bueno, amigos, esto es IMPORTANTE. Hablamos de una réplica muy vasta del Serengeti. Un terreno gigantesco, poco frondoso por fidelidad, y emocionante, donde encontrarás prácticamente DE TODO en cuanto a su fauna. Leones, jirafas, cebras y un inacabable etcétera. Pero es que, vamos con lo mejor..., y es que se puede recorrer A PIE (viendo todo desde jaulas de cristal, por debajo, de frente, explicándote fauna y flora, etcétera), en tren (cada mundo tiene su estación), por AIRE (Skyride) en teleférico de los que no paran y montas al vuelo, con un bamboleo de vértigo emocionante (y donde vas solo con tu pareja) y POR AUTOBÚS HECHO UNOS ZORROS (es Arte, obviamente), turístico, guiado y con trampa. Sí, con trampa, porque pasa por un puente que SE ROMPE y el autobús entero SE CAE AL AGUA. Pero hay trampa, ya digo, porque dicho autobús tiene flotadores verticales laterales y acabas la excursión POR AGUA. Sí, señores, nada físico falta para ver el Serengeti Plain. Tenéis un montón de fotos al respecto.

Luego hay otra opción no menos estimulante pero remunerada, que es ésa que te deja recorrer la atracción en un vagón gigante y sin techo de un camión típico de la zona, a lo carguero. La novedad no es sólo ésta, hay otra: PODRÁS TOCAR A TODOS LOS ANIMALES. Imaginaros los besucones con las jirafas, claro...

El parque es un mogollón de mundos africanos, pero priman más las atracciones, los jardines y los animales que el merchandising, los shows y las tematizaciones. Por eso, porque no te distraes, sales con la sensación de que te han dado una auténtica paliza. Algún show hay, sí..., o algunos monigotes esporádicos a lo desfile. Y no está poco conseguido, pero no tiene nada que hacer frente a los otros porque no es SU POLÍTICA, no porque no se pueda.

Vamos a seguir:

Mundo Morocco:

Katonga: éste es el único show a destacar, en un gigantesco templo marroquí. Durante 40 minutos, musicales y coreografía a servicio harán las delicias de cualquiera, pero con un toque lúdico-festivo más que chorra-infantil, que se agradece. Es algo así como el show del mar en Seaworld, pero más enfocado al corazón de la jungla. Estructurado en cuentos con escenografía, bailes y música. Recomendable.

El resto de espectáculos son prescindibles o directamente infantiles: Hospitality House Entertainment, American Beat, Rock a doo wop, Critter Castaways, Men of note o Friends forever. Generalmente tratan sobre ver animales en acción, escenarios replicando canciones de otras épocas o, directamente, monigotes en su salsa. ¿Se pueden ver? Sí, no indignifican, pero preferentemente para descansar, no para perder tiempo ni para ponértelo como prioritario.

Por otro lado, también te dan con el mapa (y casi cuentan como espectáculo) las horas concretas (hay varios pases en casi todos) para la posibilidad de ver a los cuidadores de todos los animales en activo. Os explicarán sus características, en ocasiones con mucho humor, y tendréis la ocasión de gozar la mezcla humano-animal de las ramificaciones del parque. Recomendable al menos en 5 de las 11 posibilidades que hay.

Andando, tendréis cientos de animales a tiro de piedra y puertas que replican lugares de manera muy conseguida, como la puerta de Nairobi. Seguimos con Morocco, pues:

Myombe Reserve: DESCOMUNAL entorno lleno de cuevas, puentes y cavernas para atravesar a pie. Su interior: peceras y acuarios gigantes, gorilas, monos y demás familia. Se puede observar hasta una espectacular catarata.

Jambo Junction y entorno: lo más llamativo de estas familias es, sin duda, los gigantescos galápagos. Cuando hablo de algo gigantesco, hablo de bichos como uno de nosotros de grande (más anchos y redondeados, obviamente).

Gwazi Sliders: atraccion infantil, que se sitúa al lado del monstruo que voy a narrar ahora, para compensar. Son los típicas sombrillitas volterejetas, muy propias para niños o CAGADOS, pero esperad, esperad...:

GWAZI: Hecatombe de madera, que es probablemente una absoluta locura terrenal. Vagonetas a lo MINA que suenan por todos lados y van a una velocidad de vértigo, con una vibración de los coches que hace hasta daño. Hay dos carritos, con dos recorridos bastante parecidos, pero ambos hasta arriba de cuestas, curvas y gritos. Mi mujer chilló fuerte y tuve que abofetearla para que volviera en sí. Muy larga, dolorida y decididamente recomendable para espabilar tanto Mickey Mouse y tanta polla. Fue la primera y la última que "disfrutó" la madre de mi futuro chavalote.

EL BUSCH GARDENS DE ORLANDO I

2009-03-02T17:15:00.000+01:00

Vamos con Busch Gardens, parque de Seaworld que está en Tampa, ciudad (apueblada, como todas allí) a 200 kms de Orlando, así que imaginaos el madrugón para acudir a verlo. No hay problema, merece la pena. Es un parque situado en medio del pueblo, pero con un terreno tan vasto que te transportará a África, directamente. No veréis un jodío edificio.

Porque, sí, es un parque dedicado a África. Se trata de cientos de jardines referenciales, uno de los zoos más importantes del mundo y un top 10 mundial de los parques de montañas rusas. Casi todo exterior, obviamente. Rara es la atracción interior.

Es un monstruo, joder. Decenas de atracciones, la mayoría muy heavies, con enfoque claramente adulto y con la búsqueda del cliente con emociones fuertes. Fue el único parque donde me rilé en varias colas.

De grande que es, recorrerlo sin parar te puede llevar más de una hora. Yo lo vi en un día, pero VOLANDO y con algún que otro mareo. En las fotos véis a mi mujer parando a refrescarse en un momento donde no podía más. O en otra la véis a punto de darle un mareo fuerte. El calor es aplastante, de veras. Es un parque para ver en dos días sí o sí (con niños o sin ellos).

Ya en la puerta de entrada se ven todos los gigantes en forma de montañas rusas y te das cuenta de donde te estás metiendo. Sin duda vas a cometer un agradable error.

El merchandising es mayormente africano, en la línea de acabados Seaworld. En la cola te dan un mapa algo chusco, de papel recicladísimo (como en Seaworld), pero tranquilos, porque una vez dentro te das cuenta que no han reparado en gastos. Ya en la entrada, te recibe una simpatiquísima banda de músicos que tocan populares (yankees) temas con mucho garbo. Los aplausos se oyen en Asia y consiguen una espera de apertura de puertas memorable. La tematización es la justa, pero aquí no se vende eso.

Y la puerta se abre.

Y vamos allá...

La Tumba del Sr. Aguado

2009-02-14T19:23:00.017+01:00

Tras salir la lista de finalistas del Notodo, la crítica de todo el mundo se manifestó reivindicar la ausencia del film "La Tumba del Sr. Aguado", la gran obra del festival. Por alguna razón no se ha incluido esta ópera prima del genial ME-MANIA. Genialmente interpretado y brillantemente realizado, el short film debería exhibirse en las salas de cine de todo el mundo, dado su carácter universal. Por suerte para todo amante del buen cine, El Sr. Aguado estará disponible en formato DVD y Blu-ray.. proximamente. A continuación mostramos un par de escenas eliminadas que podréis encontrar en los extras de ambas ediciones. No tienen desperdicio. ¡De rabiosa actualidad! (Y demás frases con garra):

Os dejamos ya con la película. ¡No pestañeéis durante todo el metraje! Que por otro lado tampoco es harto complicado tratándose de 30 segundos; eso sí, 30 segundos de lo más intensos. Disfrútenla (es una orden):

By: ME-MANIA